Theater, Speech, and Dance pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Mason Crest

作者:Valliant, Doris

出品人:

页数:64

译者:

出版时间:2005-1

价格:$ 22.54

装帧:LIB

isbn号码:9781590848999

丛书系列:

图书标签:

• 戏剧
• 演讲
• 舞蹈
• 表演艺术
• 舞台艺术
• 艺术史
• 文化研究
• 教育
• 艺术
• 娱乐

《剧院、演讲与舞蹈：舞台艺术的演进与表达》 这是一部深入探索西方舞台艺术发展脉络的著作，它以剧院、演讲和舞蹈这三个核心元素为切入点，勾勒出这些表演形式如何从古老的仪式演变至今，并在不同历史时期、文化背景下呈现出丰富多样的面貌。本书并非仅仅罗列历史事件或人物，而是着重分析不同时代舞台艺术的社会功能、美学追求以及观众的接受方式，试图揭示表演者如何通过肢体、声音和空间来构建意义，触动人心。 第一部分：剧院的诞生与蜕变 本部分将追溯剧院的起源，从古希腊城邦的宗教庆典和公民集会出发，探讨其作为社会凝聚力和政治讨论场所的双重角色。我们将审视古希腊悲剧和喜剧的结构、主题，以及它们如何反映当时的社会价值观和哲学思潮。接着，视角将转向罗马时期的剧院，分析其规模化的建筑、表演风格的转变，以及娱乐功能的强化。 中世纪的欧洲，宗教剧（如神秘剧、奇迹剧、虔诚剧）在教会的倡导下蓬勃发展，成为传播教义、激发民众信仰的重要媒介。本部分将详细阐述这些戏剧在形式、内容上的特点，以及它们如何在乡村广场和教会内部上演，与今天的剧院概念有所不同。 文艺复兴时期，人文主义的兴起为戏剧带来了新的生命力。莎士比亚、莫里哀等剧作家创作了大量经典剧目，他们关注人性的复杂，戏剧的文学性和思想性得到极大的提升。本书将深入分析这一时期剧院建筑的演变，舞台技术的进步，以及演员的表演风格如何向更写实、更具表现力方向发展。 进入近现代，现实主义、自然主义、象征主义等各种戏剧流派的涌现，标志着戏剧艺术的进一步探索和实验。我们还将触及到布莱希特等人的“史诗剧”理念，探讨其如何挑战传统戏剧模式，引导观众进行批判性思考。最后，本部分将目光投向当代剧院，分析后现代主义对戏剧的解构与重塑，以及数字技术对剧场体验的潜在影响。 第二部分：演讲的力量与艺术 演讲，作为一种直接而有力的沟通方式，在人类文明史上扮演着至关重要的角色。本部分将从历史的维度，考察演讲作为政治动员、法律辩论、哲学阐述和宗教宣传的手段。我们将探讨古罗马雄辩家西塞罗的修辞艺术，以及他在演说中的逻辑构建、情感煽动和道德说服。 中世纪的布道，是另一种形式的演讲，它承载着宗教信仰的传播和对信徒道德的训诫。本书将分析不同时期宗教领袖在演讲中的语言风格、叙事技巧以及如何利用场地和听众的反应来达到最佳效果。 启蒙时代，理性主义的思潮通过演讲得以广泛传播。法国大革命、美国独立战争期间，涌现出无数振聋发聩的政治演说，它们激发了民族独立的热情，推动了社会变革。我们将剖析这些演说的结构、修辞手法以及它们所产生的巨大社会效应。 19世纪和20世纪，演讲在政治、社会和文化领域继续发挥着关键作用。从林肯的葛底斯堡演说，到马丁·路德·金的“我有一个梦想”，这些经典的演讲不仅是历史的印记，更是人类追求自由、平等和正义的象征。本书将对这些演讲进行细致的分析，探究其语言的穿透力、情感的感染力以及思想的深远影响。 此外，本部分还将探讨演讲的艺术性，包括发声技巧、肢体语言、眼神交流等，以及这些非语言因素如何与口头表达相互配合，共同构建起一个成功的演讲。我们将审视演讲作为一种表演艺术的特质，以及它与文学、戏剧之间的联系。 第三部分：舞蹈的韵律与表达 舞蹈，作为一种古老的身体语言，其历史可以追溯到人类的起源。本部分将首先考察原始社会和古代文明中的仪式性舞蹈，它们往往与宗教祭祀、部落庆典、战争准备等活动紧密相连，承载着传递文化、维系社群的功能。 古希腊和罗马时期，舞蹈在节日庆典、戏剧表演中扮演着重要角色。我们将探讨其与音乐、诗歌的结合，以及不同类型的舞蹈所传达的情感和叙事。 在中世纪，虽然教会对世俗舞蹈有所压制，但民间舞蹈依然在各种节日和集会中流传。文艺复兴时期，宫廷舞蹈开始兴起，成为贵族社交和展示地位的重要方式，这为后来的芭蕾舞奠定了基础。本书将详细介绍这一时期舞蹈的服饰、音乐以及其在宫廷生活中的意义。 17世纪和18世纪，法国成为欧洲舞蹈艺术的中心，古典芭蕾逐渐形成规范。本书将深入分析芭蕾的动作体系、美学原则以及其在歌剧院和皇家学院中的发展。我们将审视芭蕾如何在叙事性和技术性上不断追求极致，并诞生出《天鹅湖》、《胡桃夹子》等不朽名作。 19世纪末至20世纪初，现代舞的兴起是对传统芭蕾的反叛与革新。伊莎多拉·邓肯、玛莎·葛兰姆等先驱者，试图通过更自由、更自然的身体动作来表达内心的情感和对现实的思考。本部分将详细阐述现代舞的流派、技巧以及其在艺术观念上的突破。 进入当代，舞蹈艺术呈现出更加多元化的发展态势。从爵士舞、街舞的流行，到各种实验性舞蹈的涌现，舞蹈的边界不断被拓展。本书将探讨当代舞蹈如何与社会议题、科技发展相结合，以及它在跨文化交流中的作用。我们将审视当代舞蹈表演者如何通过身体的极致运用，来探索人性的深度，表达复杂的情感，并引发观众的共鸣。 结语：跨越时空的艺术对话 本书的最后，将对剧院、演讲和舞蹈这三个看似独立又彼此交织的艺术形式进行总结性回顾。我们将强调它们在人类文明进程中的共性与差异，以及它们如何通过不同的媒介和方式，共同构筑起丰富多彩的舞台艺术世界。从古老的仪式到现代的剧场，从广场上的激昂演说到底层的街头舞蹈，这些表演艺术无不深刻反映着人类的情感、思想、社会结构和时代精神。本书旨在为读者提供一个更广阔的视角，去理解和欣赏这些古老而又充满活力的艺术形式，并认识到它们在今天依然具有的强大生命力和感染力。

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说实话，我对这本书的期待值非常高，因为书名听起来像是囊括了表演艺术三大支柱的综合性导论。我希望能看到作者对这三者之间跨学科的融合性探讨，比如如何将舞蹈的身体语言融入到角色塑造中，或者现代剧场的舞台设计如何利用声光电技术来增强戏剧的感染力。然而，这本书的章节结构呈现出一种令人费解的“分而治之”的状态，三者似乎是并列的，但各自的处理都非常浅尝辄止，甚至可以说是互不干涉。在“Theater”那部分，它深入探讨了十八世纪意大利即兴喜剧（Commedia dell'arte）中的“面具”传统，详细罗列了每个角色的标准手势和固定套路，但完全没有提及这些元素是如何被后来的戏剧家们所继承或颠覆的。至于“Speech”，它完全聚焦于修辞学和古典演说术，像一本古代的演讲训练手册，充满了关于“如何控制呼吸以发出洪亮声音”的指导，对于现代戏剧中强调的“自然主义”对白毫无涉猎。至于“Dance”，它仅仅是作为一种“礼仪展示”被提及，描述了沙龙舞会的严格规范，几乎没有涉及到任何具有艺术探索性的、旨在表达情感或叙事观念的舞蹈实践。读完后，我感觉自己像是在三本不相关的、且都有些过时的专业教材中随机翻阅，核心概念之间的连接点非常薄弱。

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这本书的篇幅惊人，厚得像块砖头，我花了足足一个下午才读完前三分之一，并逐渐意识到，它可能根本不是我所需要的“艺术理论”读物。作者的写作风格极其学术化，充满了对特定历史文献的逐字逐句考证，似乎每一个论点都需要一个脚注来支撑其存在的合法性。我原本想了解舞台灯光如何从油灯发展到电灯，以及这种技术变革如何影响了演员的表演空间和观众的观看体验。但这本书里，“Theater”的部分，主要集中在对早期教堂“神秘剧”（Mystery Plays）的地理分布和赞助人进行细致入微的考据，几乎完全忽略了技术和美学层面的演进。关于“Speech”的部分，我的兴趣点在于如何通过声音设计来营造沉浸式的听觉环境，而这本书的讨论停留在公元前亚里士多德时代对“好故事”的定义上，大量篇幅都在引述《诗学》中关于“情节的统一性”的论述，对于现代声景理论的出现只字未提。而“Dance”，更是被处理成了一种宗教仪式的一部分，描述了中世纪农民在丰收节庆中跳的某些具有驱邪作用的、近乎原始的集体舞蹈，这些内容与现代舞或当代编舞实践毫无关联。这本书的价值在于其档案整理能力，而非理论前瞻性或跨领域整合力。

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我购买这本书的初衷是希望它能提供一个关于当代表演理论框架的综述，尤其是关于身体性（Corporeality）在舞台上的重新定义。我渴望读到关于“非人”表演者、数字媒体介入舞台、或者浸入式剧场对观众感官的全面冲击。然而，这部作品的视角保守得令人吃惊。它将“Theater”局限在了十九世纪末期的“现实主义”思潮中，详细分析了奥托·布拉姆（Otto Brahm）在柏林“自由舞台”上的布景原则，即如何通过精致的家具和真实的墙纸来模拟中产阶级的客厅。这种对“真实感”的执着，与我所关注的解构现实的当代趋势背道而驰。关于“Speech”，作者的关注点在于“清晰度和可理解性”，他似乎坚信，戏剧的最高目标就是让观众一字不漏地听清台词，并花了大篇幅来批评那些故意模糊发音的演员。而“Dance”的部分，则完全是一本关于宫廷宫廷礼仪的图解手册，详细解释了宫廷舞会中男女交谊舞的步法，每一步都必须精准无误，稍有偏差便被视为对贵族秩序的冒犯。整本书的基调是维护既有的、规范化的、注重清晰沟通的传统表演范式，对于任何试图挑战或模糊这些界限的艺术探索都持有一种隐晦的批判态度，这与我期望的批判性视角截然相反，读起来感觉像是在翻阅一本关于“如何正确行走的说明书”。

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这部厚厚的精装本，我刚从图书馆借回来，封面设计得倒是颇具古典韵味，深沉的墨绿色背景上用烫金字体印着书名，旁边似乎还搭配了一幅模糊的、像是文艺复兴时期舞台场景的插画。我原本是冲着名字里“Theater”这个词去的，期待能深入了解一些关于戏剧史或舞台布景的前沿理论。然而，当我翻开第一章时，立刻发现这书的关注点似乎完全不在我预期的方向。它更多地像是一本关于早期现代欧洲贵族社交礼仪和宫廷娱乐的编年史。内容大量篇幅被用来描述那些繁复的舞会流程、不同等级的贵族在宴会上的站位细节，以及为了取悦国王或王后而专门编排的、极其程式化的室内短剧。这些短剧的文本几乎没有被引用，更多的是对“表演者”——也就是贵族自己——在排练过程中所展现的“恭顺”和“技巧”的冗长描述。读到第三部分关于“Dance”的章节时，我更是感到一丝困惑，它并没有探讨芭蕾舞的结构、节奏或发展，而是将舞蹈视为一种政治工具，详细分析了某个特定舞步在特定场合下如何向另一个家族表达善意或敌意。整本书的学术气息很浓，引用了大量我查阅不到的德文和法文一手文献，但对于一个想学习戏剧表演或舞台艺术的读者来说，它提供的实操价值几乎为零，更像是一份为历史学家准备的、关于十七世纪上流社会消遣方式的详尽田野调查报告，内容过于侧重社会学和礼仪学范畴，与我期待的艺术学科内容相去甚远。

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拿到这本书时，我的第一感觉是它拿到手中异常沉重，纸张的质感非常考究，有一种老旧羊皮纸的味道。我本想找一些关于现代派先锋戏剧对文本解构的深入探讨，特别是后戏剧剧场（Postdramatic Theatre）的理论构建。但是，此书的全部内容，似乎都紧紧围绕着一个非常狭窄的时间窗口和地理区域展开——大概是维多利亚时代末期到一战爆发前这段时期内，伦敦西区和巴黎的“通俗娱乐”现象。作者对“Speech”的处理方式极其独特，与其说是分析语言的张力或潜台词，不如说是将其视为一种社会阶层识别的标记。书中花费了大量笔墨去记录不同职业演员在舞台上发音的细微差别，比如“卖火柴的小女孩”应该用哪种口音的“下层阶级英语”才能最大程度激发观众的同情，而男主角的台词则必须保持某种特定的、经过净化的“标准伦敦腔”。关于“Dance”，我希望能看到对伊莎多拉·邓肯或玛莎·葛兰姆早期探索的论述，可这本书里却只着墨于那些在音乐厅里表演的、带有强烈商业目的的、注重视觉奇观的集体舞，比如康康舞（Can-Can）的起源和它如何迎合了新兴中产阶级的猎奇心理。整体来看，这本书更像是一部社会文化史的副产品，而非艺术史的核心著作，它关注的是“市场”和“受众”如何塑造了舞台上的表象，而非表象本身的美学价值。

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