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出版者:Routledge

作者:Bial, Henry 编

出品人:

页数:424

译者:

出版时间:2007-5

价格:$ 141.25

装帧:HRD

isbn号码:9780415772747

丛书系列:

图书标签:

• PerformanceStudies
• Performance Studies
• Theatre
• Culture
• Performance Art
• Social Theory
• Ethnography
• Interdisciplinary Studies
• Critical Theory
• Visual Culture
• Body Studies

跨越表演的界限：当代艺术、社会实践与批判理论的深度对话 《跨越表演的界限：当代艺术、社会实践与批判理论的深度对话》 汇集了一系列开创性的文本，旨在剖析“表演性”（performativity）这一核心概念在二十世纪后期及二十一世纪初的复杂演变及其在多个学科领域的深远影响。本书并非对既有表演研究领域的简单回顾，而是致力于探索表演性如何成为理解权力结构、身体政治、文化再现以及社会行动的关键场域。 本书的结构分为五个紧密关联的部分，每一部分都聚焦于表演性理论演进的不同面向，同时强调其在不同文化语境中的实际应用与张力。 第一部分：本体论与知识的生成——从维特根斯坦到奥斯汀的转向 本部分深入考察了“表演性”概念在哲学和语言学根基上的奠基工作。我们首先重温了路德维希·维特根斯坦的语言游戏理论，特别是“使用即意义”的观点如何为理解行为作为一种社会实践提供了初步框架。随后，本书的重点转移到语言行为理论的经典文本，详细分析了约翰·奥斯汀的“如何以言行事”（How to Do Things with Words）中的言内/言外/言及效力区分。 然而，本书并未止步于此。我们着重探讨了后结构主义对奥斯汀的修正与批判，特别是朱迪斯·巴特勒（Judith Butler）如何通过借用这些语言学概念，将其应用于性别、欲望和主体建构的领域。通过对早期理论的细致梳理，本部分为后续章节中对表演性在艺术与政治领域中的激进化奠定了坚实的理论基础。我们探讨了：表演性如何从一种单纯的语言功能，转变为一种本体论状态——即“存在即被施行”。 第二部分：身体、空间与临场感：美学与物质性 表演的核心是身体在特定空间中的在场。本部分将理论视角转向物质文化研究和空间理论，探讨了表演性在构建和解构身体经验中的作用。我们考察了诸如“临场感”（presence）和“在场性”（liveness）这些美学范畴在数字媒介日益主导的时代所面临的挑战。 内容涵盖了从阿道夫·阿皮亚（Adolphe Appia）的早期空间构想，到梅尔斯·卡宁汉（Merce Cunningham）的去中心化舞台空间，再到1970年代激进剧场实践对剧场-观众二元对立的颠覆。重点分析了身体作为政治文本的运作方式——如何通过姿态、移动和日常行为（如阿甘本的“无为的行动”）来揭示隐藏的权力关系。本部分特别关注了环境剧场和非传统空间中的表演，探讨了当表演脱离传统剧场壁垒时，其对公共领域和城市景观的重新编码作用。 第三部分：媒体、复制与奇观的消解 随着大众媒体和数字传播技术的发展，表演的“独一无二性”受到了前所未有的挑战。本部分聚焦于媒体理论对表演性的影响，尤其关注瓦尔特·本雅明关于“机械复制时代艺术作品的灵韵”的论述，以及盖·德波（Guy Debord）的“景观社会”理论。 本书批判性地审视了当代艺术中，记录、存档和传播如何重塑了表演事件的意义。我们探讨了录像艺术、行为艺术的档案化，以及互联网“模因”（meme）作为一种快速流动的、高度表演化的文化现象。这里的核心问题是：当表演被无限复制和消费时，它是否失去了其作为即时、现场行动的批判力量？本部分提出了一种在数字语境下重新定义“现场性”的路径，即关注信息流本身即是一种持续不断的表演性建构。 第四部分：身份政治的实践场：种族、性别与酷儿理论 本部分是全书最具批判性的部分，它将表演性理论直接应用于身份政治的战场。我们详细分析了表演性如何在构建、维持和挑战社会规范化的性别、种族和性取向身份方面发挥核心作用。 通过对非裔美国人戏剧、酷儿表演艺术以及当代跨性别艺术实践的案例研究，本部分探讨了“扮演”（acting out）如何超越简单的模仿，成为一种积极的、颠覆性的政治抵抗策略。例如，我们深入剖析了“假装”（passing）、“模仿”（mimicry）以及“污名化”（stigma）如何在表演性的层面上被策略性地利用，以揭露身份规范的武断性。本部分特别强调了表演在构建“他者”身份时的能动性，即身份并非被发现，而是被持续地、有意识地施行出来。 第五部分：行动的伦理与政治潜力——从参与到介入 本书的收尾部分探讨了表演性理论的未来指向——即从描述性分析转向规范性实践。我们关注了社会运动、社区艺术实践以及公民参与（civic engagement）中表演性工具的应用。 从环境行动主义中的“身体阻塞”（die-in）到政治游行中的集体符号运用，本部分探讨了表演如何成为一种非暴力抵抗的有效媒介。核心议题转向了表演的伦理维度：我们是否有责任去“表演”某种特定的政治身份或信念？当代表演者和艺术家如何平衡其创作的自主性与社会干预的即时需求？本书最终主张，理解表演性，意味着认识到我们生活的世界本身就是一场持续进行、权力高度集中的、尚未完成的宏大演出，而批判性的表演实践，正是我们介入并重写剧本的唯一途径。 《跨越表演的界限》 是一部面向学者、艺术家、文化评论家和对社会权力结构抱持深刻关切的读者的著作。它提供了一个多维度的分析工具箱，用以拆解我们周围世界中那些看似“自然”或“既定”的表演法则。

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坦白说，如果不是为了完成某项研究任务，我可能无法坚持读完这本选集中的所有材料。它的难度，很大程度上来自于其对专业术语的“不友好”——那些晦涩的德语、法语词汇被直接引用，并且缺乏足够的上下文来支撑初级读者的理解。阅读过程更像是在攀登一座陡峭的知识阶梯，每上升一个台阶，都需要耗费大量的精力去辨认和辨析那些微妙的意义差别。然而，一旦跨越了初期的障碍，我开始体会到它在勾勒学科版图上的重要性。这本书的价值在于其“档案性”和“冲突性”的结合。它不回避学科内部的争论，反而将其作为展示学科生命力的主要方式。那些关于“体验经济”和“情感劳动”的早期论述，如今看来，无疑是极具先见之明的。对于希望系统性了解表演研究“谁在说什么、为什么这么说”的历史脉络的学者来说，这本书的价值是无可替代的，但准备好迎接一场艰苦卓绝的智力马拉松吧。

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从一个侧重于跨文化比较研究的读者的角度来看，这本选集展现出了一种令人钦佩的跨学科视野，然而，这种广度也带来了一定的阅读上的“颠簸感”。我发现，不同章节之间理论的“语感”差异巨大，有的篇章结构严谨，逻辑链条如同精密仪器般无懈可击，而另一些则更偏向于个人经验的反思性叙事，充满了后现代主义的碎片化和模糊性。这种风格上的剧烈摇摆，起初让人有些措手不及，但细想之下，或许这本身就反映了表演研究作为一门年轻学科的内在张力——它既渴望建立坚实的本体论基础，又无法割舍其对具体情境、身体感知和即时发生的敏感性。那些关于非西方传统表演的引入，虽然数量不多，但质量上乘，它们有效地震撼了以欧洲中心主义为基础的表演理论框架。我希望未来能看到更多关于全球南方表演实践的深度案例分析，而非仅仅是理论方法的介绍。对于渴望从既有框架中跳脱出来的研究者而言，这本书提供了一系列强有力的“理论冲击波”，虽然消化它们需要不小的努力。

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这本选集无疑是当代表演研究领域的一份厚重且极具挑战性的入门砖。首先映入眼帘的是其编排的宏大叙事，它并未试图构建一个线性或和风细雨般的导览图，反而更像是一次对该学科核心论辩场域的考古发掘。阅读过程中，我时常感觉自己被抛入了一场由不同代际、不同地域学者共同参与的、关于“什么是表演”以及“表演如何运作”的激烈辩论之中。那些经典文本的引用和相互的对话，要求读者具备相当的理论素养和耐心，去梳理那些跨越了人类学、戏剧学、文化研究甚至社会学边界的复杂概念。它并非一本旨在提供舒适答案的书籍，而是不断抛出更深层次的疑问。那些关于身体政治、仪式在现代性中的消亡与重构，以及媒介技术如何改写了观众/参与者的界限的章节，尤其发人深省。我尤其欣赏其中对那些边缘化表演实践的关注，它们挑战了传统剧场艺术的中心主义叙事，迫使我们重新思考表演行为的社会功能和伦理责任。总的来说，这是一本需要反复研读、甚至需要结合课堂讨论才能真正消化吸收的学术利器，它绝非轻松的周末读物，而是研究者案头不可或缺的参照系。

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从一个文化史的视角审视这本选集，我感受到的是其对“历史性”的极度关注，但这种关注并非线性的编年史，而是一种对“瞬间的永恒性”的追逐。它试图捕捉那些转瞬即逝的身体实践，并将它们固化在文本中，以便未来的我们得以窥见其发生时的能量场。那些关于殖民地表演、身体改造与抵抗的篇章，以一种近乎刺痛的方式揭示了表演在权力结构中的复杂共谋与反抗。我特别留意到，书中对“档案”（archive）这一概念的探讨，即表演本身作为一种易逝的媒介，是如何被记录、被遗忘、又如何通过再现而获得新的生命力的。这种对媒介本质的拷问，极大地拓宽了我对“证据”的理解。这本书成功地将那些原本散落在各个独立期刊和会议论文中的关键声音聚合在一起，形成了一种强大的、相互印证又相互挑战的知识场域。它就像是一份浓缩的历史快照，虽然内容密度极大，但其对表演作为一种核心人类活动——即我们如何处理意义、如何处理彼此——的深刻揭示，是任何严肃研究者都无法绕开的基石。

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作为一个刚从戏剧导演转向关注社会实践艺术的实践者，我阅读这本书的体验更侧重于它如何为我的“行动”提供新的合法性框架。我尤其关注其中那些关于“行动者网络理论”如何被引入到对政治集会或日常公共行为的分析中的部分。这本书将“表演”的概念从舞台的四壁之内彻底解放出来，将其视为一种无处不在的社会组织和权力运作的方式。例如，关于“在场性”（presence）和“缺席性”（absence）的讨论，对我理解如何通过空间设计和观众动员来影响一场公共事件的叙事走向，提供了极为宝贵的视角。那些探讨观众作为“共同创作者”的角色演变的段落，激发了我对传统“第四面墙”的彻底反思。当然，纯粹的理论讨论有时会显得过于抽象，我常常需要在脑海中努力地将那些晦涩的术语“翻译”成舞台上的具体动作或场景设置。总而言之，它为我们这些试图在社会场域中进行干预的创作者，提供了一套“解剖”现有社会结构和重新“编码”人际互动的理论工具箱，实用性与思辨性兼备。

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