具体描述
This volume examines the nature of American abstract expressionist artist Jackson Pollock's (1912-1956) paintings. The author discusses Pollock's rivalry with Picasso, the impact of Jung, the meanings embedded within Pollock's works, the context in which they were seen and the mythology which surrounds Pollock's persona. Pollock abandoned the tradition of easel painting and executed his paintings on the floor, some on a monumental scale. He developed a way of working in which he poured, dripped or splashed the paint onto the canvas, allowing the pull of gravity to play a full part in the execution of the work. Walking around the painting, at times standing on it, Pollock became immersed in the act of painting. The source of his art, he claimed, was the unconscious. Pollock's radical approach to abstract painting was underscored, however, by a residual interest in the figure which, until recently, has consistently been ignored in interpreting the celebrated dripped paintings.
作者简介
Educated at Magdalen College, Oxford where he read Modern History and French, he pursued post-graduate studies in History of Art before taking his first post as curator of Kettle’s Yard, University of Cambridge. During the six years that he ran the gallery he developed the exhibition programme to become one of the leading venues for modern and contemporary art outside London. During this period the gallery doubled in size. With exhibitions of the work of Käthe Kollwitz, Ben Nicholson, Henri Gaudier-Brzeska, Frank Dobson, John Piper’s stained glass, Shirazeh Houshiary and Alison Wilding and thematic shows about Circle and recent Spanish art (the first exhibition of Spanish art to take place in the UK for more than 20 years) among others, Kettle’s Yard became well known nationally.
目录信息
读后感
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用户评价
这本书的装帧和排版也值得一提，它本身就体现了一种克制的现代主义美学。但撇开形式不谈，其内容对于理解“媒介本体论”的演变提供了极佳的文本支撑。作者巧妙地将技术史的变迁与艺术表达的内在需求相结合，探讨了当工具的限制被打破后，创作者的精神困境。尤其是在论及图像的复制与消散这一主题时，作者的论述极其富有画面感，仿佛你能听到老旧胶片摩擦的声音，或者闻到化学显影剂的气味。这种感官的调动能力，使得原本抽象的理论探讨变得触手可及。它成功地避开了当代学术写作中常见的冗余和自恋，用一种精炼、甚至略带冷峻的笔触，直击核心问题。对于那些对艺术与技术哲学交叉领域感兴趣的读者来说，这本书绝对是不可多得的宝藏。
评分这本书真是让人眼前一亮，简直是我今年读到的最引人入胜的艺术理论著作之一。作者在剖析当代绘画的语境时，展现出一种近乎手术刀般的精准，将那些原本晦涩难懂的流派脉络梳理得井井有条。我尤其欣赏他对“偶然性”在创作中作用的探讨，那不仅仅是一种技巧的展示，更深层次地触及了艺术家与材料、与自我潜意识之间的复杂对话。他没有陷入那种空泛的赞美或故作高深的批判，而是用大量扎实的案例和独到的文献解读，构建了一个坚实的理论框架。读完之后，再去观看那些被视为“抽象”的作品，我感觉自己像是获得了一副全新的透视镜，能够洞察到线条与色彩背后蕴含的结构性张力。书中对于早期现代主义与后结构主义思潮的交织分析，尤其精妙，那种跨学科的视野，极大地拓宽了我的认知边界。可以说，它不仅仅是在讨论艺术史，更是在探讨我们如何感知和构建意义本身。这种深度和广度，让我忍不住反复咀嚼书中的某些段落，每次重读都有新的体会。
评分我读这本书时，感觉自己像是一个蹩脚的登山者，攀爬上了一个高耸入云的知识平台。平台顶端的风很凛冽，视野却无比开阔。作者似乎对艺术史中的那些“主流”叙事持有一种审慎的怀疑态度，他更热衷于挖掘那些被主流遮蔽的、边缘化的声音和实践。书中对某些非西方艺术体系如何反向映照西方现代性危机的分析，尤其大胆和富有启发性。这不是一本提供标准答案的书，恰恰相反，它制造了更多、更高级的问题。我欣赏作者敢于在没有既定安全网的情况下，去触碰那些敏感且充满争议的领域。读完后，我甚至开始重新审视我过去对“原创性”的定义，它迫使我撕掉旧有的标签，用更具批判性和历史纵深感的目光去看待眼前的每一种视觉表达。这本书的价值，不在于它告诉了你什么，而在于它让你如何不再相信你曾经深信不疑的一切。
评分坦白说，这本书的阅读体验是充满挑战性的，但绝非枯燥乏味。它的文字密度非常高，每一句话都像是经过反复锤炼的哲学命题，要求读者必须全神贯注。我必须承认，在某些关于现象学美学的部分，我不得不放慢速度，甚至需要查阅一些辅助材料来确保理解的准确性。然而，正是这种需要“努力”才能抵达的深度，使得最终的顿悟时刻显得格外珍贵。作者似乎毫不留情地揭示了艺术批评领域中常见的自我重复和僵化，他敢于质疑那些被奉为圭臬的理论基石，提出了一种更具动态性和情境化的解读路径。书中的章节安排也颇具匠心，从宏观的理论溯源到微观的文本细读，层层递进，逻辑链条紧密得令人叹服。对于任何一个真正想深入艺术语言肌理的严肃研究者而言，这本书无疑是一剂强效的“清醒剂”，它让你不得不重新审视自己已有的认知地图。
评分我发现这本书最吸引人的地方，在于它那种近乎叛逆的叙事姿态。它没有采用那种循规蹈矩的历史时间线叙事，而是选择了一种非线性的、更贴近思想生成过程的结构。作者似乎在用一种非常个人化、近乎“发现者”的口吻与读者对话，分享他那些在档案室和工作室废墟中捕捉到的灵光一闪。其中关于“未完成性”作为一种主动策略的讨论，对我冲击很大。过去我总觉得那是艺术家能力或时间受限的产物，但作者成功地论证了它如何成为一种抵抗完形和封闭意义的强大武器。这种对传统美学规范的解构，不是为了推翻而推翻，而是为了在废墟之上构建更具生命力的观察点。阅读过程中，我常常会停下来，合上书本，望向窗外，思考那些日常被我们忽略的视觉信息，这种即时的、内在的转变，才是好书的真正价值所在。
评分165元 wopaila.com
评分在艺术的道路上越走越远。补完留念。
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