具体描述
The narrative of the artist's life and work is one of the oldest models in the Western literature of the visual arts. In Art as Existence, Gabriele Guercio investigates the metamorphosis of the artist's monograph, tracing its formal and conceptual trajectories from Vasari's sixteenth-century Lives of the Painters, Sculptors, and Architects (which provided the model and source for the genre) through its apogee in the nineteenth century and decline in the twentieth. He looks at the legacy of the life-and-work model and considers its prospects in an intellectual universe of deconstructionism, psychoanalysis, feminism, and postcolonialism.Since Vasari, the monograph has been notable for its fluidity and variety; it can be scrupulous and exact, probing and revelatory, poetic and imaginative, or any combination of these. In the nineteenth century, the monograph combined art-historical, biographical, and critical methods, and even added elements of fiction. Guercio explores some significant books that illustrate key phases in the model's evolution, including works by Gustav Friedrich Waagen, A. C. Quatremere de Quincy, Johann David Passavant, Bernard Berenson, and others. The hidden project of the artist's monograph, Guercio claims, comes from a utopian impulse; by commuting biography into art and art into biography, the life-and-work model equates art and existence, construing otherwise distinct works of an artist as chapters of a life story. Guercio calls for a contemporary reconsideration of the life-and-work model, arguing that the ultimate legacy of the artist's monograph does not lie in its established modes of writing but in its greater project and in the intimate portrait that we gain of the nature of creativity.
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用户评价
说实话，这本书的排版简直是视觉上的灾难，但这种“灾难”却又带着一种令人着迷的、近乎叛逆的美感。它的布局完全不遵循任何传统的书籍设计规范，元素的错位、字体大小的随机跳跃，仿佛是把一堆互不相干的印刷品随意地丢在了桌面上，然后用高清晰度的扫描仪进行了一次粗暴的记录。初看之下，我差点以为自己拿到的是一本未完成的校样，那些本应居中的文字被生生地挤压到页面的角落，而原本应该占据视觉中心的宏大图像，却被裁剪得只剩下一条细窄的边角。这种处理方式极大地干扰了阅读的流畅性，每一次翻页都像是在经历一次突兀的感官冲击。我甚至怀疑，作者是否故意在抵抗“可读性”？如果这本书的目的是探讨当代艺术的碎片化与信息过载，那么它无疑是极其成功的，因为它本身就完美地复刻了这种体验。我尝试着用一种“非线性”的思维去接近它，将每一页视为一个独立的、互不关联的“事件”，而不是一个连续的论述。这种强迫性的视角转换，反而让我捕捉到了一些在传统阅读体验中会被忽略的微小细节，比如纸张纤维的纹理，或是墨水晕染的边缘，这或许才是这场“视觉混乱”背后的真正目的吧。
评分这本新近出版的画册，装帧设计着实令人眼前一亮，那厚实的纸张触感，以及封面那抽象的几何图形排版，初上手便给人一种庄重而又充满神秘感的期待。我特地选了一个阳光充足的午后，泡上一杯浓郁的伯爵茶，试图沉浸在这视觉的盛宴之中。然而，在细细翻阅了几十页之后，我开始感到一丝困惑，或许说，是强烈的疏离感。我期待看到的是对创作过程的深入剖析，或是对某种特定艺术流派的独到见解，但这本书似乎更专注于罗列大量的、风格迥异的图像集合，这些图像之间的逻辑关联需要读者自行去构建，这对于我这样习惯于有清晰叙事引导的观者来说，无疑是一种挑战。每一页的留白处理得极为考究，但这种“呼吸感”有时却显得过于疏离，像是在一个空旷的大厅里欣赏一件孤立的展品，虽然精致，却少了点人间的烟火气与思想的碰撞。特别是那些完全没有配图说明的黑白照片，它们的存在感很强，却如同加密的密码，让人抓耳挠腮却不得其解。我猜想，也许作者是想通过这种方式，逼迫我们直面“观看”这一行为本身，但坦白说，在不具备深厚艺术史背景的情况下，这种“逼迫”带来的更多是挫败而非顿悟。整体而言，它更像是一本给专业人士准备的“参考手册”，而不是面向大众的“心灵慰藉”。
评分从装帧的材质上说，这本书无疑是奢华的，那种带有细微纹理的布面精装，配上烫金的标题，散发着一股学院派的傲慢气息。然而，这种“高端感”似乎并未延伸到文字内容的选择与组织上。我注意到大量的引用和脚注，它们被井然有序地排列在页面的底部，形成一种严谨的学术结构，但奇怪的是，这些引用的来源大多指向一些晦涩难懂的、几乎无法查证的早期哲学文献或是地方性的、小众的艺术评论。这让我不禁怀疑，作者构建理论的基石是否过于依赖这些难以被大众验证的“私人语料库”。阅读的过程，变成了一场持续的“追溯游戏”：为了理解一句话，我需要去查找三处脚注，而这三处脚注又指向了另外几篇需要费力寻找的论文。这种层层嵌套的引用结构，极大地破坏了阅读的沉浸感，让整个体验变得像是在做一道复杂的研究型课题作业，而非享受一次轻松的艺术熏陶。我更希望看到的是一种自信的、成熟的论述，而不是过多依赖外部权威的佐证来支撑自身的观点，这种过度学术化的包装，反而削弱了内容的直观冲击力。
评分我是一个对“重量感”很有要求的读者，无论是思想的深度还是实体的分量，都不能轻忽。这本书拿到手里，首先给我的印象是“沉甸甸”的，这通常预示着内容的扎实与学术的严谨。然而，内容上的分量感却始终未能与外在的重量成正比。我花了大量时间去解读那些被密集排布的、似乎是手写体的注释，它们像是某种古老的羊皮卷上被时间侵蚀的文字，模糊不清，难以辨认。我甚至不得不借助放大镜来试图理解那些笔触下的含义，但即便如此，它们依然像是一串串无意义的音符堆砌在一起。这本书仿佛将所有信息都压缩到了极致，企图用最小的篇幅传达最大的密度，结果却导致了信息的“内爆”。对我而言，艺术的魅力在于其能够打开一个对话的窗口，引导我走向更广阔的思考空间，但这本书提供的，更像是一个已经被堵死的、密不透风的房间。我期待的“深度挖掘”变成了对“晦涩难懂”的无谓猜测，最终我不得不合上它，带着一种知识被过度浓缩后产生的眩晕感。
评分这本书的色彩运用达到了一个近乎挑衅的程度。它似乎完全摒弃了任何传统意义上的和谐或美学原则，而是将最刺眼、最冲突的色块并置在一起，仿佛一个醉酒的画家在调色盘上进行的最后一次疯狂涂抹。强烈的荧光绿与暗沉的铁锈红相邻，饱和度极高的柠檬黄与近乎黑色的深紫相互挤压，这种视觉上的拉扯感，让我在阅读时必须时刻保持高度的警惕，生怕一个不经意的瞥视就会被那种强烈的对比所“灼伤”。起初，我以为这是一种对当代流行文化中“丑陋美学”的致敬或解构，但随着翻页深入，我发现这种色彩的爆炸缺乏一个明确的靶心。它像是一场没有结局的噪音音乐会，充满了能量，却找不到一个可以停靠的旋律点。我试着去分析这种色彩背后的象征意义，但每一次尝试都以失败告终，因为它们似乎都在互相否定对方的指向性。它强迫我的眼睛去适应一种超负荷的刺激，最终，我不得不承认，这种艺术处理方式在挑战我的审美极限的同时，也成功地让我感到了一丝审美疲劳的焦虑。
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