Greek Sculpture

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出版者:Cambridge Univ Pr
作者:Palagia, Olga 编
出品人:
页数:342
译者:
出版时间:2006-1
价格:$ 118.65
装帧:HRD
isbn号码:9780521772679
丛书系列:
图书标签:
  • 雕塑
  • 希腊
  • 艺术
  • 历史
  • 古典艺术
  • 古希腊
  • 艺术史
  • 文化
  • 考古学
  • 西方艺术
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具体描述

Greek sculpture developed into a fine art in the archaic and classical periods. With the human figure as its main subject, artists worked to represent it in increasingly naturalistic terms. This book explores the material aspects of Greek sculpture at a pivotal phase in its evolution. Considering typologies and function, an international team of experts traces the development of technical characteristics of marble and bronze sculpture, the choice of particular marbles in different areas, and the types of monuments that were created on the Greek mainland, the islands and the west coast of Asia Minor. Taking a novel approach to a key topic in classical archaeology, this volume will serve as the groundwork for future research.

《希腊雕塑》:凝视永恒的形体之美 本书并非《希腊雕塑》的另一部同名作品,而是对西方艺术史上一个至关重要,但常常被浅显概括的领域——希腊雕塑——进行一次深入的、多角度的探索。我们并非在复述已有的雕塑名录,也不是在重申那些触手可及的经典图录。相反,我们将邀请读者跟随笔者的脚步,穿越历史的迷雾,去感受那些坚硬的岩石如何被赋予生命,那些冰冷的金属如何承载情感,以及那些被时间雕琢的形体,如何至今仍在与我们的灵魂对话。 我们将从希腊雕塑的起源说起,但并非仅仅罗列阿提卡(Attica)或爱琴海(Aegean)地区的早期遗迹。我们关注的是那些塑造了早期希腊雕塑精神风貌的古老信仰、神话传说以及社会结构。大理石、青铜,这些材料不仅仅是媒介,它们本身就蕴含着时代的印记和工艺的智慧。我们将探讨古希腊人是如何理解并试图捕捉“理想”的人体形态,这种“理想”并非现代意义上的完美无瑕,而是建立在对自然观察、对人体比例的数学探索,以及对内在精神力量的哲学追求之上的。 从“古风时期”(Archaic Period)那些带着“古风式微笑”的青年雕像(Kouros)和少女雕像(Kore),我们看到的不仅仅是僵硬的姿势和程式化的微笑。我们将深入分析它们在象征意义上的丰富内涵,它们可能承载的祭祀功能,以及它们如何体现当时社会对成年、青春和神圣的理解。这些雕像并非简单的写实,而是艺术家的抽象提炼,是对生命本质的一种象征性表达。 进入“古典时期”(Classical Period),希腊雕塑迎来了辉煌的顶峰。这里,我们并非仅仅列举米隆(Myron)的《掷铁饼者》(Discobolus)或菲迪亚斯(Phidias)帕特农神庙(Parthenon)的雕塑。我们将剖析“黄金比例”是如何被巧妙运用,以创造出既符合解剖学又充满动感与和谐的肢体。我们将探讨艺术家们如何在追求“自然主义”的同时,融入“理想化”的元素,塑造出既是神又是人的完美形象。更重要的是,我们将深入理解“理想之美”背后所蕴含的希腊人对理性、秩序、和谐以及人类潜能的极致追求。从帕特农神庙宏伟的檐壁雕刻,到波利克莱托斯(Polykleitos)提出的“律动”(Canon)理论,我们将试图理解这些作品在当时社会、政治、宗教以及哲学思想中的核心地位。 然而,我们不会止步于古典的荣光。《希腊雕塑》将带领读者继续前行,审视“希腊化时期”(Hellenistic Period)雕塑所展现出的巨大转变。这里,我们不只是提及《萨莫色雷斯的胜利女神》(Winged Victory of Samothrace)或《米洛的维纳斯》(Venus de Milo)的残缺之美。我们将重点关注艺术家们在情感表达上的大胆突破,对戏剧性、动态和个体精神世界的深刻刻画。从痛苦、喜悦到狂喜,从勇猛、悲壮到凄美,希腊化雕塑展现出更加复杂、更加人性化的情感光谱。我们将分析艺术家们如何在写实主义的基石上,进一步探索人物的心理深度和命运的无常,以及这种变化如何反映了当时社会动荡不安的政治格局和文化交流的日益频繁。 本书还将关注那些不那么显赫,但同样具有重要意义的希腊雕塑类型。我们将探讨陵墓雕塑,它们如何寄托哀思,纪念逝者,并反映当时普通人的生活和审美趣味。我们也会审视陶塑,它们以其精致的工艺和生动的题材,为我们描绘了古代希腊日常生活的一隅,以及神话故事的通俗演绎。 更深层次地,《希腊雕塑》将不仅仅是一部关于艺术史的梳理。我们将试图挖掘这些雕塑所承载的文化基因。它们如何影响了后来的罗马雕塑,如何被文艺复兴时期的大师们重新发掘和模仿,以及它们所代表的“古典精神”如何持续地塑造着西方艺术的审美传统。我们将思考,当我们在凝视这些古老的石像时,我们究竟在与谁对话?是那些技艺精湛的工匠,还是那些思想深邃的哲学家?是那些信仰虔诚的信徒,还是那些渴望超越凡俗的凡人? 本书的写作意图,是提供一种观察希腊雕塑的新视角。我们不以“最佳”或“最重要”的标签来衡量每一件作品,而是试图理解每一件作品在它所处的时代、环境和文化语境中所扮演的角色,以及它所传递出的独特精神。我们相信,透过这些历经沧桑的形体,我们能触摸到人类共通的情感,理解人类对美、对真理、对永恒的永恒追求。这本书,旨在为读者提供一把钥匙,去开启那些隐藏在石块和青铜之下的、属于人类文明深处的宝藏,去感受那份穿越千年的,关于生命、力量与灵魂的赞歌。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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我必须说,这本书在叙事手法上运用了一种非常大胆且令人耳目一新的风格。它完全摒弃了传统的线性时间轴叙事,而是选择了一种“主题式”的切入点,围绕着“权力”、“信仰”和“变革”这三个核心概念来组织材料。一开始我有点担心这种跳跃性会导致逻辑混乱,但读下去才发现,作者的功力深厚,每一次主题的切换都像是一个精妙的转场,将看似不相关的历史事件巧妙地串联起来。例如,在讨论“权力”时,作者将中世纪的封建领主制与近代殖民帝国的权力结构并置对比,分析其底层逻辑的共通性,这种跨越时空的对话感非常强烈。此外,书中对细节的捕捉能力令人称奇,它不会只关注那些帝王将相的大事,而是常常会穿插一些平民百姓的日常生活片段——比如某个村庄的税收记录、一份古代的食谱或是民间流传的谚语,这些“微历史”的碎片,极大地丰富了历史的肌理感,让整个阅读体验充满了探索的乐趣。

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作为一本专门探讨古代神话体系的书籍,它最成功的地方在于其对“原型”的挖掘和现代心理学的结合。许多关于神话的书籍仅仅停留在故事的罗列和地域性的归类上,但这本书的核心目标似乎是探寻这些故事背后的普遍人性。作者非常擅长捕捉那些反复出现的母题——英雄的诞生、导师的指引、阴影的对峙——并追溯它们在不同文化中的变体。它不仅仅讲述了奥德修斯如何返乡,更深入剖析了“回归”这个原型在人类集体无意识中扮演的角色。书中对于“祭献”仪式的分析尤其深刻,作者认为这些仪式是古代社会集体焦虑的具象化表达,通过对这些仪式的详细考证,我们能窥见早期人类对秩序维护的迫切需求。这种将人类学、心理学和文本分析融为一炉的写作手法,使得这本书读起来远比一般的神话辞典要富有启发性。它迫使读者反思,我们今天的情感驱动力和行为模式,在多大程度上仍然被这些远古的叙事蓝图所塑造。

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这本书对于想要深入了解古典哲学核心思想的初学者来说,简直是一盏指路明灯。我尝试过阅读柏拉图的原著,但那些对话体的叙事方式对我这个非专业人士来说,晦涩难懂,常常读完一章也抓不住重点。然而,这本书的作者似乎深谙“化繁为简”的艺术,他们没有直接堆砌复杂的术语,而是通过一系列精心设计的“思想实验”和现代生活中的类比,将那些抽象的概念变得异常生动和贴近生活。比如,他们讲解“理型论”时,没有使用冗长的定义,而是用一个完美的圆形和我们生活中看到的各种不完美的圆形进行对比,一下子就点亮了“绝对完美”与“现实不完美”之间的鸿沟。更出色的是,这本书对苏格拉底、柏拉图和亚里士多德三位思想巨匠的观点交叉对比做得极其到位,让你能清晰地看到他们思想的传承与分歧,而不是将他们割裂地看待。对于我这种想系统梳理西方思想脉络的人来说,这本导论性的著作无疑是最佳的入门选择,它建立了我对哲学思考的基础框架。

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这本书简直是建筑爱好者的一场视觉盛宴!我本来以为这会是一本相对枯燥的历史书籍,但一翻开,就被那些精美的、全彩的建筑摄影作品深深吸引住了。作者对罗马斗兽场的结构分析简直是教科书级别的细致,从地基的材料构成到顶棚的拉索系统,每一个细节都被清晰地描绘出来,配上那些光影绝佳的照片,让你仿佛能亲身站在现场感受那种宏伟。尤其是关于万神殿穹顶的介绍,他们不仅讲解了罗马人是如何解决巨大跨度难题的工程学智慧,还探讨了这种设计对后世文艺复兴建筑产生的深远影响,简直是打开了我对古代工程学的全新认知。我以前对那些宏大的石头建筑总有一种距离感,但这本书通过大量的插图和清晰的图解,成功地将那些遥远的古代奇迹拉到了我眼前,让人不得不惊叹于古人的创造力。而且,书中对不同历史时期建筑风格的演变也有独到的见解,比如从早期的多立克柱式到后期的科林斯柱式,每一处细微的改变都蕴含着当时社会思潮的变迁,读起来非常过瘾,完全停不下来。

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这本书对于音乐理论的阐述,可以说达到了“剥茧抽丝”的境界,尤其是对二十世纪无调性音乐的分析部分,简直是为我这种“耳朵跟不上大脑”的听众量身定制的。很多音乐分析书籍在讲解十二音体系时,往往直接抛出矩阵和音列规则,让人望而却步,但这本书却从最基础的音高关系开始,一步步引导读者去理解为何要打破传统的调性中心。作者使用了大量的图表和可视化的方式来展示音高的组织结构,比如用色彩饱和度来象征音高的密度和冲突程度,这种跨媒介的解释方式极大地降低了理解的门槛。最让我印象深刻的是,作者在分析勋伯格的某些作品时,不仅仅是停留在技术层面,还深入探讨了当时社会对“美”的传统认知崩塌时,作曲家所承受的心理压力与创作动机,成功地将冰冷的技术分析与炽热的人类情感联系起来。读完后,我再回头听那些被我过去定义为“噪音”的片段时,竟然能听出其中严谨的结构和深层的逻辑,实在是一次令人振奋的听觉升级。

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