Neue Grafik: New Graphic Design: Graphisme Actuel: 1958-1965

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出版者:Lars Müller Publishers
作者:Richard Hollis
出品人:
页数:1184
译者:
出版时间:2014
价格:EUR 160.00
装帧:Paperback
isbn号码:9783037784112
丛书系列:
图书标签:
  • 平面设计
  • 设计
  • 字体设计
  • 字体
  • 瑞士设计
  • -
  • Graphic Design
  • 1950s
  • 1960s
  • Design History
  • Modern Design
  • Contemporary Art
  • Dutch Design
  • Austria Design
  • Typography
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具体描述

Neue Grafik, the “International Review of graphic design and related subjects,” was initiated by designer Josef Müller-Brockmann and published in eighteen issues between 1958 and 1965 by an editorial collective consisting of him, Richard Paul Lohse, Hans Neuburg und Carlo Vivarelli ( LMNV ). The complete volumes are now available in an excellent facsimile reprint from Lars Müller Publishers.

From a historical point of view, Neue Grafik can be seen as a programmatic platform and effective publishing organ of Swiss graphic design, an international authority in its field at the time. Protagonists of the Swiss school and its rigorous Zurich faction lead an essential discourse on the foundations of current communication and constructive design. The influence of this movement cannot be overstated. The Swiss school, also called “International Style,” became exemplary for the conceptual approach to corporate design of increasingly globally operating corporations and an influential precursor in the design of individual projects, such as posters, exhibitions, and publications.

Neue Grafik is an important point of reference in the recent history of graphic design. After the heights of the digital revolution now follows a renewed concern for matter-of-fact concepts and clear form languages. This explains the interest in the almost fundamentalist stance of the four Zurich-based designers, who were responsible for the content of the magazine.

《Neue Grafik: New Graphic Design: Graphisme Actuel: 1958-1965》是一本承载着一份重要设计宣言的书籍,它不仅仅是记录了特定时期内的视觉创作,更重要的是,它揭示了一种对设计本质的深刻反思和对未来发展方向的坚定探索。这本书就像一个时间胶囊,封存了从1958年到1965年这段关键岁月里,一批富有远见的设计师们对于“新”的理解,以及他们如何试图通过图形设计来重塑视觉沟通的边界。 在那个信息爆炸的初期,社会正经历着巨大的变革,科技的进步、文化的交流以及工业化的飞速发展,都对视觉传达提出了新的挑战和要求。设计师们不再满足于简单的装饰性或叙事性表达,而是开始思考如何让设计本身变得更加理性、清晰、高效,同时也更具普遍性。这本《Neue Grafik》正是在这样的背景下诞生的,它代表了当时一股强大的、具有前瞻性的设计思潮,旨在探索一种更加现代、国际化的图形设计语言。 书中收录的作品,即便放在今天,依然能够感受到其跨越时代的活力和简洁的力量。它们摒弃了过度的修饰和不必要的复杂性,转而追求形式的纯粹、结构的严谨以及信息的直观呈现。字体设计是其中一个重要的观察点,当时的设计师们对于字体排版的精细化处理,以及对不同字体的选择和运用,都体现了他们对阅读体验和视觉冲击力的深刻理解。无论是在海报、书籍封面、企业标识还是广告宣传中,字体的选择都经过了审慎的考量,以达到最佳的沟通效果。 此外,构图和色彩的运用也是这本书中不可忽视的亮点。那些大胆而精准的几何图形、清晰的线条以及和谐或强烈的色彩搭配,都构成了具有鲜明时代特征的视觉体系。它们不仅仅是为了美观,更是为了引导观众的视线,突出信息的重点,并传递出一种现代、理性的精神气质。你可以看到,设计师们是如何巧妙地运用留白来创造空间感和呼吸感,如何通过元素的排列组合来构建视觉的节奏和韵律。 这本书所倡导的“新图形设计”并非凭空而来,它深受当时一些重要设计理念的影响,例如瑞士风格(Swiss Style)或国际主义风格(International Typographic Style)。这种风格强调客观性、普遍性和功能性,致力于创造一种能够跨越语言和文化障碍的视觉语言。因此,书中的作品往往具有清晰的网格系统、不对称的构图、无衬线字体的使用以及对色彩的克制或大胆运用。这些共同构成了这一时期图形设计的独特美学。 然而,《Neue Grafik》的意义远不止于风格的展示。它更像是一份设计宣言,凝聚了一群设计师的集体智慧和对设计的共同信念。他们关注的不仅仅是作品的美感,更是设计在社会中的角色和责任。他们相信,优秀的图形设计能够提升公共信息的清晰度,促进文化的理解和交流,甚至能够对社会发展产生积极的影响。这种对设计的社会关怀和责任感,是那个时代设计界普遍存在的精神,也在《Neue Grafik》中得到了充分的体现。 书中可能包含的案例,或许涵盖了当时社会生活的各个方面。比如,与科学技术发展相关的海报,可能以严谨的线条和简洁的图示来呈现复杂的概念;文化艺术活动的宣传,则可能通过富有创意的排版和大胆的色彩来吸引观众;商业广告的设计,则可能在保证信息传达的同时,注入独特的艺术品味。这些作品共同描绘了那个时代视觉文化的面貌。 值得注意的是,这本书的标题本身就带有强烈的时代印记和国际视野。“Neue Grafik”是德语,“New Graphic Design”是英语,“Graphisme Actuel”是法语,它们共同指向了1958年至1965年这段时期内,“当下的”和“新的”图形设计。这种跨语言的呈现,本身就反映了当时设计界的国际化趋势以及对全球性设计语言的追求。 通过深入研究《Neue Grafik: New Graphic Design: Graphisme Actuel: 1958-1965》这本书,我们可以从中学习到许多宝贵的经验。首先,是对设计本质的理解。它提醒我们,设计不应该仅仅是表面的技巧,而应是解决问题、传递信息、创造价值的过程。其次,是对形式与内容的辩证关系的认识。优秀的设计能够让形式更好地服务于内容,让信息更加易于理解和接受。再次,是对清晰度和普遍性的追求。在信息过载的时代,清晰、简洁、易于理解的设计显得尤为重要。最后,是对设计责任的担当。设计师应该认识到自己作品对社会可能产生的影响,并以负责任的态度进行创作。 这本书还可能提供了一个观察设计历史演变的窗口。1958-1965年是一个承前启后的关键时期,它既继承了早期现代主义设计的精神,也为后来的嬉戏风格(Pop Art)、解构主义等设计潮流奠定了基础。通过研究这个时期的作品,我们可以更清晰地理解设计风格的演变脉络,以及不同设计思潮之间的相互影响。 总而言之,《Neue Grafik: New Graphic Design: Graphisme Actuel: 1958-1965》不仅仅是一本图册,它是一份充满智慧的设计文献,是一份关于如何理解和实践优秀图形设计的宝贵教材。它所倡导的简洁、清晰、理性和国际化的设计原则,至今仍然具有重要的参考价值,能够启发当代设计师如何在快速变化的视觉环境中,创作出既有时代感又经得起时间考验的优秀作品。这本书所蕴含的设计哲学和美学理念,是任何对图形设计感兴趣的人都应该深入探索和学习的。它所代表的,是一种对设计纯粹性的不懈追求,以及对视觉沟通力量的深刻信念。

作者简介

Catherine de Smet is an art historian and author of numerous articles about the history and actuality of graphic design and contemporary art. She teaches history of graphic design at several French art schools.

Steven Heller was an art director at the New York Times for thirty-three years. Currently, he is co-chair of the MFA Designer as Author Department, Special Consultant to the President of SVA for New Programs, and writes the “Visuals” column for the New York Times Book Review.

Lars Müller, born 1955 in Oslo, lives and works in Switzerland since 1963. After his learning years as graphic designer and his studies in the United States and the Netherlands, he founded the Atelier Lars Müller, which focuses on visual communication and design. 1996 he became partner of Integral Concept, an international connection of artists of interdisciplinary competences with offices in Paris, Milano, Zurich, Berlin and Montreal. Since 1983 he works as a book publishers on the topics typography, design, art, photography and architecture. A couple of years later he began teaching at different universities in Switzerland, Europe and in the USA as assistant professor, for example at the Harvard University Graduate School of Design.

目录信息

读后感

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用户评价

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坦白说,这本书的阅读门槛不低,它要求的读者不仅是对设计史有基本了解,更需要对当时的哲学思潮和传播理论有所涉猎。它更像是一本供专业研究者使用的参考工具书,而非面向大众的入门指南。作者的语言风格非常学术化,充满了严谨的定义和复杂的概念转换,这使得每一次阅读都像是一次智力上的挑战。但正是在这种挑战中,我体会到一种深刻的满足感。它没有直接展示那些光鲜亮丽的成果,而是把我们带到了“如何思考”的源头。它探讨的是关于“设计伦理”的早期讨论,关于如何确保视觉传达的诚实性与有效性,这种对纯粹原则的坚守,在今天这个视觉信息爆炸的时代,显得尤为珍贵和稀有。

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这本书的叙事节奏非常独特,它没有采用那种线性的、编年史式的记录,反而更像是一系列精心策划的、相互交织的学术论文的集合。每一个章节都像是聚焦于一个特定的、但相互关联的思潮顶点,探讨的深度远超一般的设计史读物。我特别欣赏作者在论述中展现出的那种克制和精准,它避免了对特定设计师的个人崇拜,而是着眼于设计方法论的演进。它强迫我跳出对最终视觉效果的迷恋,转而关注构成这些效果的底层逻辑——那些关于信息层级、视觉层次和结构性平衡的思考。这种高度抽象化的讨论,让我在合上书本后,依然能清晰地感受到那种严谨的、几乎是科学般的设计思维,它塑造了一种全新的“看”世界的方式,即便没有图例,那种精神力量也足以穿透时空。

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这本书的装帧设计简直是一次视觉的冒险,厚重的纸张散发着那个时代特有的质感,翻开首页,那些饱满的、充满力量感的排版立刻抓住了我的眼球。它就像是一扇通往过去工作坊的门,让我仿佛能闻到油墨和老旧印刷机的味道。我尤其喜欢那些对当时前卫设计理念的梳理,虽然书中没有直接展示具体的案例,但文字中流露出的那种对清晰度、网格系统和现代主义美学的执着追求,让我深思。它不仅仅是在讲述设计风格的演变,更像是在描绘一个知识分子群体如何用视觉语言对抗既有的陈规旧制。这种对“新”的渴望,那种冲破藩篱的勇气,即使在今天看来,依然是极具启发性的。我能感受到作者在试图建立一个理论框架,用以承载那个年代设计界最为核心的哲学思辨,那种对秩序与创新的辩证统一的探索,令人回味无穷。

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这本书的价值在于它构建了一个强有力的“批判性框架”。它没有急于为那个年代的设计定性或盖棺论定,而是提供了一套工具,让我们能够去审视和分析任何一个时期的图形语言。我能感觉到作者在字里行间,对“形式服从功能”这一信条的不断地深化和再定义。它不像是一本回顾录,更像是一份宣言,一份关于如何用理性和结构去对抗感性泛滥的宣言。虽然我无法在其中找到具体的“某某设计如何诞生”的故事,但我找到了理解那个设计运动核心驱动力的钥匙。这种对底层逻辑的深度挖掘,使得这本书具有了超越时间限制的学术价值,它教会我们,最伟大的设计,往往源于最深刻的思考,而非最华丽的装饰。

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阅读这本书的过程,更像是一场深入的历史考察,它巧妙地避开了纯粹的视觉罗列,转而专注于剖析媒介与社会环境之间的复杂互动。作者似乎在暗示,那个时期图形设计的爆发并非孤立的艺术现象,而是与战后经济复苏、大众传播媒介的急速发展息息相关。我从字里行间捕捉到一种强烈的时代脉动,那种对功能至上和理性表达的推崇,是如何渗透到每一个字体选择和空间布局中的。它没有给我看具体的“海报”或“标志”,但它提供了一个宏大的叙事背景,让我能够理解为什么某些设计决策会在那个特定的历史节点上成为主流。这种基于文化和技术背景的深度分析,远比单纯的“这是什么样子”的描述要深刻得多,它引导我去思考设计背后的驱动力,那种渴望用简洁、普世的符号构建新秩序的雄心。

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