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出版者:Schiffer Pub Ltd

作者:Santi, Federico/ Gacher, John

出品人:

页数:192

译者:

出版时间:1998-1

价格:$ 56.44

装帧:HRD

isbn号码:9780764305344

丛书系列:

图书标签:

• 陶瓷
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现代艺术的浪潮：从立体主义到抽象表现主义的视觉革命 一部深入解析二十世纪前七十年间西方视觉艺术核心变革的权威著作 内容提要 《现代艺术的浪潮：从立体主义到抽象表现主义的视觉革命》并非仅仅是一部艺术史的梳理，它更是一场对人类感知方式、社会结构以及技术进步如何共同塑造了我们今天所理解的“艺术”的深刻探究。本书聚焦于一个爆炸性的时代——从1907年毕加索和布拉克推翻传统再现原则，到1960年代波普艺术的兴起，涵盖了现代艺术最为激进、最具影响力的运动。 本书的叙事核心在于“革命”与“连续性”的辩证关系。作者细致入微地剖析了两次世界大战对艺术家心灵的冲击，以及随之而来的哲学思潮（如现象学、存在主义）如何为艺术创作提供了新的语言。我们不再仅仅关注风格的演变，而是深入探究每一场运动——从立体主义对时空的多维解构，到至上主义对纯粹形式的追求，再到抽象表现主义对潜意识的原始释放——其背后蕴含的社会文化动机和知识分子遗产。 第一部分：形式的瓦解与重建：立体主义与后继者（约 1907 – 1920） 本部分将读者带回到巴黎，这个在二十世纪初成为全球艺术思想熔炉的城市。我们首先考察了毕加索与布拉克的立体主义如何系统性地拆解了文艺复兴以来确立的单点透视法。作者区别了“分析立体主义”的智性碎片化与“综合立体主义”对拼贴（Collage）的引入，后者不仅是技术革新，更是对日常物象与艺术权威之间界限的首次严肃挑战。 随后，本书探讨了立体主义的回响： 奥菲主义（Orphism）： 德洛内夫妇如何将立体主义的几何分解与对色彩的纯粹、动态的迷恋相结合，预示了未来纯粹抽象的可能。 未来主义（Futurism）： 意大利的未来主义者们如何将对速度、机器和暴力的崇拜转化为视觉语言，探究动态的“同时性”（simultaneity）。 构成主义与至上主义（Constructivism & Suprematism）： 聚焦于俄国革命前后，马列维奇和罗琴科如何将艺术从“再现”的负担中彻底解放出来，追求宇宙的绝对零点——纯粹的几何形式（如《黑方块》的意义）。 第二部分：理性的逃逸与潜意识的召唤（约 1916 – 1939） 在第一次世界大战的废墟之上，理性主义的信仰遭受重创。本章详细描绘了艺术家们如何转向非理性、偶然性与梦境来寻找新的真理。 达达主义（Dada）： 从苏黎世的Cabaret Voltaire开始，达达如何以反逻辑、反艺术的姿态，对资产阶级文化进行猛烈抨击。杜尚的“现成品”（Readymades）被置于中心位置，探讨了“作者意图”与“观众感知”在艺术定义中的角色转变。 超现实主义（Surrealism）： 分析了布勒东的理论基础，特别是对弗洛伊德精神分析学的吸收。本书深入比较了萨尔瓦多·达利高度“手工艺化”的幻觉空间、马格利特的符号学谜团，以及米罗有机、自动书写式的图像生成。着重分析了超现实主义如何试图在日常和梦境之间建立“超现实”的桥梁，影响了后来的电影和文学。 第三部分：流亡、冲突与新世界的诞生：二战后（约 1940 – 1960） 随着欧洲的陷落和知识分子的流亡，艺术的中心无可争议地转移到了纽约。这一部分是本书篇幅最重、分析最深入的核心。 欧洲的遗产与美国的觉醒： 探讨了蒙德里安、马斯洛夫斯基等欧洲大师对美国战后一代艺术家的关键影响。 抽象表现主义的全面剖析： 本书将“纽约画派”视为一个复杂的多样体，而非铁板一块。 行动绘画（Action Painting）： 杰克逊·波洛克的工作被置于现象学的框架下考察——画布不再是窗口，而是行动的记录场域。我们关注笔触、滴落和泼洒的技术如何与艺术家的身体性（Corporeality）和存在焦虑紧密相连。 色域绘画（Color Field Painting）： 深入剖析纽曼、罗斯科和罗斯科的实践。他们的作品如何通过巨大的、静默的色块，试图唤起一种近乎宗教性的、崇高的（Sublime）体验，迫使观众进行沉浸式的、非叙事性的对话。 欧洲的回应： 对战后欧洲的艺术发展进行了必要的对照研究，特别是法国的“具象抒情派”与“Informel”（非定形艺术），揭示了在战后重建中，欧洲艺术家在追求抽象和物质性时所展现的不同路径。 核心论点 本书认为，二十世纪上半叶的现代艺术运动，本质上是一系列关于“真实”的哲学辩论： 1. 立体主义 挑战了视觉的“何在”（Where）。 2. 达达与超现实主义 挑战了创作的“为何”（Why）。 3. 抽象表现主义 最终固化了创作的“如何”（How）——即艺术行为本身即是作品的最终意义。 通过对艺术家手稿、同期评论和跨学科思想的交叉引用，本书不仅为读者勾勒出了一幅宏伟的视觉变迁图景，更重要的是，它揭示了这些革命性图像是如何同步反映并塑造了二十世纪人类对自我、历史和宇宙的认知。这是一本为严肃的艺术爱好者、学生以及任何对现代文化动力感兴趣的读者量身定制的深度阅读指南。

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这本书的版式设计和印刷质量本身就值得大加赞赏。每一张彩色插图的还原度都达到了惊人的水平，色彩的层次感和光影的微妙变化，几乎可以乱真。通常在涉及如此精细纹理的艺术品时，印刷厂往往难以捕捉到原作中那种微妙的厚度和釉面的光泽，但在这本书里，我仿佛能通过指尖感受到那些浮雕的起伏。更令人称道的是，作者在图注和正文之间的穿插运用达到了教科书级别的标准。当描述到某件作品的独特性时，相应的图片会立刻出现在最合适的位置，配以精确到毫厘的尺寸和材料说明。这极大地减少了读者在阅读过程中需要频繁查阅附录或图表的麻烦。这种对视觉信息的尊重和对阅读体验的细致考量，使得阅读过程本身成为了一种享受。它不只是一本知识的载体，更是一件精心制作的工艺品，充分体现了“形式服务于内容”的审美原则。

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这本厚重的精装书捧在手里，那种纸张的触感和油墨的清香，立刻把我带入了一种古典而典雅的氛围之中。我本来是带着一种研究性的态度来翻阅的，毕竟涉及到一个特定历史时期的艺术流派，总觉得会充斥着枯燥的年代考证和晦涩的理论阐述。然而，出乎意料的是，这本书的叙事节奏把握得极好，它没有一上来就抛出复杂的装饰艺术运动的谱系图，而是巧妙地从十九世纪末欧洲的社会思潮变迁入手，将艺术风格的演变置于一个更宏大、更具人情味的背景之下。作者对于当时社会对工业化生产的反思，以及对手工艺复兴运动的细致描摹，简直如同在眼前重现了那个时代的精神脉络。我尤其欣赏它对一些早期设计手稿的引用，那些线条的挣扎与最终成品的和谐统一之间，蕴含着设计师内心无数次的推敲与取舍，那种对细节近乎偏执的追求，通过文字被生动地传达了出来。读着读着，我仿佛能听到工作室里凿刻工具的轻微声响，感受到艺术家们在面对新旧审美冲击时那种既兴奋又迷茫的心态。它不仅仅是关于“艺术”的记录，更是一部关于“时代精神如何被物质化”的精彩编年史。

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我是一个对建筑史有着深厚兴趣的业余爱好者，尤其钟情于那些探索功能与美学边界的时期。这本书的结构给我留下了极其深刻的印象，它没有将重点仅仅放在视觉上的冲击力，而是深入剖析了材料科学在那个时代取得的突破是如何反哺到装饰领域的。书中对于新材料的应用——比如某种特定釉料的配方改进、或者在烧制过程中对温度控制的革命性认知——的描述，简直像一本精炼的工艺技术手册，但又丝毫不失文学的流畅性。作者似乎拥有超越时代的洞察力，能够精确地指出某项技术上的微小进步是如何催生出一种全新的视觉语言的。例如，关于色彩饱和度的提升如何影响了公众对“现代感”的认知，这部分内容分析得鞭辟入里。我合上书本，拿起我收藏的一件晚期作品对着灯光细看，才恍然大悟，原来那些看似随意的笔触下，隐藏着如此复杂的化学和物理原理支撑。这本书无疑为我理解十九世纪末的工艺美术运动提供了一个坚实的、科学的基石，远超出了普通艺术史书籍的范畴。

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这本书最让我感到震撼的，是它对“跨文化交流”主题的探讨深度。它并未将十九世纪末的艺术发展局限在欧洲本土，而是花费了大量的篇幅去追溯亚洲，特别是东方艺术元素是如何潜移默化地影响了欧洲的设计师们的审美取向。作者没有简单地停留在“东方主义”的表面，而是深入挖掘了贸易路线、外交事件乃至私人收藏如何促成了这些影响的发生。比如，书中详细对比了日本浮世绘的构图原则与当时新艺术运动中线条的流动性之间的内在联系，这种跨学科、跨地域的比较分析，提供了一个看待艺术史演变的全新视角。它挑战了那种认为艺术风格是孤立发展的观点，揭示了全球化早期阶段艺术思想的复杂互动网络。读完之后，我审视我过去认为的那些“纯粹”的欧洲风格作品时，都会下意识地寻找那些隐藏的、来自远方的文化回响。这本书的格局之大，视野之广，让人受益匪浅。

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坦白说，我对纯粹的艺术史著作往往敬而远之，因为它们常常陷入对“风格”标签化的陷阱，使得作品失去生命力。但这本书的处理方式截然不同，它更像是一系列精心策划的“人物小传”与“情景再现”的集合体。作者在介绍某位重要艺术家的工作时，从不吝惜笔墨去描绘他（她）与同行之间的微妙关系，以及他（她）在接受批评和赞誉时的真实反应。这种人性化的处理，使得那些原本高高在上的艺术巨匠，瞬间变得有血有肉、可以接近。我特别喜欢其中关于一次著名的设计展览的详尽记录，不光描述了展出的物品，还引用了当时报纸上那些尖酸刻薄的评论，以及参观者私下的交谈记录。这让我真切地感受到了艺术品从创作到被公众接受过程中所经历的巨大张力与挣扎。这种“幕后”的叙事，让阅读体验变得极其生动和引人入胜，完全没有一般学术著作那种抽离感。

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