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出版者:Routledge

作者:Angela McRobbie

出品人:

页数:224

译者:

出版时间:1998-06-26

价格:USD 37.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780415057813

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探寻英伦风尚的千年脉络：《不列颠服饰变迁史》 一卷跨越历史长河的视觉盛宴与文化剖析，揭示英伦时尚如何从实用主义走向全球审美高地。 第一章：蛮荒之地的简朴与坚韧——早期不列颠服饰（公元前500年 – 1066年） 本章聚焦于罗马征服前及罗马化时期，乃至盎格鲁-撒克逊王国的服饰风貌。我们深入探讨凯尔特人的羊毛与亚麻织物，如何适应阴沉多雨的气候，以及其标志性的“塔坦”式（Plaid/Tartan）图案的雏形。 重点内容剖析： 材料的本土化与工艺的原始性： 详述早期不列颠岛上矿物染料（如靛青和茜草）的提取过程，以及手工纺织技术（如锭轮的早期应用）在保障保暖性方面的关键作用。 罗马影响下的文化交融： 描述罗马军团带来的长袍（Toga）和紧身裤（Braccae）如何与本地的披肩（Brocade）和束腰（Girdle）相结合，形成一种过渡期的混合风格。 盎格鲁-撒克逊的社会阶层体现： 通过出土文物和贝奥武夫史诗的文字记载，分析领主与平民在服装长度、饰品（如胸针和腰带扣）材质上的显著差异。特别关注女性服饰中对长袖和头巾（Wimple）的偏爱，这不仅是保暖需求，更是对贞洁和身份的公开声明。 第二章：诺曼征服与哥特式的优雅——中世纪的华丽转型（1066年 – 1485年） 诺曼人的到来彻底颠覆了盎格鲁-撒克逊的审美，引入了大陆的精细剪裁与奢华面料。本章是服饰史上结构性变革的关键时期。 重点内容剖析： “包裹式”向“修身式”的过渡： 详细阐述紧身上衣（Cotehardie）和外套（Surcoat）的出现，以及首次将服装剪裁与人体曲线相结合的努力。分析细褶和褶皱（Pleating）技术的引入如何赋予服装动感。 宫廷审美的主导地位： 探讨亨利三世和爱德华三世宫廷对金色刺绣、天鹅绒和丝绸（主要通过威尼斯进口）的狂热，这些面料成为权力和财富的象征。 服饰的“社会语言”： 深入研究《1363年服饰法》（Statute of Apparel）的颁布背景及其对不同社会阶层着装规范的严格限定，揭示服装在维护封建等级制度中的工具性作用。 第三章：都铎王朝的宏大叙事——权力、宗教与廓形（1485年 – 1603年） 伊丽莎白一世时代是英国服饰史上最具戏剧性和辨识度的阶段之一。本章聚焦于权力展示、宗教改革对服装简化的影响，以及标志性廓形的形成。 重点内容剖析： “西班牙化”的冲击与本土的适应： 分析西班牙宫廷风格带来的高领（Ruff）、紧身胸衣（Stays）和垫肩的流行。重点解析用鲸骨或藤条支撑的裙撑（Farthingale）如何改变女性的身体形态。 男装的结构革命： 详述“灯笼裤”（Trunk Hose）和厚垫肩的流行，这使得男性形象从修长变得敦实而富有力量感。对刺绣、绗缝工艺的精细化描述。 宗教改革的余波： 探讨清教徒思潮兴起后，对过度装饰和炫耀性服饰的反感，以及这种审美倾向如何为后来的“朴素美学”埋下伏笔。 第四章：巴洛克与洛可可的华丽共舞——斯图亚特王朝的浪漫主义（1603年 – 1714年） 查理一世的宫廷对艺术和服饰的赞助，带来了与欧洲大陆接轨的奢华与感性。 重点内容剖析： 男装的解放： 描绘马尾假发（Periwig）的兴起及其对社会规范的影响。分析“三件套”雏形的出现——外套（Justaucorps）、马甲（Vest）和马裤（Breeches）的组合方式。 女性服饰的“自然化”尝试： 探讨查理二世复辟后，对克伦威尔时期压抑的服饰风格的反弹。分析法式和西班牙式风格的融合，以及丝绸、蕾丝和蝴蝶结的大量运用。 室内服饰的兴起： 首次关注家居服和睡袍（Nightgown）的演变，揭示私人生活空间对服饰舒适性提出的新要求。 第五章：工业革命前的“新古典”回归与实用主义的萌芽（1714年 – 1837年） 乔治王朝时期，启蒙运动的思想开始渗透到服饰设计中，追求古典的比例与更贴合身体的线条。 重点内容剖析： “丹迪”的诞生与男性着装的理性化： 深度剖析博斯威尔（Beau Brummell）对裁缝技艺的推崇和对过度装饰的摒弃，标志着现代男装的诞生——强调合身剪裁而非装饰堆砌。 女性服饰的“希腊复兴”： 介绍摄政时期（Regency Era）受古希腊雕塑启发的直筒高腰裙（Empire Silhouette），以及对轻盈薄纱（Muslin）的热爱，这与前一个时代的厚重形成了鲜明对比。 纺织技术的革新： 探讨珍妮纺纱机和动力织布机对英国棉布生产的革命性影响，以及这种“平民化”面料如何开始冲击传统羊毛和丝绸的市场地位。 第六章：维多利亚时代的道德约束与技术爆炸（1837年 – 1901年） 在严格的社会道德规范下，服饰达到了其结构和复杂的顶峰，与此同时，工业生产彻底重塑了服装供应链。 重点内容剖析： “大裙撑”的时代（Crinoline & Bustle）： 详细解析了金属笼形裙撑（Crinoline）带来的安全隐患与社会讨论，以及后期的臀垫（Bustle）如何塑造了侧重背部的夸张轮廓。 专业化服饰的诞生： 探讨现代意义上的职业装、运动服（如骑行服、高尔夫服）和特定场合礼服的分类与形成。 服装的“地下革命”： 揭示缝纫机（如Singer）的普及对家庭服装制作和成衣工业的颠覆性影响，以及“快时尚”的早期雏形如何在大众市场中出现。 第七章：世纪之交的解放前夜——爱德华时代与工艺美术运动（1901年 – 1914年） 新世纪的到来带来了对维多利亚时代束缚的反思和对自然形态的向往。 重点内容剖析： “S形”曲线的终结： 分析保罗·波烈（Paul Poiret）等先驱如何尝试解放女性的躯干，并引入东方主义的宽松剪裁。 工艺美术运动（Arts and Crafts）的抵制： 阐述威廉·莫里斯（William Morris）及其追随者对工业化产品的批判，以及他们对本土材料、手工技艺和中世纪美学的重新推崇，如何影响了少数高端定制市场的美学取向。 结论： 本书最终将总结，不列颠服饰史并非一条平滑的演进路线，而是权力更迭、技术突破、宗教思潮和阶级固化与解放之间反复拉扯的复杂产物。从早期的实用羊毛到维多利亚的结构主义巅峰，英国时尚始终在适应其独特的气候、历史地位及其不断变化的社会道德体系。这本书旨在提供一个全面的、扎根于历史语境的解读，而非仅是潮流的罗列。

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这本书给予我的，是一种对于“精湛工艺”与“艺术表达”的全新认知。作者在《British Fashion Design》中，并没有将时尚仅仅视为一种商业行为，而是将其提升到了艺术的高度。我尤其被书中关于手工定制、高级定制以及艺术合作的论述所吸引。作者详细介绍了英国设计师如何将传统的手工技艺与现代的艺术理念相结合，创造出令人惊叹的作品。比如，书中对Alexander McQueen与Philip Treacy合作的描述，让我看到了帽子设计如何成为服装整体造型的点睛之笔，甚至是独立存在的艺术品。作者在分析这些作品时，常常会运用富有诗意的语言，来描绘其色彩、线条、以及质感，让我能够充分感受到其中蕴含的艺术魅力。我印象深刻的是，书中关于Mary Katrantzou的数码印花礼服的论述，作者将其比喻为“流动的艺术画作”，这种生动的比喻，让我对数码印花技术在时尚领域的应用有了更深刻的理解。

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《British Fashion Design》这本书，在我看来，是关于“传承与创新”的完美典范。作者并没有简单地将传统与现代对立起来，而是深入挖掘了英国时尚设计如何在继承宝贵传统的同时，不断进行创新和突破。我特别被书中关于Harris Tweed和Barbour等经典品牌的论述所吸引。这些品牌的产品，看似古老而传统，却在设计师的巧思下，焕发出了新的生命力，重新成为时尚界的宠儿。作者在分析这些案例时，不仅仅停留在产品层面，而是深入探讨了品牌背后的文化意义、工艺传承以及市场策略。我印象深刻的是，书中关于“英式田园风”的解读，作者将其与英国特有的地理环境、生活方式以及历史文化紧密联系起来，展现了这种风格的深厚底蕴和经久不衰的魅力。作者在叙述时，常常会穿插一些历史趣闻和设计师的轶事，使得枯燥的学术探讨变得生动有趣。

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这本书给我最大的震撼，在于其对“个性化”和“独特性”的极致追求。在如今这个批量生产、追求同质化的时代，《British Fashion Design》却向我们展示了英国设计师如何坚持自我，创造出独一无二的作品。我尤其被书中关于那些“不走寻常路”的设计师的故事所吸引。他们可能不迎合潮流，不追逐热点，却凭借自己独特的创意和精湛的技艺，赢得了世界的尊重。比如，作者对Hussein Chalayan的分析，将他视为一个跨越时尚、艺术、科技和哲学界限的“全才”，他用服装作为载体，探讨了身份、归属感、以及技术对人类生活的影响。书中对马甲（waistcoat）在英国男装中的演变史的梳理，也让我看到了一个看似微小的服饰元素，如何承载着丰富的历史文化信息，并随着时代的发展而不断演变。作者的叙述风格多变，时而严谨考究，时而热情洋溢，让我在阅读过程中始终保持着高度的参与感。

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这本书最让我着迷的，莫过于其对细节的极致挖掘。作者似乎对英国时尚设计中的每一个细微之处都了如指掌，并且能够将这些细节以一种引人入胜的方式呈现出来。从一块面料的质感，到一颗纽扣的设计，再到一处缝线的工艺，书中都给予了足够的关注。我尤其被那些关于传统工艺与现代技术的结合所吸引。比如，书中详细介绍了如何将古老的刺绣技法与3D打印技术相结合，创造出令人叹为观止的作品；又或是如何利用激光切割技术，在传统的呢绒面料上雕刻出令人惊艳的图案。这些案例让我意识到，真正的创新并非是对过去的完全颠覆，而是在尊重传统的基础上，融入新的元素与思维。作者在分析不同设计师的作品时，常常会将其置于一个更宏大的历史文化背景下进行解读，比如将Burberry风衣的设计演变，与两次世界大战的社会需求联系起来；又或者将Paul Smith标志性的彩色条纹，与英国亚文化中的色彩运用进行对比。这种跨领域的融合，使得本书的内容更加丰富和深刻，也让我对英国时尚有了更全面的认识。

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这本书以其丰富的插画和详实的论述，成功地将我带入了一个光彩夺目的世界——那个由英国设计师们精心编织的时尚史诗。从早期维多利亚时代繁复考究的廓形，到20世纪60年代具有颠覆性意义的迷你裙革命，再到当下个性张扬、风格多元的创意浪潮，作者似乎以一种近乎显微镜般的细致，捕捉了每一个时代的精髓。我尤其被那些关于面料、剪裁和工艺的描述所吸引。它们不仅仅是冰冷的文字，而是仿佛带着温度，让我能想象出丝绸在指尖滑过的触感，羊毛的厚重温暖，以及皮革的光泽与韧性。作者在分析设计理念时，也巧妙地将社会经济、文化思潮与时尚风格的演变紧密联系起来，让我认识到，时尚绝不仅仅是服装本身，它更是时代精神的物质载体。那些对特定设计师的深度剖析，更是让我看到了他们如何在时代的洪流中，凭借独特的视角和精湛的技艺，塑造了各自的时尚帝国。我至今仍清晰地记得关于Alexander McQueen的章节，作者用一种近乎崇敬的笔调，描绘了他如何将戏剧性、哥特式美学与尖端技术融为一体，创造出既震撼人心又充满艺术性的作品。这种深入骨髓的洞察力，使得《British Fashion Design》不仅仅是一本关于服装的书，更是一部关于艺术、文化与时代精神的百科全书。我常常会因为书中某个精美的设计，或是某段引人深思的评论，而反复阅读，每一次都能发现新的惊喜与感悟。

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翻开这本书，我仿佛置身于伦敦街头，空气中弥漫着独立精神与自由的气息。这本书没有流于表面地罗列设计师名字和代表作，而是深入挖掘了英国时尚设计背后那股永不妥协的叛逆基因。我尤其欣赏作者对“反叛”精神的解读，它并非简单的哗众取宠，而是源自对传统审美的挑战，对社会规范的质疑，以及对个人表达的极致追求。从Vivienne Westwood对朋克文化的引领，到John Galliano将历史元素与舞台剧般的夸张手法相结合，再到Demna Gvasalia在Balenciaga创造的现代街头美学，这本书清晰地勾勒出了一条从地下文化走向主流，再到反哺主流的独特轨迹。作者在分析这些设计师的作品时，常常会引用当年的社会背景，比如经济的起伏、青年亚文化的兴起，甚至是当时的音乐潮流，这些细节让作品的解读更加丰满和立体。我印象深刻的是，书中关于Savile Row的论述，它所代表的传统英式剪裁，如何在批量生产和快时尚的冲击下，依然坚守着手工技艺的尊严与品质，这本身就是一种别样的“反叛”。这种对根源的尊重，与对创新的渴望，在英国时尚设计中形成了一种奇妙的平衡。读罢此书，我不再仅仅将英国时尚视为一系列光鲜亮丽的服装，而是将其理解为一种态度，一种不畏艰难、勇于打破常规的生活哲学。

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读完《British Fashion Design》，我深切感受到，它不仅仅是一本关于服装的书，更是一部关于英国文化基因的深度解析。作者并没有将时尚设计孤立起来，而是将其置于英国的社会、经济、政治和文化的大背景下进行考察。我特别欣赏书中对于“幽默感”和“玩味”在英国时尚设计中扮演角色的探讨。从Elsa Schiaparelli的超现实主义风格，到Charlotte Olympia的趣味鞋履，再到Anya Hindmarch的玩趣手袋，书中展现了英国设计师如何用一种轻松、幽默的方式，将严肃的时尚变得鲜活有趣。这种不拘泥于形式、敢于打破刻板印象的精神，正是英国时尚独一无二的魅力所在。作者在引述设计师的观点时，也常常带有几分俏皮与智慧，使得阅读过程充满了乐趣。我至今仍记得关于Jean Muir的章节，作者用一种充满敬意的笔调，描述了她如何用最简洁的线条和最纯粹的面料，展现出女性的优雅与力量，这种“少即是多”的设计哲学，在书中得到了淋漓尽致的体现。

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《British Fashion Design》这本书，在我看来，最令人惊艳的地方在于其独特的叙事视角。作者并没有选择一个线性叙事，而是以一种碎片化、却又极富逻辑性的方式，将英国时尚史上的诸多亮点串联起来。仿佛是将一个巨大的拼图，拆分成无数个精致的片段，然后以一种令人意想不到的顺序重新组合，最终呈现出一幅令人目眩神迷的画卷。我尤其喜欢书中关于“女性力量”的探讨。从20世纪初Coco Chanel对女性解放的贡献，到Mary Quant赋予女性自由与活力的迷你裙，再到Stella McCartney对可持续时尚的坚持，这本书毫不掩饰地展现了女性设计师在英国时尚界所扮演的关键角色，以及她们如何用设计语言，重新定义了女性的美与自由。作者在论述时，善于运用生动的比喻和富有诗意的语言，将冰冷的设计元素赋予了情感的温度。我至今记得书中对Alexander McQueen那件“Plato’s Atlantis”系列礼服的描述，作者将其比喻为“海洋深处绽放的危机与希望”，这种极富想象力的解读，让我对作品的理解上升到了一个新的高度。这本书不仅仅是陈述事实，更是在营造一种氛围，一种让我能够沉浸其中，去感受、去思考、去体会的氛围。

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这本书带给我的，是一种对于“实用主义”与“美学”完美平衡的深刻理解。作者在《British Fashion Design》中，并没有刻意追求华而不实的装饰，而是更注重服装的实用性与功能性，并在此基础上融入独特的美学理念。我尤其被书中关于户外服装和工装的论述所吸引。这些看似朴素的服饰，却在英国设计师的手中，被赋予了非凡的设计感和时尚品味。比如，作者对Stone Island的分析，将它视为一个将科技面料、功能性设计与街头文化完美融合的品牌。书中对于Barbour夹克的历史演变和设计细节的阐述，也让我看到了一个经典单品如何在历经岁月洗礼后，依然保持其独特的魅力。作者在描述这些服装时，常常会运用精确的语言，来分析其材质、结构、以及剪裁，让我能够充分理解其设计的精妙之处。

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《British Fashion Design》这本书，最吸引我的是其对“变革”与“颠覆”精神的深度挖掘。作者并没有将英国时尚史描绘成一条平缓的河流，而是充满了暗流涌动和激流勇进的时刻。我尤其被书中关于20世纪60年代末至今的叙述所吸引。这个时期，英国时尚经历了翻天覆地的变化，从朋克到新浪漫主义，从英伦摇滚到亚文化浪潮，每一次变革都深刻地影响着时尚的走向。作者在分析这些变革时，不仅仅关注服装本身，更深入探讨了这些时尚浪潮背后的社会、文化和经济原因。我印象深刻的是，书中关于Vivienne Westwood的论述，作者将她视为一个“时尚界的革命者”，她用服装作为武器，挑战权威，颠覆传统，塑造了独一无二的朋克美学。作者在叙述时，常常会用一些富有张力和感染力的词语，来展现这些变革的冲击力和深远影响。

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