具体描述
The Lindbergh lens Unique fashion storytelling that first launched the supermodels When German photographer Peter Lindbergh shot five young models in downtown New York City in 1989, he produced not only the iconic British Vogue January 1990 cover but also the birth certificate of the supermodels. The image didn t just bring revered faces together for the first time; it marked the beginning of a new fashion era and a new understanding of female beauty. Coinciding with his major retrospective at the Kunsthal in Rotterdam, the Netherlands, this book gathers more than 400 images from four decades of Lindbergh s photography to celebrate his unique and game-changing storytelling and the new romantic and narrative vision it brought to art and fashion. Whether in striking single portraits or dramatic situations of figure and setting, we trace the photographer s cinematic inflections and his provocative play with female archetypes as subjects adopt the guise of dancers, actresses, heroines, and femmes fatales. Raw and seductive at once, we see how Lindbergh s trademark monochrome pictures also redefined standards of beauty by emphasizing spirit and personality as much as looks, celebrating the elegance and sensuality of older women, and privileging natural and authentic beauty in an era of pervasive retouching. In a testimony to Lindbergh s illustrious status in the fashion world, his images are contextualized by commentaries from collaborators such as Jean Paul Gaultier, Nicole Kidman, Grace Coddington, Cindy Crawford, and Anna Wintour, who chose Lindbergh to shoot her first US Vogue cover. Their tributes explain what makes Lindbergh s images so unique and powerful.
作者简介
Peter Lindbergh was born in Lissa, Germany, in 1944. His celebrated work is part of many permanent collections of Fine Arts Museums and has been presented in prestigious museums and galleries around the world, from The Victoria & Albert Museum, Londo; to Centre Pompidou; Paris, as well as in solo exhibitions at Hamburger Bahnhof, Museum fur Gegenwart, Berlin; Bunkamura Museum of Art, Tokyo; and the Pushkin Museum of Fine Arts, Moscow. Lindbergh lives and works between Paris, New York, and Arles.
Thierry-Maxime Loriot was born in Quebec City, Canada, in 1976. After working more than ten years in the fashion industry between New York, Milan, and Paris, he curated the exhibition The Fashion World of Jean Paul Gaultier. From the Sidewalk to the Catwalk, a blockbuster show seen by more than two million visitors. He collaborates with different magazines and Fine Arts museums around the world on fashion and photography projects.
目录信息
读后感
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用户评价
这本书的版式安排简直是一场视觉的“迷宫漫步”。我通常不太注意摄影集是怎么编排的，但这次我发现，作者似乎非常精心地设计了每一页和下一页之间的“对话”。有时候是极简主义的黑场留白，突然将你拉回一个安静的角落，让你消化上一张照片带来的冲击；有时候又是两幅风格迥异但主题微妙呼应的作品并置，形成一种跨越时空的共鸣。例如，有一组捕捉都市街头行人的抓拍，那些匆忙的身影，模糊的背景，那种典型的“在场”感，被放在一旁一幅精心摆设的影棚肖像旁边时，你立刻会感受到一种强烈的对比：生活是流动的、不可控的，而艺术创作则是对瞬间的永恒捕捉。我最喜欢的一点是，这本书并没有将所有作品都放在一个统一的“高光时刻”叙事里，它甚至容纳了一些看起来略显“失败”或者说“实验性”的照片，正是这些不完美，反而让整个作品集显得更加真实、有血有肉，更像是一本真正摄影师的工作手札，而不是一本教科书式的精选集。它展现了一种对创作过程的尊重，以及对“瞬间的意义”的深刻理解。
评分天呐，我最近终于下定决心翻开了这本摄影集，纯粹是出于对“经典”二字的盲目崇拜。坦白说，刚开始的几页我还有点摸不着头脑，那些黑白影像的颗粒感和光影的运用，总让我想起一些老电影的剧照，带着一种疏离的、近乎冷酷的美感。但随着往后翻，尤其是看到那些女性的面孔，我开始明白为什么它能占据如此重要的位置。这不是那种刻意去“美化”或者过度修饰的肖像，它更像是一次次精准的、毫不留情的凝视。模特们眼神里的故事，那种毫不掩饰的脆弱与力量并存的状态，简直让人屏住呼吸。我尤其欣赏其中一组似乎拍摄于某个废弃工厂背景下的系列，环境的粗粝与人物皮肤的细腻形成了强烈的对比，这种戏剧性的张力，让照片仿佛有了声音，你能“听见”风吹过空旷空间的回响，以及那些被定格的瞬间中蕴含的无数个未完待续的内心独白。它不取悦你，但它要求你真正地去看，去感受那种原始的、未经雕琢的生命力。这书的装帧设计也相当考究，纸张的厚重感和印刷的墨色深沉度，都极大地增强了观赏体验，让人忍不住想用指尖去触摸那片黑与白构筑的边界。
评分如果用一句话来概括我的阅读感受，那就是——这是一本“去装饰化”的教科书。它摒弃了所有花哨的修饰和故作深沉的叙事，直接将最原始的视觉冲击力摆在你面前。我特别留意了书中那些相对“朴素”的场景，比如在自然光下的室内，或者仅仅是一堵墙前的侧影。正是在这些最简单不过的设置下，人物的内心世界被暴露无遗。它不像某些时尚摄影那样，用昂贵服饰堆砌出一种“想象中的生活”，而是毫不留情地剥离掉这些外壳，直指人的本质：皮肤的纹理、肌肉的线条、以及眼神中那一瞬间的犹豫或坚定。这种“诚实”是极具力量的，它让我反思了自己对“美”的定义。这本书的价值，绝不仅仅在于它收录了哪些著名的面孔，而在于它如何通过光影和构图的语言，为这些面孔赋予了一种超越时间流逝的重量感。每一次翻页，都像是在见证一场精心编排的、却又充满偶然性的“人类学”现场记录。
评分说实话，我对这种以个人风格高度统一的摄影作品集有点“免疫”的，总觉得看过几张之后，后续的审美疲劳会接踵而至。但这一次，我完全错了。这本书的厉害之处，在于它如何在严格的“原则”下进行无限的“变奏”。那些标志性的极简构图和对光线的痴迷是主旋律，没错，但你仔细看，会发现它在不同时期、不同地域的作品中，对“情感密度”的拿捏是截然不同的。在某些欧洲的早期作品里，能感受到一种冰冷的、贵族式的疏离，人物像是被放置在巨大的、空旷的舞台中央，美则美矣，但隔着一层玻璃。然而，当翻到后期那些更偏向纪实风格的系列时，那种情绪的释放突然变得汹涌起来，镜头似乎更贴近了皮肤，毛孔都快要从纸面上“呼吸”出来了。这让我意识到，这位大师的作品并非一成不变的公式，而是对不同“存在状态”的持续探索。这本书与其说是一本作品集，不如说是一部关于“如何观看人类”的哲学导论，它教会我，最好的艺术往往不是关于你拍了什么，而是关于你如何让观众看到了“本应被看到”却常被忽略的细节。
评分这本书的重量感和它所承载的内容份量是成正比的。我不是一个速读的人，尤其面对这种视觉密度极高的出版物，我更倾向于“浸泡式”的阅读体验。这本书的排版设计，给了我一个非常好的慢下来的理由。它总是在最不经意的地方，用一个极其细微的元素，让你停下来。比如，有一张全景照片，主体人物占据了画面的三分之一，但真正吸引我的，却是背景中一扇窗户反射出的、微弱的、几乎无法察觉的城市光晕。这种对“次要信息”的关注，反映出作者一种近乎偏执的对环境与人物关系的捕捉。翻阅时，我感到一种强烈的敬意，那不仅仅是对技术层面的赞叹，更是对那种“愿意等待”的耐心的致敬。在如今这个追求即时反馈的时代，能够沉淀下来，用数十年如一日的专注去打磨出这样一套作品，本身就是一种近乎奢侈的成就。我甚至开始怀疑，我们现在的“看”东西的方式，是不是已经退化了，这本书像是一剂强心针，迫使我的眼睛重新学习如何聚焦。
评分你说说，时尚摄影都这么拍的话，得多带劲。那大长腿，那天生的忧郁，那无处安放的焦愁，那抬眼一瞥的心碎，是不，多像个完美的生活着的人。
评分大师就是大师
评分拍一千个人像一个人
评分超模时代的共同缔造者，peter的画面特别有电影感，每个模特都是演员，是有情绪的活人
评分“He is not a fashion photographer.He uses fashion to talk to women and to talk about women.”
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