Film and Authorship

Film and Authorship pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:Rutgers University Press
作者:Wexman, Virginia Wright 编
出品人:
页数:288
译者:
出版时间:2002-11
价格:$ 28.19
装帧:Pap
isbn号码:9780813531939
丛书系列:
图书标签:
  • 电影理论
  • 文化研究
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具体描述

《Film and Authorship》是一本探索电影创作中“作者”概念的深度论著。本书并非梳理电影史上的某一系列作品,也非聚焦于某位具体导演的传记,而是旨在深入剖析“作者性”在电影这一集体艺术形式中是如何产生、演变以及被理解的。 本书的研究起点,是认识到电影制作本质上是一个多方协作的过程。从编剧、导演、摄影师、剪辑师到演员,乃至制片人和技术团队,每一个环节的参与者都对最终的电影成品贡献着自己的力量。然而,在电影批评和理论的语境中,“作者”一词始终占据着核心地位。那么,在如此复杂的协作链条中,究竟是谁,或者说是什么,构成了电影的“作者”?这种“作者性”又是如何被识别、论证和质疑的? 《Film and Authorship》从多个理论维度切入,首先回顾了早期电影批评中将导演视为唯一作者的“作者论”(Auteur theory)的兴起及其影响。本书将深入解析这种理论的优势与局限,探讨它如何在特定历史时期为理解电影提供了一种强有力的框架,同时也分析了它在过度简化电影创作过程方面的潜在弊端。 随后,本书将视角拓展至更广泛的作者性实践。它会探讨剧本作者在电影叙事构建中的核心作用,分析剧本如何在成为影像之前就已经奠定了影片的“意图”和“风格”。同时,本书也关注摄影指导如何在视觉语言上赋予影片独特的“签名”,以及剪辑师如何通过节奏和结构塑造观众的观影体验,这些技术层面的贡献如何能被视为作者性表达的一部分。 更进一步,《Film and Authorship》将审视当代电影制作中,制片人、工作室系统以及甚至技术进步(如CGI)对传统作者概念的挑战与重塑。本书会探讨在商业大片生产模式下,作者性如何能在既有的框架内得以彰显,或者又如何被稀释和集体化。此外,作者也会讨论数字时代下,观众参与和二次创作(如粉丝理论、二次剪辑)如何模糊了作者与受众的界限,对电影作者的定义提出了新的思考。 本书的论述将贯穿对不同电影类型和历史时期作品的理论性分析,但并非以案例研究的方式呈现具体的电影作品内容。作者的目标不是让读者了解某部电影的拍摄细节,而是通过分析不同电影现象来阐释作者性概念的复杂性。例如,在讨论导演的作者性时,本书可能会以那些作品风格高度统一、个人印记鲜明的导演为例,但其重点在于分析这些作品如何体现了某种“作者”特质,而非对这些电影的情节或人物进行复述。 《Film and Authorship》的核心在于提供一种批判性的视角,引导读者思考:在电影这一集体创作的艺术中,“作者”究竟是一个固定的身份,一种隐喻的表达,还是一种不断被建构和解构的过程?本书鼓励读者超越对电影“内容”的直接消费,转而审视内容背后那层层叠叠的创作意图、技术选择和文化语境,从而更深刻地理解电影艺术的生成逻辑。 本书的价值在于,它将帮助电影研究者、评论家、创作者以及任何对电影艺术抱有浓厚兴趣的读者,摆脱对“作者”概念的刻板印象,理解作者性在电影创作中的多重维度和动态演变。它并非一本提供观影指南的书,而是一本引导思考电影创作本质的理论工具书。

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目录信息

读后感

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用户评价

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这本书的语言风格,初读之下,会让人感觉有些许的疏离感,它采用了一种近乎冷峻的学术笔调来剖析那些本应充满感性色彩的电影创作过程。我特别欣赏作者在处理“权力与控制”这个核心议题时的那种不动声色的力量。他们没有使用煽情的语言去控诉,而是通过对制片厂历史档案的细致梳理,揭示了资本是如何系统性地“稀释”导演的个人意图。其中关于某位七十年代新浪潮导演在好莱坞被“驯化”的案例分析,简直是教科书级别的案例研究。作者层层剥茧,展示了合同条款、发行策略甚至化妆师的选择,是如何共同作用,最终导向一个“安全”的、可被市场接受的“作者版本”。这让我意识到,我们过去歌颂的那些“作者宣言”,很可能只是一种被精心包装的商业副产品。行文结构上,这本书采取了一种非线性的、模块化的布局,每一章都可以独立阅读,但当你将它们串联起来时,又会发现背后有一条清晰的逻辑主线在牵引。它不提供简单的结论,更倾向于抛出高质量的问题,让读者自己去面对电影工业的复杂性和矛盾性。这种“反高潮”的叙事策略,反而更具穿透力,让人读完后久久不能平息。

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如果要用一个词来概括这本书给我的印象,那大概是“颠覆”。我习惯了将作者视为某种独裁式的天才,是掌控一切的绝对权威。这本书却像一把锋利的手术刀,精确地切开了这个神话。其中关于“协作性的作者身份”的论述尤为精彩,作者花了大量篇幅论证,在现代电影制作的复杂链条中,任何单一的“作者”概念都是一种简化和失真。他们详细分析了后期配乐师、灯光设计师甚至是制片人如何通过其独特的审美选择和决策,成为事实上的“共同作者”。尤其是在对某个国际合拍片的解析中,作者展示了跨文化团队间的微妙的权力博弈如何塑造了最终的影像风格,这完全打破了我之前对国际合拍片只是“文化融合”的肤浅认知。阅读体验上,这本书的排版和图示运用非常出色,许多复杂的理论模型都通过清晰的图表得以直观呈现,这对于理解抽象概念非常有帮助。总而言之,它不满足于描述现象,而是力图解释现象背后的运作机制,是一部真正具有思想冲击力的作品,读完后感觉自己的分析工具箱得到了极大的升级。

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这本书最让我感到惊喜的,是它突破了传统电影理论中对“男性中心主义”作者观的依赖。作者引入了大量的女性导演、少数族裔创作者以及非西方语境下的影像生产者作为核心案例,揭示了他们在争取“作者”地位时所经历的更为艰巨的斗争。书中对两位八十年代的拉丁美洲女性电影制作人的深入研究,让我对“抵抗性的作者身份”有了全新的理解。她们的“作者性”并非体现在宏大的哲学命题上,而是根植于对日常微观叙事、家庭记忆和政治压迫的细致捕捉与重构之中。这种“小切口,深挖掘”的分析方法,极大地丰富了我对“作者”这一概念的包容性。行文的节奏把握得非常巧妙,它不像某些学术著作那样一板一眼,而是穿插着不少作者本人的田野调查笔记和与受访者的访谈片段,使得理论的重量感被柔软的、带有体温的人类经验所平衡。阅读这些片段时,我仿佛置身于尘土飞扬的片场,感受到了创作的艰辛和坚持。这本书无疑为当代电影研究提供了急需的多元视角。

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我必须坦诚,这本书的阅读体验是充满挑战性的,它更像是为那些已经具备一定电影理论基础的读者准备的一份高级自助餐,信息密度极高,消化起来需要耐心和时间。我尤其关注其中关于“跨媒介作者身份”的探讨。作者大胆地将电影作者的概念延伸至游戏设计、虚拟现实体验甚至AI生成内容的前沿领域,讨论当媒介的边界日益模糊时,我们如何定位创作者的主体性。书中关于某个日本导演在进入数字后期阶段后,其“作者性”如何从影像调度转移到算法选择的分析,极富启发性。这种前瞻性的视野,使得这本书在理论讨论上远远超越了对经典电影的简单回顾。然而,也正因为其广博和深入,使得某些章节的论述显得略为晦涩,夹杂了大量晦涩的后结构主义术语,对于纯粹的电影爱好者来说,可能会感到有些门槛。但如果你愿意投入精力去解码这些术语,你会发现其内核是对当代创意生产模式的深刻洞察。它并非仅仅在谈论电影,它实际上是在探讨信息时代下,任何一种艺术形式中,个体创造力与工业化流程之间永恒的张力。

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这本书,坦白说,对我来说像是一次意外的寻宝之旅。我原本对“电影与作者身份”这个主题抱着一种教科书式的期待,无非是分析一些大家耳熟能详的大师,比如希区柯克或者戈达尔,再套用一番理论。然而,我发现作者的视角异常新颖,他们似乎避开了那些已经被嚼烂的话题,转而深入到那些常被忽视的领域。比如,书中有一章详细探讨了数字时代的“幽灵作者”——那些为大型制片厂工作却鲜少被提及的剧本医生和后期剪辑师。他们是如何在流水线作业中嵌入个人风格,又如何在权力结构下被集体记忆所抹去?作者没有给出简单的答案,而是提供了一系列极具说服力的案例和扎实的档案研究,迫使我重新审视“作者”这个词的定义边界。他们的行文风格时而像一位严谨的学者,引用大量晦涩难懂的文献,分析起来滴水不漏;时而又像一位经验丰富的策展人,将原本散落在各处的电影片段和幕后轶事巧妙地串联起来,构建出一个宏大而又细腻的叙事迷宫。阅读过程中,我多次停下来,拿起手机去查阅那些被提及的、我从未听闻的小众导演的作品,那种知识被拓宽的愉悦感,实在难以言喻。这本书不是一本用来快速翻阅的读物,它更像是一份邀请函,邀请你去更深层次地参与到电影史的解构与重构之中,挑战你既有的认知框架。

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