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出版者:W W Norton & Co Inc

作者:Not Available (NA)

出品人:

页数:564

译者:

出版时间:

价格:295

装帧:HRD

isbn号码:9780500976494

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• 勋伯格
• 十二音技法
• 音乐理论
• 现代音乐
• 作曲家
• 音乐史
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音乐的革新者：伊戈尔·斯特拉文斯基的音乐世界 聚焦于20世纪初音乐史上另一位举足轻重的巨人，伊戈尔·费奥多罗维奇·斯特拉文斯基（Igor Fyodorovich Stravinsky），本书将带领读者深入探索这位跨越新古典主义、原始主义、序列主义等多个风格领域的音乐大师的创作生涯、思想脉络及其对现代音乐产生的深远影响。 本书旨在构建一幅立体而详尽的斯特拉文斯基肖像，剖析其在不同创作阶段所展现出的惊人适应能力和不断革新的艺术追求。我们不聚焦于奥地利第二维也纳乐派的十二音体系，而是将目光投向另一条同样深刻地改变了西方音乐面貌的创作道路——那条充满了节奏的爆炸性、和声的冲击力以及对早期音乐形式的独特重塑之路。 第一部分：异域的召唤与俄罗斯的熔炉（1905–1919） 斯特拉文斯基的早期创作深受其导师尼古拉斯·里姆斯基-科萨科夫的影响，继承了俄罗斯民族乐派的丰富色彩和对管弦乐法的精妙掌握。然而，真正的突破源于他与俄国芭蕾舞团（Ballets Russes）及其艺术总监谢尔盖·佳吉列夫（Sergei Diaghilev）的合作。 《火鸟》（The Firebird, 1910）与对“异域”的迷恋 本书将详细分析《火鸟》的创作背景，它标志着斯特拉文斯基从一个学徒到世界级作曲家的飞跃。我们考察其对俄罗斯民间传说、神话的吸收，以及在配器上所展现出的令人耳目一新的技术——尤其是在音色描绘和对“魔力”的音乐化处理上。 《彼得鲁什卡》（Petrushka, 1911）：节奏的解放 《彼得鲁什卡》是音乐史上一个关键的转折点。本书将深入探讨斯特拉文斯基如何使用“多调性”（Polytonality）——特别是著名的C大调与升F大调的叠加——来刻画角色的内心冲突和市集环境的喧嚣。这一时期的作品中，节奏不再是服从于旋律的附属品，而是成为构建音乐结构的核心驱动力。 《春之祭》（The Rite of Spring, 1913）：原始的冲击波 《春之祭》的巴黎首演引发的骚动是音乐史上著名的事件。本书将花费大量篇幅，剖析这部作品的革命性： 1. 节奏的暴力与“强弱交替”： 分析其打破常规的节拍结构，对固定节拍的瓦解，以及如何通过节奏的突然断裂和重复来模拟原始仪式的原始力量。 2. 和声的原始性： 探讨其如何通过不协和音的堆叠（而非传统的调性冲突）来营造一种尚未被文明驯化的声音景观。 3. 对配器的颠覆： 研究低音巴松管在高音区的运用，以及铜管乐器的冲击性角色，如何共同构建一个庞大而野蛮的音响世界。 战争年代与“俄国时期”的终结 第一次世界大战迫使斯特拉文斯基长期旅居瑞士。在这一阶段，他开始疏远宏大叙事的芭蕾舞剧，转而创作更具室内乐性质的作品，如《士兵的故事》（L’Histoire du Soldat, 1918）。这部作品是理解他转向新风格的重要桥梁，它以七人小型乐队配置，融合了爵士乐、民间舞曲和戏剧的元素，体现出对极简和精炼的追求。 第二部分：秩序的回归与新古典主义的旗帜（1920–1951） 厌倦了早期创作中无节制的“原始冲动”，斯特拉文斯基开始了其最富争议也最具影响力的阶段——新古典主义。 确立风格：《普尔钦奈拉》（Pulcinella, 1920） 在佳吉列夫的启发下，斯特拉文斯基于意大利巴洛克和古典主义时期的音乐（特别是乔瓦尼·巴蒂斯塔·佩尔戈莱西的作品）中汲取灵感，创作了《普尔钦奈拉》。本书将分析他如何“引用”或“戏仿”过去的音乐材料，但通过注入现代和声语言和节奏处理，使其完全服务于当代的审美。这不是简单的复古，而是一种“过去在今天的回响”。 结构与清晰：交响曲与协奏曲 新古典主义时期的核心特征是追求清晰的结构、明确的调性轮廓以及对奏鸣曲式、赋格等古典形式的重新运用。我们将审视： 《八重奏》（Octet for Wind Instruments, 1923）： 这部作品是新古典主义宣言式的作品，以木管乐器为主导，强调精确的对位和简洁的线条，展现了斯特拉文斯基对精确计算的偏爱。 《俄狄浦斯王》（Oedipus Rex, 1927）： 这部半歌剧/半清唱剧，以拉丁文演唱，采用静态、雕塑般的戏剧处理方式，回归了希腊悲剧的庄严感，其音乐语言更为冷静和仪式化。 歌剧领域的探索：《浪子的历程》（The Rake's Progress, 1951） 本书将详细探讨斯特拉文斯基在晚期创作中，与诗人W. H. 奥登合作完成的最后一部重要歌剧《浪子的历程》。这部作品是其新古典主义的集大成者，结构严谨，大量使用咏叹调、宣叙调和重唱，是对莫扎特和早期威尔第歌剧传统的致敬，但其配器和和声处理依然带有鲜明的斯特拉文斯基印记。 第三部分：最后的转向——序列主义与晚期作品（1952–1968） 在妻子维拉去世后，斯特拉文斯基进入了人生的最后阶段，并令人意外地转向了当时被视为“前卫”的十二音技法和序列音乐。 接触韦伯恩与对新方法的接纳 本书将探讨斯特拉文斯基如何克服对勋伯格体系的长期抵触，转而学习安东·韦伯恩的严谨手法。这种转变并非是对早期风格的否定，而是在寻找一种可以实现绝对结构控制的全新工具。 《纪念安东尼·德沃夏克》（Threni, 1958）与《圣歌、圣歌、赞美诗》（Canticum Sacrum, 1956）： 分析这些作品如何运用十二音组织材料，但斯特拉文斯基的处理方式依然保留了其对音色和节奏的关注，区别于维也纳学派的“无重音”美学。 晚期电子音乐的尝试 最后，我们将简要提及斯特拉文斯基在生命最后阶段对电子音乐的兴趣，包括他与作家罗伯特·克拉姆合作的《叙事曲》（Poème électronique）的早期构思，尽管他并未完成大规模的电子音乐作品，但这显示了这位大师终其一生对声音实验的开放态度。 总结：跨越世纪的音乐建筑师 本书最终会总结斯特拉文斯基作为一位真正的“音乐建筑师”的地位。他的创作生涯是一系列风格的交替与融合，从俄罗斯的抒情民族主义到节奏的原始爆发，再到古典形式的冷静重构，最终触及了20世纪中叶的序列主义前沿。他留给世人的，不仅是杰出的音乐作品，更是一种关于艺术如何不断自我超越、挑战既有范式的深刻启示。他的影响贯穿了整个20世纪的作曲家，塑造了我们理解现代音乐的听觉框架。

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我得说，这本书的史料挖掘深度简直令人咋舌，仿佛作者花费了数十年时间，穿梭于欧洲各大档案馆和私人收藏室之间。它并非停留在对个人生平的简单罗列，而是将人物置于其所处的时代背景——两次世界大战的阴影、维也纳文化圈的鼎盛与衰落、以及整个西方艺术思潮的剧烈动荡之中，进行全景式的剖析。尤其令人称奇的是，作者对信件、日记和早期评论的引用，不仅数量庞大，而且时机把握得恰到好处，总能在最需要背景信息的时候，精准地抛出一段原始的文字记录，极大地增强了历史的现场感。读到一些关于他与同时代作曲家、评论家之间微妙关系的论述时，那种扑面而来的历史厚重感，让人不禁感叹，原来一位艺术家的诞生，背后承载了如此多复杂的人际交织与时代张力。这绝不是一本轻松的读物，它需要读者有一定的历史耐心和背景知识储备，但一旦沉浸其中，你便会发现自己站在了一个观察历史关键节点的绝佳位置。

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阅读体验方面，这本书的节奏控制堪称教科书级别。前半部分略显平缓，聚焦于早期作品的古典根基和过渡期的挣扎，为后半部那场彻底的美学革命积蓄能量。作者深知，铺垫的重要性不亚于高潮本身，因此在叙述早年生活的章节里，笔墨虽然相对舒缓，但字里行间透着一种对未来风暴来临前的宁静感。当叙事进入到成熟期，尤其是在阐述他如何系统化地建立起新的作曲方法论时，行文的密度和节奏感陡然加快，文字变得更为紧凑有力，仿佛在模仿他作品中那种结构化的爆发力。这种节奏上的张弛有度，使得长篇阅读不易产生疲劳感，反而是像追一部精心剪辑的纪录片，知道何时该放慢脚步细品，何时又该全神贯注跟上思想的飞驰。全书读完，我感到心满意足，因为它不仅提供了知识，更提供了一种结构化的阅读享受，让人在合上书页的瞬间，对整个二十世纪音乐史的轮廓都有了全新的认知和坐标定位。

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这本书最让我感到震撼的地方，在于它如何处理美学上的“断裂”与“继承”这个核心矛盾。作者没有简单地将这位艺术家的作品标签化为“不协和音的制造者”，而是细致地梳理了其创作思想的内在逻辑线索，揭示了看似天马行空的音响世界背后，依然潜藏着对结构和形式的坚守与重塑。对于那些习惯了浪漫主义和谐旋律的耳朵来说，书中的分析无疑是挑战性的，但作者巧妙地运用类比和深入浅出的讲解，将那些抽象的十二音体系，还原成了一种面对全新艺术秩序的理性建构。我尤其欣赏书中对“变异”过程的描述，那种从涓涓细流到冰川崩裂的渐变过程，被刻画得丝丝入扣。它教会了我如何用一种更宽容、更具探索性的目光去聆听那些初听时令人困惑的声音，明白了艺术的伟大往往在于它敢于走在时代的最前端，甚至不惜以牺牲即时的愉悦感为代价，去开辟无人涉足的领域。

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这本书的行文风格极为内敛而精准，与其探讨的主题那种严谨性不谋而合。作者采用了近乎学术论文的克制笔调，没有过多的主观臆断或煽情色彩，所有的论断都有扎实的史料和文献支撑。这种冷静的叙事方式，反而让那些复杂的音乐理论和革命性的艺术思想，以一种更为清晰、更具逻辑性的面貌呈现出来。读起来，你会感觉自己不是在听一个故事，而是在参与一场深度的学术研讨会。对于那些试图深入理解二十世纪音乐变革核心的读者来说，这种不带偏见的叙述方式是莫大的福音。书中对每一个音乐阶段的过渡处理得非常微妙，你能清晰地看到他是如何一步步挣脱传统束缚，最终走向全新的创作语境的。我喜欢作者在关键概念出现时，那种不动声色却掷地有声的解释，它要求读者必须全神贯注，但回报也同样丰厚——你获得的理解是深刻且持久的。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，从封面那沉稳的靛蓝色到内页那种恰到好处的米白色，都透露出一种对经典艺术的敬畏。我尤其欣赏作者在排版上的匠心独运，那些复杂的乐理图表和手稿照片，被巧妙地融入到流畅的叙事文字之间，既保证了阅读的连贯性，又极大地丰富了视觉体验。光是翻阅这些插图，我就仿佛能触摸到那个时代作曲家们指尖的温度。书中的配图选择极其考究，不仅有大量罕见的肖像照，更有许多珍贵的乐谱初稿，即便是对音乐史略有涉猎的读者，也能从中挖掘出许多新奇的细节。装帧的厚重感也让人感觉这不仅仅是一本关于音乐家的传记，更像是一件值得珍藏的艺术品，放在书架上都显得熠熠生辉。我曾特意去比较了不同版本书籍的装帧工艺，可以肯定地说，这个版本在纸张的选择和印刷的精细程度上，达到了一个极高的水准，让人爱不释手，拿在手里沉甸甸的，心里也踏实。

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