中世・ルネサンスの音楽 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:講談社

作者:皆川 達夫

出品人:

页数:272

译者:

出版时间:2009-2-11

价格:JPY 1008

装帧:文庫

isbn号码:9784062919371

丛书系列:講談社学術文庫

图书标签:

• 音乐研究
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乐章的涟漪：一段跨越世纪的旋律之旅 历史的长河中，总有一些旋律，穿越时光的尘埃，触动我们内心最柔软的角落。它们不仅仅是音符的堆砌，更是时代的脉搏，情感的倾诉，文明的印记。本书将带您踏上一段迷人的旋律之旅，回溯中世纪晚期至文艺复兴时期，那段欧洲音乐史上的华丽转身，感受那些孕育出划时代作品的土壤，聆听那些塑造了西方音乐未来走向的乐章。 第一章：沉寂与萌芽——中世纪晚期音乐的余韵 当我们提及“中世纪音乐”，许多人或许会联想到庄严而略显肃穆的格里高利圣咏，那些单音的、带有宗教色彩的旋律，仿佛是遥远天际的低语。然而，中世纪音乐并非铁板一块，尤其在中世纪晚期，一股革新的暗流正在涌动。 在十二世纪的法国，以巴黎圣母院为中心的“巴黎乐派”悄然崛起。他们大胆地引入了“奥尔加农”（Organum）的技巧，这是一种在已知旋律（主调）上叠加一条或多条平行声部的技法。这标志着人类对和声的初步探索，虽然与后世的复调音乐有着天壤之别，但它无疑是复调音乐的雏形。乐句的延长、音程的选择，都在无声地改变着音乐的面貌。 这一时期，世俗音乐也开始绽放异彩。游吟诗人（Troubadours）和槽莱（Trouvères）在法国各地吟唱着骑士爱情、英雄传奇和日常生活。他们的歌曲，虽然许多已湮没在历史的风尘中，但留存下来的片段，已足够让我们窥见当时人们的情感世界。他们使用的乐器，如鲁特琴、维奥尔琴、竖琴等，也开始在音乐中扮演越来越重要的角色。 然而，这种音乐的传播，很大程度上依赖于口传和手抄乐谱。乐谱记录技术的进步，是为音乐的传承和发展奠定基础的关键。即使是单音音乐，其记谱法的演变，也经历了漫长而曲折的过程。从简单的“纽姆”（Neume）标记，到能够指示音高和节奏的线性记谱，每一步都凝聚着音乐家们的智慧与心血。 第二章：复调的曙光——阿尔斯·诺瓦的璀璨 到了十四世纪，欧洲音乐迎来了更为显著的变革，一个被后世称为“阿尔斯·诺瓦”（Ars Nova，新艺术）的时代来临。这个术语，如同一个信号，宣告着一种全新的音乐思维的诞生。 以法国作曲家纪尧姆·德·马肖（Guillaume de Machaut）为代表的人物，将复调音乐推向了一个新的高度。他们不再满足于简单的平行声部，而是发展出更加复杂的技巧，如对位（Counterpoint）——不同声部独立而和谐地进行。音乐的结构变得更加精致，节奏的运用也更加灵活多样。人们开始意识到，音乐可以不仅仅是宗教的载体，更可以是艺术的表达，是情感的流露。 “阿尔斯·诺瓦”的核心变革之一，在于节奏记谱法的革新。它引入了更精密的节奏划分，允许不同声部拥有更自由的节奏模式，甚至可以通过“等节奏”（Isorhythm）等技法，将复杂的节奏模式贯穿于整个乐曲之中。这使得音乐的层次感和逻辑性大大增强，为后来的音乐发展开辟了道路。 同时，世俗音乐的地位也在不断提升。“乌德”（Oud）等东方乐器开始进入欧洲，丰富了音乐的音色。器乐的独立性也开始显现，虽然许多器乐作品仍然依附于声乐，但一些纯器乐的作品，如“坎蒂加”（Cantiga）等，已经开始独立发展，展现出器乐本身的魅力。 “阿尔斯·诺瓦”不仅仅是音乐技法的革新，更是思想解放的体现。它反映了当时社会中日益增长的对世俗生活、个人情感的关注，音乐不再仅仅服务于教会，它开始走向更广阔的天地。 第三章：人文的光辉——文艺复兴早期音乐的转型 十四世纪末至十五世纪，欧洲迎来了人类文明史上的一个重要转折点——文艺复兴。这场席卷欧洲的思想文化运动，深刻地影响了艺术、文学、科学，当然也包括音乐。 文艺复兴的“复兴”二字，指向的是对古希腊罗马古典文化的重新发现与推崇。人们开始重新审视人本身的价值，强调理性、和谐与比例。这种人文主义思潮，也渗透到了音乐之中。 早期文艺复兴的音乐，在继承“阿尔斯·诺瓦”复调技法的基础上，开始追求更为清晰、平衡的音乐织体。虽然复调技巧依然繁复，但作曲家们开始更加注重旋律的流畅性，声部之间的呼应也更加自然。 勃艮第乐派（Burgundian School）是这一时期重要的音乐流派。以吉尔·本舒瓦（Gilles Binchois）和约翰内斯·屈普兰（Johannes Ciconia）为代表的作曲家，创作了大量优美动听的香颂（Chanson）。他们的音乐，旋律优美，情感丰富，既有宗教的虔诚，也有世俗的喜悦。 同时，教会音乐也在发生着变化。弥撒曲（Mass）和经文歌（Motet）依然是重要的体裁，但作曲家们开始更加注重音乐与歌词内容的契合，试图通过音乐来传达更深层次的宗教情感。 印刷术的发明，在文艺复兴时期对音乐的传播起到了革命性的作用。乐谱的批量复制和发行，使得音乐作品能够更广泛地流传，音乐家之间的交流也更加便利。这为音乐的标准化和发展奠定了坚实的基础。 第四章：多元的交响——文艺复兴中期的音乐图景 进入十五世纪中叶，欧洲音乐的面貌变得更加多元和丰富。随着技术的进步和文化交流的深入，音乐的风格和体裁呈现出百花齐放的态势。 低地国家（今比利时、荷兰、卢森堡一带）的作曲家们，如约翰内斯·奥克格姆（Johannes Ockeghem）和雅各布·奥布雷希特（Jacob Obrecht），以及后来更具影响力的若斯坎·德普雷（Josquin des Prez），被誉为“文艺复兴音乐的巅峰”。他们将复调技法发展到了极致，创作了极其精妙的赋格（Fugue）、模仿（Imitation）等技法。他们的音乐，结构严谨，逻辑清晰，同时又充满着人文的温暖与深情。 此时，世俗音乐的重要性进一步凸显。意大利的“弗洛托拉”（Frottola）和后来的“牧歌”（Madrigal）成为了重要的体裁。牧歌尤其代表了文艺复兴时期对情感表达的极致追求。作曲家们试图通过音乐来描绘各种情绪，如喜悦、悲伤、爱恋、渴望等，音乐的语汇变得更加丰富，能够表现细腻而复杂的情感。 器乐的发展也日益独立。鲁特琴的地位依然重要，但小提琴家族的前身——维奥尔琴（Viola da gamba）和中提琴（Viol）开始崭露头角。管风琴在教堂音乐中扮演着重要角色，同时，也涌现出一些为键盘乐器创作的独立器乐作品，如键盘奏鸣曲的雏形。 第五章：人性的赞歌——文艺复兴晚期音乐的辉煌 到了十六世纪，文艺复兴的艺术精神在音乐领域达到了顶峰。作曲家们将人文主义的理想与高超的音乐技法完美结合，创作出了大量永恒的杰作。 意大利的牧歌在此时发展到了巅峰。如奥兰多·迪·拉索（Orlando di Lasso）、克劳迪奥·蒙特威尔第（Claudio Monteverdi）等大师，他们的牧歌作品，无论是旋律的优美，还是情感的深度，都达到了前所未有的高度。蒙特威尔第更是被誉为“歌剧之父”，他的作品预示着巴洛克音乐的到来。 教会音乐也呈现出新的面貌。帕莱斯特里纳（Giovanni Pierluigi da Palestrina）是这一时期最重要的宗教音乐作曲家。他的弥撒曲和经文歌，以其纯净、和谐、庄重而又富于人性的旋律，成为了天主教会音乐的典范，被誉为“教堂音乐的王子”。 器乐音乐的独立性进一步加强。维瓦尔第（Antonio Vivaldi）的早期作品，以及其他作曲家为弦乐器、管乐器创作的作品，开始展现出清晰的曲式结构和独立的表现力。一些早期的大提琴、长笛等乐器也逐渐成熟。 这一时期，音乐的传播与普及达到了新的高度。宫廷和贵族的资助，为音乐的创作和表演提供了丰厚的土壤。市民阶层对音乐的需求也在增长，音乐会开始在一些城市出现。 结语：乐章的传承与未来 从中世纪晚期对单音的探索，到文艺复兴时期复调音乐的精妙绝伦；从宗教的庄严肃穆，到人性的自由抒发；从口传耳授的脆弱，到印刷术带来的广阔传播——这段跨越几个世纪的音乐史，是一部关于人类对声音、情感与美的不断探索与追求的史诗。 这些古老的乐章，虽然诞生于遥远的时代，却并没有随着时光的流逝而褪色。它们如同涟漪，在历史的长河中不断回响，滋养着后世的音乐创作，影响着我们对音乐的理解与感受。它们是理解西方音乐发展脉络的基石，更是我们连接过去、感受人文精神的绝佳途径。 本书并非对中世纪与文艺复兴音乐的百科全书式罗列，而是希望能以一种更贴近人心的视角，带领您走进那个充满变革与创造的时代，聆听那些孕育了无数伟大作品的旋律，感受那段音乐史上不可磨灭的辉煌。这段旅程，或许能让您对身边的每一个音符，多一份理解，多一份热爱。

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这本书的装帧和设计简直是一场视觉盛宴。封面那种泛着旧羊皮纸质感的纹理，配上烫金的字体，立刻就将人拉回到了那个充满神秘与辉煌的时代。内页的纸张选择也非常考究，厚实而又不失细腻，即便是长时间翻阅，指尖触感也极其舒适。更值得称赞的是其排版布局，无论是乐谱的引用还是文字的段落划分，都展现出一种古典的对称美学。尤其是那些乐谱插图，不仅清晰可辨，而且配有精美的边框装饰，让人感觉手中捧着的不仅仅是一本学术著作，更像是一件精心制作的艺术品。装订工艺也十分扎实，即使是经常翻阅，书脊也丝毫没有松动的迹象，这对于经常需要参考资料的读者来说，无疑是巨大的加分项。整体来看，出版社在制作这本书时倾注了极大的心血，成功地将内容的严肃性与物品的收藏价值完美地融合在了一起，每一次拿起它，都仿佛进行了一次触觉和视觉的双重朝圣。

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这本书最让我感到惊喜的是它在阐述音乐“听感”方面的能力。很多音乐史著作往往停留在技术层面或历史背景的罗列，而这本书却高明地捕捉到了那个时代音乐所蕴含的“情感氛围”。作者用非常文学化的语言描述了不同时期音乐的听觉特征——比如中世纪早期的那种空旷、虔诚的单音音乐是如何营造出大教堂的宏伟感，以及文艺复兴时期复杂和声如何描绘出宫廷生活的繁复与精致。他不仅仅在描述“是什么”，更在努力重构“听起来是什么感觉”。这种尝试，对于那些只能通过文字想象古代音乐的现代读者而言，提供了极大的想象空间和代入感，使得枯燥的理论学习瞬间充满了色彩和生命力，让人仿佛真的能听到那些失传已久的声音在耳边回响。

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我必须强调这本书在引证和注释方面的严谨性。作为一本严肃的学术读物，其参考文献的广度和深度是令人印象深刻的。翻阅至任何一个关键论点，总能看到详实的小注指向原始文献或相关研究，这为任何希望深入探究某一特定领域的读者提供了宝贵的入口。特别是在处理那些存在争议的历史记载时，作者的处理方式非常审慎和公正，他会清晰地列出不同的观点，并阐述自己的倾向性判断，而不是武断地下结论。这种对学术诚信的坚守，极大地增强了这本书的可信度。我花费了不少时间去追溯其中几个关键的拉丁文引文，发现无论是翻译的准确性还是引用的出处，都经过了反复的核对，对于治学严谨的读者来说，这本书简直是一座宝库，可以直接作为后续研究的基石。

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这本书的叙事流畅度简直令人叹为观止，作者的笔触如同最优秀的叙述者，娓娓道来，没有丝毫的晦涩或生硬。我原以为涉及如此宏大历史背景和复杂音乐理论的著作，阅读起来会像啃骨头一样费劲，但事实恰恰相反。作者巧妙地运用了大量的历史小故事和生动的比喻，将那些原本抽象的音乐概念和历史变迁变得触手可及。比如，在描述复调音乐的早期发展时，他没有停留在枯燥的对位法解释上，而是将其比喻为一场精心编排的宫廷对话，每个人都有自己的声音，但又和谐地交织在一起。这种叙事上的灵活性，让即便是对早期音乐史了解不深的读者，也能轻松跟上节奏，并从中获得乐趣。通篇读下来，没有一句废话，信息密度极高，但阅读体验却异常轻松愉快，这才是真正的大师手笔。

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这本书的结构安排极具匠心，它没有采用那种机械的年代划分，而是以“主题”和“地域性影响”为核心进行组织，这种划分方式极大地提升了阅读的逻辑性和趣味性。例如，某一章节专门探讨了特定宗教仪式如何塑造了圣咏的风格，而下一章则立刻转向了世俗吟游诗人的角色转变，这种并置对比，使得读者能够清晰地看到音乐在不同社会功能下的演变轨迹。作者在章节之间的过渡处理得非常自然，仿佛在带领读者进行一次精心规划的知识漫游。更关键的是，他总能在看似不相关的两个音乐现象之间，建立起一条清晰的、令人信服的因果链条。这种非线性的、主题驱动的编排，真正体现了对研究对象深刻理解后的自信，而不是简单地堆砌史实资料，阅读时思路总是能保持高度的清晰和连贯。

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不需要很深的乐理基础就可以读懂 名家辈出的中世纪 马肖 若斯坎 杜费 蒙特威尔第 比巴赫莫扎特的“胎教音乐”更适合装逼：）

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