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☆☆☆☆☆

出版者:Smith & Kraus Pub Inc

作者:Herrington, Joan (EDT)/ Crystal, Brian (EDT)

出品人:

页数:161

译者:

出版时间:

价格:154.00

装帧:Pap

isbn号码:9781575254234

丛书系列:

图书标签:

美国
技艺
加拿大
JoanHerrington
BrianCrystal
Playwriting
Dramatic Writing
Theatre
Education
Writing
Creative Writing
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Craft

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具体描述

《剧作家教授戏剧写作》是一本深入探讨戏剧创作实践与理论的著作，旨在为有志于投身剧本创作的读者提供一套系统而实用的指导。本书并非空洞的理论说教，而是汇集了多位当代杰出剧作家的经验、洞见与创作心得，力求从实践者的视角出发，带领读者一步步走进剧本创作的奇妙世界。本书的独特视角与价值不同于市面上许多侧重于宏观戏剧史论或纯粹的写作技巧分析的书籍，《剧作家教授戏剧写作》的最大特色在于其“实战性”和“传承性”。它邀请了一批在国内外享有盛誉的剧作家，分享他们是如何从无到有地构思、打磨、直至最终完成一部引人入胜的剧作的。这些剧作家涵盖了不同的创作风格、题材领域以及文化背景，这使得本书的内容极其丰富且具有普适性，读者可以从中汲取不同“流派”的精华，找到最适合自己的创作路径。本书的价值体现在：来自一线创作者的宝贵经验：读者将听到的是真正将剧本搬上舞台、与观众产生共鸣的剧作家们的“内部语言”。他们分享的不仅是技术层面，更是创作过程中的心路历程、灵感来源、困境克服之道，以及对艺术的坚持与思考。从“想法”到“剧本”的全方位指导：本书并非只关注剧本的某个环节，而是从最根本的“想法的萌芽”开始，逐步深入到人物塑造、情节构建、对话撰写、结构安排、主题提炼等各个关键步骤，提供详尽的分析和可行的训练方法。跨越理论与实践的桥梁：许多读者在学习戏剧理论时，常常感到理论与实际操作之间存在鸿沟。本书通过大量剧作家的实践案例，将抽象的理论转化为生动的创作实践，让读者能够直观地理解理论的实际应用。启发独立思考与个性化表达：尽管本书提供了方法论，但它更强调的是激发读者的内在创造力，鼓励他们探索属于自己的独特声音和表达方式。本书并非要培养一批“千篇一律”的剧作家，而是帮助读者找到并磨砺自己的艺术棱角。本书内容结构与核心探讨《剧作家教授戏剧写作》的编排旨在提供一个循序渐进的学习体验。虽然具体的章节划分可能因编辑和选取的剧作家而异，但其核心探讨将围绕以下几个关键主题展开：第一部分：灵感的孕育与观念的确立剧本创作的起点：剧作家们将分享他们是如何捕捉生活中的细微之处、历史事件、社会现象、甚至是个人情感，将其转化为戏剧创作的种子。这部分将探讨“一切皆有可能”的创作心态，以及如何培养敏锐的观察力和联想能力。从“想法”到“主题”：如何将一个模糊的念头提炼成一个具有核心价值和深度的戏剧主题？书中将讨论不同类型的戏剧冲突（例如：个人与社会、人性内部的挣扎、理想与现实的碰撞等）如何支撑起整个剧本的骨架，并引导读者思考“我的剧本想要说什么？”。题材的选择与创新：剧作家们会分享他们选择不同题材（喜剧、悲剧、现实主义、荒诞派、历史剧等）的原因，以及如何在既有的题材框架内注入新的视角和思考，避免落入俗套。第二部分：人物的灵魂构建角色的诞生：本书将深入剖析如何塑造立体、可信、具有驱动力的人物。这包括角色的背景、动机、欲望、弱点、成长弧线等。剧作家们会分享他们如何通过“采访”自己的角色、赋予他们生命、让他们的言行逻辑自洽。人物关系的设计：人物之间并非孤立存在，他们之间的关系是推动剧情发展的关键。书中将探讨如何设计错综复杂的人物关系，如何通过对话和互动展现人物的性格和冲突。创造令人难忘的“反派”：许多杰出的戏剧作品中，反派角色往往比主角更具魅力。剧作家们将分享如何构建有深度、有动机、并非纯粹邪恶的反派，让他们的存在为剧本增添张力和复杂性。第三部分：情节的编织与戏剧张力的营造故事的骨架：剧本结构的重要性不言而喻。书中将详细讲解不同戏剧结构（例如：三幕剧结构、线性结构、非线性结构等）的特点与应用，并强调如何构建清晰的开端、发展、高潮和结局。冲突的推进：戏剧的本质是冲突。剧作家们将分享如何巧妙地设置和递进各种层面的冲突（内在冲突、外在冲突、人际冲突、社会冲突等），保持观众的注意力，并不断推向戏剧的高潮。悬念与意外：如何制造引人入胜的悬念，如何在关键时刻抛出令人意想不到的转折？书中将提供一些行之有效的方法，帮助读者掌控叙事节奏，给观众带来惊喜。节奏的把控：戏剧的节奏感至关重要，它影响着观众的情绪体验。剧作家们将分享他们是如何在剧本中处理快慢节奏的转换，如何通过场景的切换和对话的密度来营造不同的氛围。第四部分：对话的艺术与语言的魔力 “听”人物说话：好的对话不仅是信息的传递，更是人物性格和内心世界的展现。本书将深入探讨如何写出“听起来像人说话”的真实对话，同时又具有戏剧的张力和音乐感。潜台词的力量：戏剧中的对话往往有“言外之意”。剧作家们将分享如何运用潜台词，让观众在阅读和观看时感受到隐藏在语言之下的深层含义。节奏与韵律：即使是现代剧，语言的节奏感和韵律也同样重要。书中将指导读者如何通过句式、词语的选择，以及断句等技巧，来增强对话的表现力。 “让语言做更多的事”：除了推动情节和展现人物，语言还可以承担营造氛围、暗示主题、甚至起到象征作用。剧作家们将分享他们是如何让语言发挥多重功能的。第五部分：剧本的打磨与舞台的实现修改与再创作：剧本创作并非一蹴而就，修改是必不可少的重要环节。书中将介绍剧作家们常用的修改方法，例如“重写”、“删减”、“调整结构”等，以及如何以批判性的眼光审视自己的作品。排练场上的“意外”：剧作家将如何与导演、演员合作，如何从排练过程中获得新的灵感，并对剧本进行调整？这部分将揭示剧本从纸面走向舞台的转化过程。面对观众的反馈：演出后的观众反馈（无论是掌声还是批评）都是宝贵的财富。剧作家们将分享如何理性对待反馈，并将其融入未来的创作之中。作为一种职业的剧作家：除了创作本身，书中可能还会涉及剧作家如何处理版权、如何与制作方沟通、如何在行业中发展等实际问题。本书的写作风格与读者群体《剧作家教授戏剧写作》力求以一种平等、真诚、充满激情的语气与读者交流。它避免使用晦涩难懂的专业术语，而是用清晰易懂的语言，结合生动的案例，来解释复杂的创作原理。本书中的案例将来源于经典戏剧作品和当代优秀剧作，既有理论的支撑，又不失实践的指导意义。本书适合的读者群体非常广泛：初学者：对戏剧创作充满兴趣，希望从零开始系统学习剧本写作的基本知识和技巧。有一定基础的业余爱好者：已经尝试过写作，但希望进一步提升自己的创作能力，突破瓶颈。戏剧专业的学生：作为课堂学习的补充，能够获得更贴近实践的理论指导。编剧、导演、演员等戏剧从业者：拓展视野，学习不同剧作家的创作理念和方法。对戏剧艺术本身感兴趣的读者：通过本书，可以更深入地理解一部剧本是如何诞生的，以及其中蕴含的艺术魅力。结语《剧作家教授戏剧写作》不仅仅是一本“教你如何写剧本”的书，它更是一次邀请读者与一群热爱戏剧、倾其一生探索戏剧奥秘的艺术家们进行深度对话的机会。它相信，每一个对戏剧有着真诚热爱的灵魂，都可能成为孕育精彩故事的沃土。通过本书，读者将不仅获得宝贵的写作工具，更能点燃内心的创作火焰，勇敢地走向属于自己的戏剧创作之路。它将是一本值得反复阅读、受益终生的创作伙伴。

作者简介

目录信息

读后感

评分☆☆☆☆☆

用户评价

评分☆☆☆☆☆

从排版和视觉呈现上看，这本书也做得相当出色，它显然是为那些需要高度专注和沉浸式阅读体验的创作者设计的。纸张的质感、章节间的留白，都透露出一种对“阅读仪式感”的尊重。但真正让我倾倒的，还是作者对“情绪的温度计”这一概念的阐释。他们将剧作家的工作比作精确控制舞台上的热度，既不能让观众感到麻木不仁，也不能因过热而导致情节蒸发。书中详细介绍了几种用来“冷却”或“升温”叙事节奏的技巧，例如通过引入一个不相关的、日常化的细节来打断紧张的对峙，或者反其道而行之，用极慢的语速和极简的动作来放大即将爆发的情绪。这种对节奏控制的精细化处理，让我意识到，写作不仅仅是写出事件，更是设计一种时间上的感知体验。我开始在自己的草稿中刻意寻找那些“冷却点”，让高潮部分的爆发力得到更充分的蓄积，效果立竿见影。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编辑简直是天才，他们对于如何将枯燥的理论转化为引人入胜的实践指导有着独到的见解。我记得有一次，我在处理一个关于角色动机的难题时，书中提到的那个“反向工程法”立刻为我点亮了一盏明灯。它不是简单地告诉我“要知道你的角色想要什么”，而是教我如何从角色最终的行动出发，一步步解构出支撑这些决定的深层心理结构。这种由果溯因的训练方式，比我以前读过的任何剧本写作指南都要来得实在、有效。更让我印象深刻的是，书中对“舞台调度”的描述，它不仅仅是物理上的走位，更是一种情感的张力布局。作者巧妙地引用了许多经典戏剧片段作为案例，分析了演员在特定空间内如何利用肢体语言和停顿来制造戏剧冲突的高潮。我感觉自己不是在阅读一本教材，而是在跟一位经验丰富的导师进行一对一的深度交流，每一次翻页都像是获得了一件新的、锋利的创作工具。我对书中关于如何打破“第四堵墙”的探讨尤为着迷，那部分内容简直是为那些渴望在传统戏剧框架外探索新可能性的创作者量身定做的秘籍。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我通常对这类“手把手教你”的书持保留态度，总觉得它们流于表面，缺乏真正的深度。然而，这本特有的编排方式彻底颠覆了我的看法。它的结构设计得极其巧妙，仿佛是一场精心设计的探险，引人入胜却又步步为营。我特别欣赏其中关于“对话的潜文本”那一章的处理。作者没有满足于教授如何写出“听起来自然”的台词，而是深入剖析了人类交流中那些未说出口的、隐藏在字面意思之下的真实意图和冲突。书中提供了一系列“对话转换练习”，要求读者在相同的对话文本上，通过改变说话者的情绪背景和隐藏目的，来展现出截然不同的戏剧效果。这种高强度的思维训练，让我对剧本的每一个字都开始抱有一种近乎偏执的审视态度——我的角色此刻真的只能说出这句话吗？有没有更具穿透力、更能揭示人物困境的表达方式？这种自我挑战的体验是其他任何写作资源都无法给予的，它真正意义上提升了我的“听觉敏感度”，让我能捕捉到舞台上声音的微妙张力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的独特性在于它拒绝提供标准答案，而是致力于培养读者的批判性思维和自我发现的能力。与市面上充斥着模板和公式的教程不同，它更像是一份启发性的“哲学导论”，只不过主题是关于戏剧艺术的。我最欣赏它对“结构与自由”之间辩证关系的论述。作者没有教条地推崇“三幕剧”或任何固定的叙事模式，反而花了大量篇幅探讨在既定框架内如何实现叙事上的“结构性叛逆”。他们鼓励我们首先要彻底掌握既有的规则，只有理解了规则的边界，才能知道在哪里进行最有效、最有冲击力的突破。我最近在构思一个非线性叙事的短剧，在感到无从下手时，回翻到书中讨论“时间错位对观众预期的操纵”那一节，立刻找到了新的切入点。书中那种鼓励实验、拥抱失败的态度，对于那些害怕踏出舒适区的写作者来说，无疑是一剂强心针，让我敢于将那些看似“疯狂”的想法付诸实践。

评分☆☆☆☆☆

我必须强调，这本书的价值在于它的“跨界整合能力”。它不仅仅局限于舞台文本的写作，而是将电影语言、小说技巧，甚至某种程度上的人类学观察，都巧妙地融入了戏剧创作的讨论之中。比如，关于“环境叙事”的章节，作者深入分析了如何让场景本身成为一个有生命的、会说话的角色，它如何反映人物的内心世界和阶级地位。我以前总是在写完人物和情节后才去设计布景，这本书让我明白，布景和环境应该在构思的最初阶段就与人物动机紧密地交织在一起。书中列举的那些复杂场景分析，比如如何通过光影、材质和声音的微小变化，来暗示一场即将到来的权力更迭，其细腻程度令人咋舌。它强迫我去跳出“剧本是给演员看的说明书”这种狭隘的定义，转而将其视为一个完整的、多维度的艺术蓝图。对于任何一个想让自己的作品拥有更丰富层次感和更强表现力的作者来说，这本书都是一本不可或缺的参考手册。

评分☆☆☆☆☆