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出版者:Skira

作者:Hiroshi Sugimoto

出品人:

页数:118

译者:

出版时间:2015-10-13

价格:USD 45.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9788857222325

丛书系列:

图书标签:

• 杉本博司
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《光影的哲思：摄影、时间与记忆的探索》 第一章：无声的史诗：光线与时间的交织 本书深入剖析了当代摄影艺术领域中，那些超越瞬间捕捉，直抵时间本质的创作实践。我们聚焦于那些将光线视为雕刻工具，将曝光视为时间轴延伸的摄影师群体。他们的作品不再仅仅是记录现实的窗口，而是构建了一个由光影、曝光长短与环境氛围共同编织的、具有形而上学意味的视觉文本。 这一章将从基础的光学原理出发，探讨艺术家如何利用中灰密度滤镜（ND Filter）和超长曝光技术，来驯服和重塑自然界中瞬息万变的光。我们详尽分析了长曝光如何将湍急的河流凝固成如牛奶般平滑的绸缎，或是将变幻的云层转化为天空中的鬼魅笔触。这不是简单的技术堆砌，而是一种对“时间流逝”这一哲学命题的视觉化呈现。通过对特定案例的细致解构，我们揭示了艺术家如何通过对曝光时间的精确控制，使观众的感知从对“此刻”的关注，转向对“存在”与“永恒”的沉思。 我们还将讨论“非场所（Non-Places）”的影像捕捉。在人迹罕至的机场、荒凉的公路、或废弃的工业遗址中，摄影师如何利用极端的曝光时间，抹去日常生活的痕迹，让建筑和空间本身成为时间的载体，讲述着它们自身沉默的历史。这种处理方式，使得观看者必须重新校准他们对空间尺度的认知，在空旷与宏大之间寻找情感的锚点。 第二章：黑白世界的深度：纹理、对立与物质性 黑白摄影的魅力在于其对色彩的剥离和对形式、纹理及光影对比的极度强化。本章致力于探讨那些坚持使用黑白胶片或将其数字处理至极致的艺术家的工作方法。我们探讨的焦点并非是简单的“怀旧”，而是黑白影调如何揭示物质世界的内在结构和精神深度。 首先，我们研究颗粒感（Grain）在图像中的作用。颗粒不再是技术缺陷，而是被视为一种触觉元素，一种与胶片介质的物质性对话。高对比度的颗粒赋予图像一种粗粝的、近乎雕塑般的质感，使观众仿佛能通过视觉感知到物体表面的温度和触感。 其次，是“绝对的对立”。黑与白之间的灰阶，被视为艺术家可以精细调配的色彩。我们分析了如何通过精妙的曝光测光与暗房（或后期软件）的控制，来平衡高光和阴影的细节，从而构建出具有强大张力的视觉结构。这种对立，不仅是光与暗的对立，更是可见与不可见、存在与虚无的哲学思辨。我们将通过分析一系列具有标志性建筑主题的黑白作品，阐述建筑的几何形态如何被提炼成纯粹的光影符号，脱离其实用功能，进入纯粹的视觉艺术范畴。 第三章：系列作品的叙事：知识、分类与人类的冲动 许多重要的当代摄影实践都建立在系列创作（Seriality）的基础之上。本章探讨了艺术家如何通过构建庞大且系统化的图像档案，来探究人类对“分类”、“知识获取”和“秩序建立”的内在驱动力。这种系统化的工作方式，常常模仿科学观察或百科全书式的编纂。 我们将深入研究对大规模档案（Archive）的运用。这包括对自然历史博物馆、海洋生物标本、或特定类型的人类活动进行系统性的拍摄和汇编。这种重复性的拍摄模式，其意义不在于每一张照片的独立价值，而在于“重复性”本身所带来的累积效应和认知错位。当观众面对数十张甚至数百张相似主题、但细微之处各有不同的图像时，他们开始质疑：记录的目的是什么？知识是如何被构建和固化的？ 本章特别关注“目录式美学”。艺术家们如何通过冷静、客观的镜头语言，对看似无差别的物体（如：剧院、墓地、或特定形态的海浪）进行编目。这种冰冷、去个人化叙事方式的背后，隐藏着对人类企图掌控和理解世界的徒劳努力的讽刺。我们分析了这种系列化创作如何将个别事件抽象化，最终导向对人类文化和自然规律的普适性思考。 第四章：超越媒介的对话：摄影与艺术史的参照 本章将摄影艺术置于更广阔的艺术史语境中进行考察，探讨当代摄影师如何与古典艺术、建筑史乃至哲学思潮进行跨媒介的对话。摄影不再是孤立的艺术形式，而是吸收了绘画、雕塑、电影元素的综合媒介。 我们首先探讨对古典绘画构图的挪用与颠覆。部分艺术家通过精确的场景搭建和光线模拟，重现文艺复兴或巴洛克时期的经典画面，但通过使用现代媒介的精确性或超现实的细节，使得这些“致敬”的作品充满了疏离感和时代错位感。 接着，我们分析“景观”的重塑。不同于传统的风景画，当代景观摄影更加关注人造环境对自然界侵蚀的痕迹。从大规模工业设施到被遗弃的现代主义建筑，摄影师记录下文明留下的伤疤，并以一种近乎审美的视角来呈现这种“残缺的美”。这要求观众不仅要看到眼前的景象，还要在脑海中重建被记录物被创造和被遗弃的全过程。 最后，本章讨论了摄影中的“在场感”。通过对特定场景的捕捉，艺术家试图复现一种宗教般的神圣经验，即使所摄之物本身是世俗的。这种对“崇高感”的追求，使得他们的作品具备了超越一般记录的深度，促使观众反思媒介的极限以及图像在构建精神世界中的潜力。 --- 《光影的哲思：摄影、时间与记忆的探索》 并非是一本关于设备或软件教程的指南，它是一次深入精神世界的视觉漫游。它邀请读者以更审慎、更富于历史感和哲学思辨的目光，重新审视我们习以为常的光线、空间与时间，理解这些大师如何将冰冷的技术转化为对人类存在状态的深刻阐释。本书旨在提供一套理解当代严肃摄影的理论框架，帮助读者穿越技术表象，直抵图像背后的思想核心。

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这本摄影集简直是视觉的盛宴，每一次翻阅都像是一场穿越时空的对话。我尤其被那些广袤无垠的海景所震撼，它们似乎凝固了时间的流动，只剩下永恒的水平线和天空的微妙变化。苏吉莫托的镜头似乎有一种魔力，能将日常的景观提炼到一种近乎形而上学的境界。我记得有一组关于博物馆恒温室的照片，那种极致的安静和精确的控制感，让我不禁思考人类对“完美”的执着与自然的随机性之间的张力。光影的运用达到了炉火纯青的地步，不是那种张扬的戏剧性，而是一种内敛的、渗透到骨子里的宁静。你看着那些黑白影像，会感觉周遭的喧嚣都在慢慢褪去，只剩下你和那片被定格的、纯粹的瞬间。这不仅仅是记录，更是一种对存在的哲学叩问。对我来说，它更像是一系列冥想的引导，每一次聚焦都是对内在世界的深入探索。那些极简的构图，精准地控制着观者的视线，不容许任何多余的杂念存在，让人不得不沉浸其中，与影像进行最深层次的交流。这本书的装帧设计也极为考究，纸张的质感和油墨的呈现，都极大地增强了作品的感染力，让你在触觉上也能感受到艺术家对细节的偏执与热爱。

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从技术层面来说，这本书展示了对光线和时间控制的极致掌控。尤其是那些长曝光的作品，它们不再是简单的时间记录，而是一种时间的压缩和拉伸。我一直在琢磨，艺术家是如何在同一画面中，平衡住那种宏大叙事感和极微观的细节捕捉的。比如那些建筑系列的透视感，线条的收敛与汇聚，引导着你的视线深入到画面的深处，给人一种强大的纵深感和稳定感。读这本书的时候，我甚至会不自觉地放慢自己的呼吸，试图去匹配影像所营造的节奏。这是一种主动的观看体验，不是被动地接受信息，而是主动地进入到艺术家的创作频率中去。而且，全书的色调倾向于冷静和克制，即使偶尔出现暖色调，也被处理得非常微妙，仿佛是夜幕降临时最后一抹残存的余温。这本画册不仅仅是摄影作品的集合，更像是一本关于“观看”和“存在”的教科书，每一页都值得反复揣摩。

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这本书带给我的震撼是一种慢性的、持续发酵的感觉。初看可能觉得只是简单的黑白照片，但随着时间的推移，那些影像中的“空白”开始在脑海中生长出意义。我对比了不同时期拍摄的同一主题的作品，那种微妙的风格演变和视角调整，揭示了艺术家内在心境的变化，尽管外在形式保持着高度的一致性。这是一种非常高明的叙事策略——用不变的结构来承载变化的情绪。我特别注意了那些关于“海景”和“剧院”之间的切换，前者是自然的、无序的永恒，后者是人为的、构建的永恒，两者在黑白的世界里达到了奇妙的平衡。这本书的印刷质量简直是业界标杆，即使是浅灰色的过渡层次也表现得非常细腻，避免了任何死黑或死白区域的出现，这对于理解艺术家对微妙光影的追求至关重要。它要求读者走出快餐式的浏览习惯，真正停下来，去感受那种经过深思熟虑的、近乎虔诚的影像制作过程。这绝对是一本值得在书架上占据重要位置的视觉艺术杰作。

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我一直以为自己是个对现代艺术持保留态度的人，但这本书彻底改变了我的看法。它没有那些晦涩难懂的理论支撑，但其力量完全是通过图像本身传递的，直击人心。我特别喜欢其中关于“蜡像”的那一组作品。那些被凝固的、近乎真人的人物形象，在艺术家精准的布光下，呈现出一种介于生命与非生命之间的诡异状态。他们的眼神空洞却又似乎藏着千言万语，那种“不真实”的真实感让人毛骨悚然，又忍不住想多看几眼。这不仅仅是对模仿的探讨，更是对“何为人性”的深刻反思。蜡像的永恒定格，与我们生命过程中的不断变化形成了鲜明的对比。我感觉自己像个闯入者，打扰了他们永恒的静止。这本书的影像质感处理得极其干净利落，没有多余的颗粒感干扰，使得每一个细节——无论是蜡像的皮肤纹理，还是背景的虚化——都清晰可辨，这种高保真的呈现，反而加剧了那种超现实的疏离感。

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说实话，一开始我还有些怀疑，这种对“经典”主题的重复探索，会不会显得有些老生常谈？但读完这本作品集后，我的疑虑烟消云散了。它以一种近乎冷峻的精准度，对我们习以为常的场景进行了彻底的解构与重塑。特别是那些关于剧院幕布的系列，那种深邃的、仿佛能吞噬一切的黑色，配合着微弱的光线投射，制造出一种强烈的戏剧张力。这种张力并非来自叙事，而是来自对“潜能”的暗示——幕布拉开之前，一切皆有可能；幕布拉上之后，一切又归于虚无。艺术家的处理方式非常克制，他几乎剥离了所有多余的叙事元素，只留下最核心的结构和光影的对话。这种克制反而带来了更强大的冲击力，因为它迫使观看者必须从自己的经验和想象力中去填补空白。我欣赏这种挑战传统审美观看方式的勇气，它要求读者拿出更多的耐心和专注力。这本书的排版布局也十分大胆，几张看似不相关的照片并置在一起，却在某种无形的力量牵引下，形成了一种新的关联，让人在不同主题间跳跃，却又总能找到一种内在的逻辑线索，非常耐人寻味。

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杉本博司摄影集，表达time，观念摄影师

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