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出版者:Thomson Learning

作者:Brockett, Oscar Gross/ Ball, Robert

出品人:

页数:463

译者:

出版时间:

价格:117.95

装帧:Pap

isbn号码:9780495090373

丛书系列:

图书标签:

• 戏剧
• 文学理论
• 布罗凯特
• 2009
• 戏剧
• 戏剧史
• 戏剧理论
• 舞台艺术
• 表演艺术
• 文学
• 艺术
• 文化
• 经典
• 教材

《剧院精华》 这部作品深入探讨了戏剧艺术的本质，剖析了剧院作为一种独特的媒介，如何通过表演、文本、空间和观众的互动，创造出丰富多样的艺术体验。作者以敏锐的洞察力和渊博的学识，引导读者穿越时空的界限，领略不同时代、不同文化背景下的戏剧风貌。 本书并非一份枯燥的戏剧史年表，而是对“剧院是什么”、“剧院为何重要”、“剧院如何运作”等核心问题进行的哲学式追问。它从最基础的元素讲起，例如演员如何通过身体、声音和情感来塑造角色，文本在戏剧中的作用究竟有多大，以及舞台设计和灯光如何共同构建起表演的空间。作者并不回避戏剧创作中的挑战和争议，而是积极地呈现不同流派、不同导演和演员在实践中探索出的各种可能性。 内容涵盖了从古希腊悲剧的宏大叙事，到罗马喜剧的市井百态，再到中世纪宗教剧的道德教诲。随后，笔锋一转，深入探索了文艺复兴时期莎士比亚戏剧的深刻人性洞察，以及随后巴洛克时期戏剧的华丽与激情。作者并没有止步于此，而是继续追溯到近代戏剧的觉醒，探讨易卜生式的现实主义如何挑战传统，契诃夫的微妙心理描摹如何细腻入微，以及布莱希特的“疏离效应”如何引发观众的理性思考。 本书的特色在于，它不仅仅局限于西方戏剧的范畴，也巧妙地融入了东方戏剧的精髓。中国戏曲的程式化表演、日本能剧的象征主义意境，以及印度梵剧的宗教神话，都在本书的视野之中。作者通过对比和联系，揭示了不同文化背景下戏剧艺术的共通之处和独特魅力，让读者得以窥见戏剧作为全人类共同的精神财富的广阔图景。 在探讨表演方面，作者细致地分析了斯坦尼斯拉夫斯基体系如何影响现代演员的训练，以及解构主义和后现代戏剧对表演形式的颠覆。它也讨论了即兴表演的自由与可能性，以及如何理解和欣赏那些打破常规、挑战观众认知的表演方式。 文本部分，则深入解读了剧本作为戏剧根基的重要性。从经典的结构主义叙事，到后现代的非线性叙事，再到文本如何成为导演和演员二次创作的起点，本书都进行了详尽的阐释。它也探讨了诗歌、散文甚至电影语言如何影响和丰富戏剧文本的创作。 空间和舞台设计被视为构建戏剧世界观的关键。本书分析了从简陋的祭坛到现代化的舞台技术，空间如何影响观众的观看体验和情感投入。灯光、布景、服装、道具等视觉元素，是如何与表演和文本相互作用，共同营造出戏剧的氛围和主题。 本书最令人兴奋的部分，在于它强调了观众在戏剧体验中的主体性。观众并非被动接受信息的接收者，而是积极的参与者，他们的情感共鸣、理性判断、甚至对表演的诠释，都共同构成了最终的戏剧成品。作者探讨了沉浸式戏剧如何模糊表演者与观众的界限，以及剧场空间如何塑造观众的情绪和感知。 《剧院精华》是一本献给所有热爱戏剧、渴望理解戏剧、或者仅仅是对人类创造力感到好奇的读者的书。它鼓励读者带着开放的心态走进剧院，去感受、去思考、去发现戏剧艺术中那永恒的魅力和无限的可能性。本书旨在点燃读者的好奇心，让他们能够以更深刻、更广阔的视角去欣赏每一次的谢幕，去理解每一次的掌声，去品味每一次的戏剧体验所带来的独特滋养。它是一次穿越古今、跨越文化的戏剧之旅，一次对人类情感、思想和表达方式的深度探索。

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我必须指出，这本书在处理不同文化背景下的戏剧传统时，展现出了一种令人称赞的平衡和尊重。它没有将西方戏剧作为唯一的标杆进行审视，而是花了不少篇幅去探讨亚洲，特别是日本能剧和歌舞伎的表演美学，以及它们对西方现代主义戏剧产生的微妙影响。作者在比较“面具”在能剧中作为一种“空性”载体与在希腊悲剧中作为“角色身份固化”工具时的功能差异时，那种跨文化的洞察力令人拍案叫绝。这种广阔的视角，有效地避免了文化中心主义的陷阱。虽然某些关于非西方戏剧的段落篇幅相对有限，但其切入的角度之独特、分析之到位，足以激发读者去进行更深入的独立研究。总而言之，这是一部旨在拓宽读者边界、挑战既有认知的优秀学术作品，阅读过程充满了对世界戏剧多样性的赞叹与敬意。

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这部厚重的文集简直是一场戏剧史的盛宴，光是翻阅目录就能感受到作者在梳理脉络上的匠心独运。我尤其欣赏它对早期希腊悲剧文本的细致考证，特别是关于德尔斐神谕与俄狄浦斯王命运交织的那几个章节，作者没有流于表面的故事复述，而是深入挖掘了宗教仪式、城邦政治与个体宿命论之间的复杂张力。他们对于古希腊剧场的空间布局、演员的面具使用及其对观众情感投射的影响，描述得栩栩如生，仿佛能闻到那露天剧场中混杂着汗水与熏香的气味。更难得的是，作者在探讨亚里士多德《诗学》时，并没有将其神圣化，而是将其置于当时美学思潮的语境中进行批判性审视，对于“净化”（catharsis）一词的现代阐释，提供了诸多令人耳目一新的视角，让我对戏剧的本质有了更深层次的理解。这本书的引人入胜之处还在于其对文本与表演实践之间辩证关系的强调，它不是一本枯燥的理论手册，而是一部充满活力的、不断与时代对话的戏剧思想指南。

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读完这本关于戏剧的著作，我最大的感受是它的结构编排极其大胆而富有洞察力。作者似乎有意避开了传统戏剧史那种线性的时间叙事，而是采取了一种主题式的、碎片化的考察方式。比如，其中关于“舞台上的沉默的力量”那一章节，简直是教科书级别的精彩分析。它横跨了从田纳西·威廉斯笔下人物的踌躇到贝克特荒诞剧中无声的凝视，探讨了“不言之语”在构建角色内心世界和推动剧情张力方面的关键作用。这种非线性的梳理方法，迫使读者不断地在不同时代、不同文化背景的戏剧作品之间建立隐秘的联系，极大地拓宽了我的视野。我特别喜欢它在论述中穿插的那些来自不同导演的访谈片段，那些关于排练过程中的“灵光乍现”的记录，为冰冷的文本研究注入了热烈的生命力，让我感觉戏剧研究不再是象牙塔里的学问，而是与汗水和创造力紧密相连的实践艺术。

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坦率地说，这本书的学术深度是令人敬畏的，但真正让我愿意一页一页读下去的，是作者那充满激情的笔触和对戏剧艺术近乎宗教般的热忱。它在讨论莎士比亚的创作意图时，那种近乎“同情式理解”的阐述方式，让人感觉自己不是在阅读研究报告，而是在和一位深谙人性的智者进行深入的对话。例如，当作者分析《哈姆雷特》中那场著名的独白时，他没有纠结于晦涩的术语，而是细腻地剖析了“生存”与“行动”之间的哲学困境，那种语言的韵律感和对人物内心挣扎的精准捕捉，极大地提升了阅读体验。即便是对于那些耳熟能详的经典桥段，作者总能挖掘出新的层次和意味，这种不断发现的乐趣，是阅读任何平庸的戏剧概论都无法给予的。它真正做到了，让读者爱上戏剧，而不仅仅是了解戏剧。

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对于一个对当代先锋戏剧抱有浓厚兴趣的读者来说，这本书的后半部分简直是意外的惊喜。它对后二战时期，尤其是在欧洲和南美洲兴起的“身体剧场”和“环境剧场”的梳理，做到了既全面又精准。作者在分析彼得·布鲁克如何解构文本、回归剧场最原始的“目光接触”时，运用了大量详实的案例研究，配图的选取也极其到位，能让人清晰地感受到那种打破“第四堵墙”的冲击力。更让我印象深刻的是，作者没有将这些先锋探索仅仅视为对传统戏剧的颠覆，而是深入探讨了它们如何回应社会剧变、技术发展以及观众主体性的觉醒。这种将艺术史与社会思潮紧密结合的叙事策略，使得我对当代剧场艺术的意义有了更宏大、更具批判性的认识。它让我明白，戏剧的“本质”从来就不是固定的，而是在不断的实验和质疑中被重新定义的。

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a..快让我读完了吧....

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