Directing for the Stage

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出版者:Meriwether Pub
作者:Converse, Terry John
出品人:
页数:328
译者:
出版时间:
价格:$ 29.32
装帧:Pap
isbn号码:9781566080149
丛书系列:
图书标签:
  • 戏剧导演
  • 舞台导演
  • 戏剧艺术
  • 表演艺术
  • 戏剧教学
  • 导演技巧
  • 舞台剧
  • 戏剧创作
  • 戏剧理论
  • 表演指导
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具体描述

The forty-two exercises detailed in this comprehensive guide provide both the instructor and the student a "user-friendly" workshop structure. It may be used for both beginning and advanced courses of Directing for Theatre. The basic concepts of directing are learned progressively. The approach is totally experiential--the student discovers the demands and problems of directing by actually doing it step-by-step. The student's own directing style emerges with each exercise. Creativity and confidence building are the central benefits of this excellent workshop text. It is the only text that combines theory with active student participation. Seven chapters: Creating the Directing Workshop, The Silent Seven, Justifying Movement, Ground Plan Exercises, Open Scene Exercises, Closed Scene Exercises, Supporting Parts.

穿越幕布的艺术:探索戏剧导演的灵韵 本书并非一本关于“舞台导演”的理论手册,更非一本列举无数排练技巧的教条集。它是一扇窗,带领读者潜入戏剧创作的深层脉络,感受导演在无形之中如何挥洒灵感,将文字的种子培育成触动人心的舞台景象。我们不拘泥于某个特定流派或时代,而是从导演这一角色的本质出发,探讨其在戏剧生命周期中的多重身份和独特使命。 一、 潜藏的火花:导演与剧本的对话 在璀璨的舞台灯光亮起之前,是导演与剧本之间一场无声却深刻的对话。这本书将聚焦于导演如何理解、解读并重塑文本。我们不会去分析剧本结构或是分析戏剧理论,而是着重于导演如何从文字的表象之下,挖掘出潜藏的情感、动机、主题以及作者未曾言明的潜台词。这是一种“二次创作”,是导演以自己的生命体验、艺术感知去重新审视并注入新的生命力。 想象一下,一个剧本就像一块未经雕琢的璞玉,而导演则需要用他的眼光和双手,发掘出其中最璀璨的光芒。这种发掘并非简单的“找亮点”,而是对整块玉石进行通盘的考量,理解其纹理、质地,进而规划出最能展现其美感的切割和打磨方式。我们将探讨导演如何通过对人物关系的审视,对叙事节奏的把控,以及对文本意象的捕捉,来构建出一个具有独特魅力的戏剧世界。这种构建,是对文本的忠实,也是对其的超越。 二、 塑造灵魂的巧匠:导演与演员的共舞 当剧本的骨架被填充了血肉,便轮到了演员来赋予其灵魂。导演与演员的关系,是舞台创作中最具活力的化学反应。本书将深入剖析导演如何与演员建立信任、激发潜能,并引导他们共同塑造出鲜活、立体的角色。我们不会提供“如何提高演技”的速成秘籍,而是侧重于导演在这场“共舞”中所扮演的角色。 导演并非高高在上的指挥官,更像是经验丰富的舞伴。他需要洞察演员的内心世界,理解他们的表演习惯,并在此基础上,通过恰到好处的引导,帮助演员超越自我,进入角色。这种引导可以是细微的眼神交流,可以是富有启发性的提问,也可以是充满想象力的情境设定。我们将探讨导演如何通过“提示”,而非“命令”,来激发演员内在的创造力。这种过程,是相互学习、共同探索的过程,最终的目标是将角色的内心世界淋漓尽致地呈现在观众面前。 三、 构建幻象的筑梦师:导演与舞台空间的交融 舞台,是戏剧的容器,也是导演构建想象世界的画布。本书将审视导演如何运用空间、光影、色彩、道具、服装等元素,将抽象的戏剧概念转化为具象的舞台呈现。我们不会罗列具体的舞美设计原则,而是关注导演如何思考和运用这些元素,来服务于剧本的主题和情感表达。 导演就像一位经验丰富的建筑师,但他的建筑是用光影和声音构成的。他需要考虑观众的视角,思考如何通过舞台的布局来引导观众的情绪,如何通过灯光的明暗来暗示人物的心境,如何通过道具的选择来烘托时代背景或人物性格。这是一种整体性的思维,是将所有视觉和听觉的元素进行有机整合,共同营造出一种独特的戏剧氛围。每一个细节,从舞台边缘的一块布景,到演员身上的一件配饰,都可能承载着导演的意图,共同诉说着一个故事。 四、 掌控时空的魔术师:导演与戏剧节奏的律动 戏剧的生命力在于其流动性,在于时间与空间的巧妙运用。导演在掌控戏剧节奏方面扮演着至关重要的角色,他如同一个精通时空魔法的魔术师。本书将探讨导演如何通过对速度、停顿、起伏、转折等元素的精妙设计,来牵引观众的情绪,让他们在起伏跌宕的故事中体验到丰富的情感。 节奏不是简单的快慢之分,而是一种有机的律动。它体现在演员的对话速度,体现在场景的转换频率,体现在高潮的爆发力度,也体现在沉寂的酝酿过程。导演需要对整个戏剧的“呼吸”有着敏锐的感知,知道何时加速,何时放缓,何时制造紧张,何时舒缓情绪。这种对节奏的把握,需要导演具备极强的整体观和对观众心理的深刻理解,从而引导观众一同经历戏剧的情感旅程。 五、 传递共鸣的灵魂摆渡者:导演与观众的连接 戏剧最终的目的是与观众产生共鸣,而导演正是连接剧场与观众之间的关键桥梁。本书将从导演如何审视观众、如何设计观演体验,以及如何引发观众的思考和情感共振的角度进行探讨。我们不会教授如何“讨好”观众,而是着重于导演如何以真诚的艺术追求,触动观众内心最柔软的部分。 导演需要理解,舞台上的表演不仅仅是给某个虚幻的空间看的,更是为了一群真实的人。他需要在创作过程中,不断地将自己代入观众的视角,去设想他们会如何感知、如何理解、如何反应。这种“观众意识”,指导着导演在文本选择、角色塑造、舞台呈现等各个环节做出更具感染力的决定。最终,当幕布落下,观众带着满心的触动和回味离开剧场时,便是导演在这场艺术实践中,完成了他最神圣的使命——传递情感,分享思考,点燃共鸣。 这本书,是献给那些对戏剧创作怀有好奇心、对舞台艺术充满敬意的人们。它并非要你成为某种特定风格的导演,而是希望你能在这趟探索之旅中,找到属于自己的创作路径,理解导演艺术的博大精深,以及其在构建戏剧世界中所扮演的不可替代的角色。

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目录信息

读后感

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用户评价

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我个人在使用这本书的过程中,发现它最实用的部分在于它对“排练过程管理”的细致梳理。很多导演教科书往往只聚焦于最终呈现,但真正头疼的往往是漫长而低效的排练期。这本书非常务实地提出了一套系统性的排练流程优化方案。它将排练细分为“身体建构期”、“文本解构期”、“关系实验期”和“技术整合期”等多个明确阶段,并为每个阶段设定了清晰的目标和评估标准。书中附带的许多工作表和时间轴模板简直是救星,它们不是那种空泛的建议,而是可以直接打印出来,填入具体计划的实用工具。例如,它提倡在“关系实验期”刻意引入干扰性元素——比如突然改变灯光或要求演员用非惯用手做动作——以此来测试角色关系在压力下的真实反应,这比起传统的角色扮演练习要高效得多。这种将抽象的艺术指导转化为可执行、可量化的管理策略的做法,极大地提高了排练的效率和专注度。

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这本书的装帧设计实在是太用心了,封面那种略带复古的深蓝色调,配上烫金的字体,拿在手里沉甸甸的,就感觉它不是一本普通的工具书,而更像是一件值得收藏的艺术品。内页的纸张选择了那种略微偏黄的哑光纸,阅读起来非常舒适,长时间盯着看眼睛也不会觉得累。装帧的工艺也透露出一种对细节的极致追求,书脊的粘合非常牢固,完全不用担心翻开看的时候会散架。更让我惊喜的是,书的侧边切口处理得非常平整光滑,这在很多同类书籍中是很少见的。我特意观察了一下排版,字体的选择既古典又现代,恰到好处地平衡了专业性和易读性。而且,很多关键概念和术语的标注都采用了醒目的副标题或特殊的字体样式,即使是初次接触这个领域的读者,也能快速抓住重点。这种对物理形态的重视,无疑提升了阅读的仪式感,让人在翻开它之前,就已经对即将探索的内容充满了敬意和期待。它给我的第一印象就是:这是一本真正尊重读者、并且愿意在制作成本上投入的作品。

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说实话,我最初被这本书吸引,是因为它在探讨舞台呈现中的“场域”理论时,引入了非常多跨学科的视角。它并没有局限于传统的导演技巧手册的范畴,而是大量借鉴了现象学、空间心理学甚至是后结构主义的哲学思想。举个例子,它分析一个场景的调度时,不仅仅关注演员的位置关系,更深入地挖掘了光影、声音残响和观众视线在无形中构建起的心理压力场。书中对“留白”的论述尤其精彩,作者将其视为一种主动的叙事策略,而不是简单的“什么都不做”。他们详细剖析了剧场内不同区域对情感接收度的微妙影响,甚至绘制了详细的“非语言信息流动图”。这种理论的深度和广度,让这本书超越了操作指南的层面,更像是一部关于“如何感知和重塑空间体验”的深度学术探讨。对于那些已经有一定实践经验,渴望突破瓶颈、提升作品哲学厚度的从业者来说,这本书提供了一个全新的思维框架,非常有启发性。

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这本书在视觉呈现上的辅助材料也做得极为出色,这完全颠覆了我对传统理论书籍的刻板印象。它没有采用那种为了充实版面而堆砌的剧照,而是精心挑选和绘制了大量的概念图示和结构分析图。比如,在解释如何通过舞台上的“视线交叉点”来控制观众的注意力时,作者提供了一系列从俯视角度绘制的舞台平面图,用不同颜色的线条清晰地标示出主要演员的目光轨迹、次要角色的潜在线条,以及观众可能被“截断”的视觉死角。这些图表不是简单的示意,而是具备极高的信息密度和精确性,很多地方甚至需要反复琢磨才能完全理解其中蕴含的空间逻辑。这种对视觉辅助工具的重视,让许多复杂的空间调度理论变得直观易懂,它真正做到了让读者“看见”导演的思维过程,而不是仅仅被文字所描述。

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从叙事风格来看,这本书的作者似乎有一种独特的幽默感,这使得原本可能枯燥的理论学习过程变得非常愉快。他们的写作是典型的英式冷静与犀利并存,经常在严肃的学术论述中间插播一些令人会心一笑的剧场轶事或者失败案例的“惨痛教训”。比如,在讨论如何处理演员之间的化学反应时,作者没有使用那些陈词滥调的鼓舞口号,而是引用了一段关于两位著名演员在后台因为一个道具的摆放问题争执了整整一天的真实故事,然后用一种近乎冷酷的口吻总结:“化学反应的产生,往往比想象中更依赖于排练室地面的清洁程度。” 这种毫不留情的真实感,让人感到作者是真正经历过战场的,而不是纸上谈兵。这种夹杂着智慧和自嘲的语调,让阅读体验非常人性化,仿佛不是在听一位权威宣讲,而是在一位经验丰富的前辈那里听取忠告,轻松却又充满了力量。

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