光与色--油画写生与创作 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:广西美术出版社

作者:凯文·丹·麦克弗森

出品人:

页数:200

译者:刘梦愚

出版时间:2016-1-1

价格:58.70

装帧:平装

isbn号码:9787549414796

丛书系列:

图书标签:

• 油画
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• 工具书
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• 绘画技巧
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• 绘画
• 油画技法
• 艺术入门

好的，以下是为您构思的一份图书简介，内容侧重于油画技法、色彩理论与艺术史赏析，与您提到的《光与色——油画写生与创作》主题有所区分： --- 《笔触的呼吸：经典油画技法与材料探索》 一部深入剖析西方油画材料、技法演变及实践应用的权威指南。 图书定位： 本书并非侧重于“光影与色彩的即时捕捉”，而是致力于挖掘油画媒介本身的历史底蕴、材料特性及其在不同时期大师作品中的实际运用。它是一本面向资深油画家、艺术史研究者以及渴望系统掌握油画技术内核的进阶学习者的深度参考书。 内容提要： 油画艺术的魅力，不仅在于最终呈现的视觉效果，更在于其背后复杂而精妙的材料科学与百年积淀的技法体系。《笔触的呼吸》旨在剥开油画画布下那些不为人知的结构，从最基础的底料准备到复杂的多层罩染，为读者构建一个完整的技术知识图谱。 本书分为四个核心部分，层层递进，深入探讨油画的物质基础与技术实现： 第一部：画布背后的秘密——油画材料的本源与选择 本部分将彻底颠覆您对油画材料的肤浅认知，强调“工欲善其事，必先利其器”的古老信条。我们不会过多讨论如何“写生”，而是聚焦于如何“构建”一个持久且适宜创作的物质基础。 1. 载体准备的艺术： 深入解析天然麻布、棉布以及现代合成纤维在吸油性、张力与老化过程中的差异。我们详述从古老的动物胶（Hide Glue）到现代丙烯胶的粘合技术，以及不同底料（如石膏、白垩、蜡基底料）对颜料附着力和光泽度的影响。特别辟章节探讨了“非传统载体”如木板、金属板的预处理技术，以及如何依照所用颜料的化学特性来定制底层的酸碱度（pH值）。 2. 媒介剂的化学交响： 媒介剂是油画的“血液”。本书系统梳理了亚麻籽油、罂粟油、核桃油的榨取工艺、漂白与精炼过程。更重要的是，我们详细比较了它们在干燥速度、柔韧性、脆性和光泽度上的科学差异。书中提供了数十种传统与现代媒介剂配方的精确比例，包括树脂油（如达玛树脂、马斯提科树脂）、蜂蜡与松节油的平衡艺术。我们不仅教您如何使用媒介剂，更教您如何根据画作的意图（是需要快速堆叠还是缓慢渗透）来“调制”专属媒介。 3. 颜料的矿物语汇： 颜料的“历史性”决定了画作的寿命。本书追溯了从古代矿物颜料（如群青、朱砂）到现代合成有机颜料的演变历程。重点分析了镉系、钴系以及稀土系颜料的色光纯度、遮盖力（Opacity）和透明度，并提供了识别颜料稳定性的实用方法。针对现代艺术家常遇到的“油料分离”和“变色”问题，本书提供了详细的材料兼容性指南。 第二部：技法的沉淀——从古典到当代的结构实践 本部分是本书的技术核心，聚焦于油画技法在跨越数百年间的发展脉络，着重于“叠加的逻辑”而非“一笔到位”的记录。 1. 湿对湿与多层叠加的辩证法： 详细对比了文艺复兴时期发展成熟的“蛋彩底上油画”（Tempera Underpainting）与巴洛克时期盛行的“湿接法”（Alla Prima）。我们通过对伦勃朗、提香等大师的经典作品进行“技术剖析”，还原了他们如何通过精确控制每一层的干燥时间和油性差异，来达到深邃的空间感和立体的形体塑造。 2. 罩染（Glazing）的深度控制： 罩染技术被视为油画的“魔法”。本书提供了针对不同透明度需求，精确调配树脂与油的比例，以及如何控制罩染层的厚度与均一性的实战步骤。书中收录了多组针对特定色相（如制造深邃的绿色或温暖的红色）的渐进式罩染练习流程。 3. 结块与笔触的物理形态： 探讨厚涂（Impasto）技术不仅仅是一种表现手法，更是一种物理堆叠。我们分析了颜料在不同温度、不同媒介剂影响下形成的“膏状结构”，以及如何通过画刀、硬毛刷和特殊工具创造出具有雕塑感的纹理。对“笔触的呼吸”——即笔触边缘的处理、笔触间的留白与重叠逻辑，进行了详尽的图解分析。 第三部：油画的修复视角——理解老化与耐久性 对艺术品的长久保存抱有敬畏之心，是专业油画家的必备素养。本部分从“未来修复师”的角度审视创作过程。 1. 层次间的互动： 深入探讨“下层油多于上层油”原则的科学依据。分析了油画结构中各个层次（底料、封闭层、中间层、色层、罩光层）的“油性梯度”，以及不当的油性关系如何导致开裂、起皱和颜料脱落。 2. 颜料的化学反应与环境影响： 讨论了湿气、紫外线和空气污染物对特定颜料（如铅白、镉黄）的长期影响。书中提供了一份“高风险颜料使用指南”，指导艺术家如何在追求色彩表现力的同时，最大限度地保障作品的物质稳定性。 第四部：西方油画技法的历史演变轨迹 本书并非艺术史普及读物，而是将技术史作为理解艺术风格演变的关键线索。 1. 从佛兰德斯到威尼斯： 追溯早期油画技法如何从北方对精确的刻画转向南方对光影和色彩的探索。分析了凡·艾克对“透明性”的追求与提香对“油性肌理”的偏好，是如何通过不同的油与树脂配比实现的。 2. 印象派的革命与材料的简化： 探讨印象派对传统多层叠加技法的挑战，以及他们对“纯色并置”的追求如何影响了颜料制造工业的发展。分析了他们为何倾向于更直接、更少的媒介剂使用。 3. 现代主义的材料解放： 考察20世纪初，艺术家如何开始故意破坏传统规则，例如使用未充分干燥的颜料、添加非传统物质（如沙子、灰烬）到颜料中，以及这些“实验”对油画媒介持久性的深远影响。 《笔触的呼吸》 是一次对油画“幕后英雄”——材料和技法的深度挖掘。它要求读者放下对快速成果的渴望，重新审视每一次调配、每一次涂抹背后的科学原理与历史重量。它旨在培养一种对油画媒介的深刻敬畏，让每一位实践者都能掌握构建一件经得起时间考验的油画作品所必需的知识体系。 --- 目标读者： 艺术学院高年级学生、职业油画家、艺术品修复专业人士、严肃的艺术史与技术研究爱好者。

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我通常不喜欢阅读那些过于学术化、充满冗长引文的专业书籍，因为它们往往让人感到压力山大，难以坚持。但这本书的结构设计非常精妙，它巧妙地将理论讲解、步骤图示、大师案例分析以及作者本人的创作心得穿插融合在一起，读起来节奏感极强。你会发现，当你刚对某个概念（比如“边缘处理”的重要性）产生疑问时，下一页可能就会出现一个清晰的局部放大图，直观地展示了不同边缘处理带来的空间感差异。这种图文互补的编排方式，极大地提高了知识的吸收效率，让人不会在长篇大论中迷失方向。它更像是一本精心策划的“视觉词典”加上“实践手册”的完美结合体，每次翻阅都能带来新的启发点，阅读过程流畅且充满探索的乐趣，绝非那种读完就束之高阁的工具书，而是一本可以常伴身侧、随时翻阅的灵感宝库。

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这本书的装帧设计简直是视觉的享受，硬壳封面搭配哑光覆膜，触感温润细腻，封面上的油画色彩过渡自然，光影效果处理得非常考究，光是看着这封面，就仿佛能闻到松节油和亚麻籽油混合的独特气味。内页纸张厚实，完全不用担心墨水洇开，印刷的色彩还原度极高，那些关于色彩理论和光影变幻的图例，细节清晰可见，对于我们这些在摸索中前行的学习者来说，这种高质量的呈现本身就是一种极大的鼓舞。我尤其欣赏它在版式设计上的用心，文字区域与图像区域的排版疏密有致，阅读起来毫不费力，没有那种信息堆砌的压迫感。它不仅仅是一本教授技法的书，更像是一件精心打磨的艺术品，让人在翻阅的过程中就能感受到创作者对“光与色”这份执着与热爱，从拿起书的那一刻起，我就知道我买到了一本值得珍藏的作品。这本书的物理质感，完全配得上它所承载的深厚内容，让人爱不释手。

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这本书的叙事口吻非常具有亲和力，它没有使用那种高高在上、拒人于千里之外的学院派术语，而是用一种非常接地气、甚至带点幽默感的笔调来阐释复杂的艺术原理。阅读的过程就像和一位健谈的朋友探讨绘画中的疑难杂症，让人感到轻松愉快，完全没有学习新知识时的畏惧感。作者似乎深谙初学者的心理困境，总能在关键时刻用最简单直观的比喻来解释诸如“冷暖对比”、“明度层级”这类抽象的概念。尤其是关于色彩调和的部分，它不像教科书那样给出一堆复杂的调色公式，而是鼓励读者去“听”颜料之间的对话，去感受它们混合时产生的微妙变化。这种强调感性体验和直觉判断的教学方式，极大地激发了我探索的欲望，让我从机械地模仿，转向了主动地理解和创造，阅读体验的愉悦度非常高。

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我过去尝试过几本关于写生技巧的书籍，但大多侧重于某一单一的写生场景，或是过于偏重理论的干巴巴论述，读起来枯燥乏味，难以真正落地实践。然而，这本新作给我的感受截然不同，它仿佛是一位经验丰富的老画家，手把手地将他毕生对户外写生的理解倾囊相授。书中对不同光照条件下（比如清晨的柔光、正午的硬光、傍晚的暖调侧光）色彩的捕捉和笔触的运用，描述得极其细腻到位，几乎达到了“可操作性”的极致。它没有直接告诉我“这个颜色是什么色号”，而是教会我“如何观察环境光对物体固有色的影响”，这种思维方式的引导远比简单的技巧罗列要宝贵得多。我带着书本去公园写生，书中的步骤和心得成了我最可靠的参谋，每当遇到光影的棘手问题，翻阅书中对应章节，总能找到豁然开朗的解决之道，这种即时反馈和指导，是其他资料无法比拟的。

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让我印象尤为深刻的是书中对于“创作”环节的论述，很多绘画书籍在写生教学后就戛然而止，止步于对现实的忠实记录，而这本书却大胆地迈入了“如何将写生转化为个人化创作”的深水区。作者没有主张完全脱离写生稿，而是深入分析了艺术家如何在保留写生精髓的基础上，注入个人的情感、思想和风格化的语言。书中展示了数个从早期写生小稿到最终大幅成品的全过程对比案例，那些中间环节的取舍、夸张与提炼，简直是一堂生动的“艺术思维转化课”。这部分内容对我这类渴望突破“会画但不会创作”瓶颈的画者来说，提供了坚实的理论支撑和清晰的路径指引，它让我意识到，创作并非凭空捏造，而是基于对光与色的深刻理解后，进行有意识的重构与升华。

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对于“步骤”的重复与强调，学习之后，效果很显著。不错的技法书

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看前半部分还以为是个规规矩矩画照片的画师。但是后半部分发现他非常的真诚。也有自由的感觉。不知道是不是翻译的锅。

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看前半部分还以为是个规规矩矩画照片的画师。但是后半部分发现他非常的真诚。也有自由的感觉。不知道是不是翻译的锅。

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看前半部分还以为是个规规矩矩画照片的画师。但是后半部分发现他非常的真诚。也有自由的感觉。不知道是不是翻译的锅。

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对于“步骤”的重复与强调，学习之后，效果很显著。不错的技法书