Francis Alys

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出版者:Turner
作者:D. H. Lawrence
出品人:
页数:0
译者:
出版时间:2003-06-02
价格:USD 45.00
装帧:Hardcover
isbn号码:9788475065793
丛书系列:
图书标签:
  • 当代艺术
  • 行为艺术
  • 装置艺术
  • 公共艺术
  • 墨西哥艺术
  • 行走
  • 政治
  • 文化
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  • 边界
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具体描述

《飞鸟集》 这是一本饱含深情的诗集,以其简洁而又深刻的语言,捕捉了生命中最细腻的情感和最普世的哲思。诗人以孩童般纯净的视角,观察着日常的点滴,并将它们升华为对爱、孤独、希望与失落的深刻体悟。 诗歌的语言如涓涓细流,没有华丽的辞藻,却有着直抵人心的力量。每一句短小的诗句,都像是凝结了无数的情感和思考,在读者心中激荡起回响。从对自然景物的描绘,到对人际关系的探索,再到对人生意义的追问,诗人用最朴素的笔触,描绘出一幅幅生动而又耐人寻味的画面。 《飞鸟集》中的诗句,常常以一种出人意料的方式,揭示着生活中的真理。诗人善于从细微之处发现宏大,从平凡之中洞见非凡。它们或许会让你会心一笑,或许会让你陷入沉思,又或许会让你感受到一种淡淡的忧伤,但无论如何,它们都会让你重新审视自己与世界的关系。 这本诗集适合在静谧的午后,独自一人,伴着一杯清茶,慢慢品读。让诗句在你心中流淌,让情感在你指尖跳跃。每一次阅读,你都会有新的发现,新的感悟。它是一面镜子,映照出你内心深处的喜怒哀乐;它也是一盏明灯,指引你在迷茫时找到方向。 《飞鸟集》不只是文字的堆砌,更是心灵的慰藉。它提醒我们,即使在最平凡的生活中,也蕴藏着无限的诗意;即使在最孤寂的时刻,也有温暖的光芒存在。这是一本值得你反复翻阅,细细品味的永恒之作,它将伴随你走过人生的每一个阶段,在你失意时给你力量,在你喜悦时与你分享。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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这本书的文字密度极高,但其表达方式却异常的轻盈和诗意,这是一种非常罕见的平衡。我感受到了一种强烈的“文本的身体性”,仿佛作者不是在描述,而是在用文字重现那些肢体与环境的搏斗。特别是一些涉及长距离行走或持续性等待的章节,文字的重复、节奏的变化,甚至标点符号的使用,都似乎在模拟身体的疲惫与坚持。这种将**阅读体验**转化为**身体体验**的尝试,是这本书最让我震撼的一点。它不像是一本可以轻松翻阅的书籍,更像是一场需要全身心投入的“耐力考验”。我发现自己不自觉地放慢了阅读速度,甚至在某些段落会停下来,想象那种肌肉的拉伸感和环境的压迫感。这种高度沉浸式的叙述技巧,将原本可能显得疏离和概念化的行为艺术,拉回到了最原始、最真切的人类处境之中。它不贩卖技巧,不炫耀理论,只是纯粹地呈现了“存在于此”的重量。

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这本名为《弗朗西斯·阿利斯》的书,对我来说,简直是一场关于艺术与现实边界的迷幻漫游。它并非那种传统意义上按部就班介绍艺术家生平或作品分析的传记,更像是一份份精心编排的“事件记录”,每一页都充满了对我们习以为常的日常逻辑的温和颠覆。我记得其中关于他在墨西哥城进行的“行人控制”项目,那段描述令人拍案叫绝。阿利斯似乎总有一种魔力,能将最微不足道的日常行为——比如,试图用一根绳子拖动一座冰山,或者在城市里小心翼翼地推着一辆自行车穿越拥堵的车流——提升到哲学思辨的高度。阅读时,我常常被那种介于行为艺术与荒诞喜剧之间的张力所吸引。作者对这种“徒劳的努力”的捕捉极为细腻,他没有简单地赞美其观念,而是深入挖掘了行动者内心的挣扎与坚持。这种叙事方式,让读者必须主动参与到对作品意义的构建中去,而不是被动接受既定结论。书中的配图和文献资料也极为考究,虽然有些情节本身就带有强烈的超现实色彩,但通过严谨的视觉呈现,反而增强了其真实性,让人不禁怀疑:这真的是发生过的“事件”吗?整体感觉,这是一本挑战阅读习惯、却又让人回味无穷的佳作,它迫使你重新审视艺术在当代语境下扮演的角色——是记录,是干预,还是仅仅是一种优雅的“在场”?

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坦白说,初读这本书时,我感到了一丝迷惘,因为它似乎刻意回避了所有清晰的标签和明确的定义。作者采取了一种近乎人类学田野调查的冷静笔触,去记录和转述那些极具个人色彩和地域局限性的艺术实践。这种“去中心化”的写作手法,使得读者无法轻易地从任何一个既定的美学框架去衡量这些行为的“好坏”或“成功与否”。我花了很长时间才适应这种叙事中的“真空地带”。它不像传统的艺术史那样提供清晰的坐标系,反而是将读者直接抛入了一个充满模糊性的现场。书中所描绘的很多场景,其力量源于它们在特定文化情境下的**在场性**和**不可复制性**。这让我思考,我们究竟是在阅读一个艺术家的“作品集”,还是在阅读他与世界发生关系的方式?作者的高明之处在于,他没有试图解释一切,而是选择了一种近乎“沉默的见证”的姿态,让那些充满悖论和张力的瞬间自行发声。这种克制,反而让作品本身的力量得到了最大的凸显,留下了一个巨大的、供读者自由想象和对话的空间。

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这本书的叙事节奏掌控得如同精密的机械钟表,每一个章节的推进都带着一种令人窒息的宿命感。它没有给我那种一气呵成的阅读快感,反而更像是在碎片化的信息中拼凑一幅宏大的拼图,每一次的顿悟都建立在之前对冗长、看似无关细节的耐心消化之上。我尤其欣赏作者处理“时间”和“空间”的独特视角。例如,书中对某个特定地点的长期驻扎和观察,并非着眼于表面的变化,而是深入到那种慢到几乎可以忽略不计的地理或社会变迁中去。这种“慢镜头”式的叙述,对于习惯了快餐文化和即时满足的读者来说,无疑是一种考验。但一旦沉浸进去,你就会发现,这种缓慢并非拖沓,而是一种对抗现代社会加速主义的有效姿态。作者似乎在用文字实践着一种“在场”的艺术,让读者不得不放慢呼吸,去感知那些被日常喧嚣所掩盖的细微律动。读完后,我发现自己看世界的角度也微妙地发生了一些偏移,开始对那些看似徒劳的坚持和无望的尝试产生了更深层次的同情与理解。这本书的价值,或许就在于它提供了一面棱镜,折射出我们在追逐效率和进步的狂热中遗失的耐心与谦卑。

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这本书读下来,最大的感受是它对“价值”的重新定义。它挑战了我们对艺术作品通常的预期——即一个清晰的、可以被收藏和交易的“产品”。恰恰相反,书中展示的许多干预行为都是**一次性、不可挽回、甚至难以被传统艺术市场接纳的**。作者以一种近乎人类学家记录稀有仪式的严谨,去梳理这些短暂的、往往伴随着巨大不确定性的实践。这种对“非物质性”和“瞬时性”的关注,迫使我反思我们衡量艺术成就的标准。是什么使得一个推着空箱子在城市里行走的行为,比一个精心雕琢的雕塑更有价值?答案或许就隐藏在作者对**“意图与结果的巨大落差”**的记录之中。这种落差,正是当代批判性思维的绝佳载体。它既是对既有权力和美学范式的温柔反抗,也是对人类在宏大叙事面前保持个体能动性的艰难颂歌。读完合上书本时,世界似乎变得更宽广了,因为那些曾经被忽略的、看似“无用”的努力,此刻都闪烁着不容忽视的光芒。

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