具体描述
This volume features a broad selection of jazz record covers, from the 1940s through the decline of LP production in the early 1990s. Each cover is accompanied by with a fact sheet listing performer and album name, art director, photographer, illustrator, year, label, and more. Special features for jazz lovers include a top-10 favorite records list by leading jazz DJs King Britt, Michael McFadden, Gilles Peterson, Andre Torres, and Rainer Truby, as well as interviews with legendary jazz personalities Rudy Van Gelder (sound engineer that recorded for many labels such as Blue Note, Impulse , and Prestige), Creed Taylor (founder of many labels and one of the best jazz producers ever, credited also for bringing bossa nova to the US and fusing it with jazz.
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读后感
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用户评价
读完这本书后，我陷入了一种奇特的沉思之中，它引发了我对“原创性”和“致敬”这两个概念的深刻反思。作者在探讨不同音乐流派的演变时，展现出惊人的广度和细腻度。他并没有简单地将某个流派视为凭空出现，而是像一位考古学家，小心翼翼地剥开历史的尘埃，展示了那些被时间磨平棱角的借鉴、模仿、甚至是对前人作品的“偷窃”。这种诚实令人敬佩。书中对于某个特定乐章在不同年代、不同文化背景下的演绎对比分析，尤其引人入胜。通过作者精准的笔触，我能清晰地分辨出七十年代的版本中那种粗粝的、带着时代印记的张力，与九十年代那种经过高度打磨、更偏向商业化的光滑质感之间的差异。这不仅仅是音乐技巧的差异，更是时代精神在声音上的投射。很多时候，我甚至觉得这本书本身就是一本关于文化符号流动的绝佳案例研究，它教我们如何去倾听那些“沉默”的部分——那些被翻唱者有意无意地保留下来，又被重新诠释的音乐DNA。这是一部需要反复品味的厚重之作，每翻一页，都像是在和一个跨越时空的音乐导师对话。
评分我一直认为，要真正理解一门艺术，就必须了解它背后的“规则”是如何被打破的。而这本书，正是这样一本关于“革命”的史诗。它讲述的不是平铺直叙的进步，而是充满了冲突、误解和最终的超越。作者对音乐史中那些关键转折点的捕捉异常精准，例如某个特定乐器技术上的突破是如何连锁反应，最终颠覆了整个音乐生态系统的描述，简直具有教科书级别的洞察力。更让我兴奋的是，书中对“地域性”在音乐发展中的作用进行了深入探讨。它清晰地展示了地理环境、社会阶层甚至气候变化是如何悄无声息地塑造了音乐的音色和情绪基调。我读到关于某个偏远地区如何发展出一种独特演奏风格的那部分时，简直感到脊背发凉，那是一种纯粹的、未被主流污染的生命力。这本书的魅力在于它的复杂性，它拒绝给出简单的答案，而是引导读者自己去建构理解的框架。它不是一碗精心调配好的甜汤，而是一块需要细细咀嚼的、充满矿物质的岩石，营养丰富，回味无穷。
评分老实说，我一开始有些担心这本书会过于学院派，充斥着我完全不理解的术语，但作者的文笔简直是化腐朽为神奇的典范。他成功地架设了一座沟通的桥梁，连接了深奥的音乐理论和普罗大众的耳朵。最让我惊艳的是他对乐手个人心境的捕捉。书中有一章专门描述了一位已故钢琴家在晚年创作低谷时期的挣扎，作者没有使用煽情的语言，而是通过对音符稀疏程度、和弦色彩的细致描摹，让我们感受到了那种创作枯竭的绝望与自我救赎的微光。这种将抽象情感具象化的能力，实在太厉害了。我甚至能想象出那位老人家在昏暗的房间里，手指悬停在琴键上，那种犹豫、那种渴望重新找到声音入口的状态。此外，书中收录的一些未发表的手稿或早期录音的片段描述，简直像是给资深乐迷的秘密惊喜，那些只言片语的注释，透露出音乐家们在创作现场那种天马行空的思维过程。这本书不是让你“知道”音乐是如何构成的，而是让你“感受”到音乐是如何诞生的。
评分天哪，这本书简直是一场听觉的盛宴，文字的魔术！我本来以为这只是一本普通的乐理书籍，或者顶多是些关于音乐史的枯燥记录，但事实证明我错得离谱。作者的叙事手法太高明了，他没有直接堆砌那些晦涩难懂的术语，而是用一种近乎诗歌的语言，将那些复杂的和弦进行、节奏变化，甚至是乐器之间的微妙对话，描绘得淋漓尽致。我感觉自己不是在阅读，而是在亲身体验一场现场演出。特别是他描述某位萨克斯手即兴发挥的那一段，那种“心流”状态，那种与空气中音符融为一体的狂喜，简直被捕捉得丝丝入扣，让我读完后忍不住去翻找那张老唱片，试图在唱片中重温那种震撼。这本书的结构也处理得非常巧妙，它不是线性的时间轴，而更像是一张由无数闪光点构成的星图，每个章节都是一个独立而又相互关联的精彩瞬间。我尤其喜欢作者对于“失误”的解读，他认为那些看似不和谐的“错误音符”，往往是创造力的火花，是音乐家打破既有框架、抵达新境界的契机。这种对艺术的深刻洞察，让我对音乐的理解提升到了一个全新的维度。我向所有自诩为音乐爱好者的人强烈推荐，这本书会彻底改变你聆听音乐的方式。
评分这本书的排版和设计感也值得大书特书，它本身就是一件艺术品。我很少看到一本非虚构的音乐书籍能如此注重视觉体验。那些穿插在文字间的历史照片，清晰度极高，而且选择的角度都非常独特，不是常见的舞台照，而是捕捉了乐手们在录音室角落里沉思、在排练室里激烈争论的瞬间。这些画面为文字提供了坚实的视觉锚点，让那些抽象的音乐概念有了可触摸的实体。最让我印象深刻的是作者在对比两代音乐人对同一主题的不同处理手法时，所采用的那种对称式排版，文字和图片形成了一种微妙的对话关系。它迫使你停下来，不仅仅是用耳朵，还要用眼睛去“听”这些文字和图像的交响。这种多感官的调动，极大地增强了阅读的沉浸感。我发现自己会不自觉地在脑海中为书中所描述的每一个场景配上合适的背景音乐，这完全是拜作者成功营造的氛围所赐。它是一本可以放在咖啡桌上，随时翻开就能获得片刻宁静与启发的书。
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