具体描述
The earth as canvas In the mid-60s, artists in the USA and Europe began planning works for sites outside the narrow boundaries of galleries and museums. It began with ephemeral enhancements or traces left in deserted landscapes, in the deserts of America, or in the moors of Scotland. Following this were spectacular earthen sculptures of gigantic proportions, some of which are still in the process of completion today. One distinguishing feature of Land Art is its critical preoccupation with the tradition of sculpture. Sculpture can now be an earthwork excavation, a field of metal poles, a buried hut, a trace in the grass, or even a book. Another of the movement's special characteristics is its emphasis on site-specific, outdoor works intended to lastingly alter our perception of places, and to set new parameters in art production and reception. Artists included: Carl Andre, Alice Aycock, Herbert Bayer, Christo & Jeanne Claude, Walter De Maria, Agnes Denes, Jan Dibbets, Hamish Fulton, Andy Goldsworthy, Michael Heizer, Nancy Holt, Peter Hutchinson, Patricia Johanson, Dani Karavan, Richard Long, Mary Miss, Robert Morris, Dennis Oppenheim, Charles Ross, Robert Smithson, Alan Sonfist, James Turrell Each book in TASCHEN's Basic Genre series features: a detailed introduction with approximately 35 photographs, plus a timeline of the most important events (political, cultural, scientific, etc.) that took place during the time period a selection of the most important works of the epoch; each is presented on a 2-page spread with a full-page image and, on the facing page, a description/interpretation of the work and brief biography of the artist as well as additional information such as a referencework, portrait of the artist, and/or citations
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用户评价
这本书简直是一场视觉的盛宴，每一次翻阅都像是在进行一次精心策划的野外探险。我特别欣赏作者对于材料的敏感度和现场感的捕捉。那些关于如何在广阔的土地上，利用自然界的元素——沙砾、泥土、水流、甚至光影——来构建转瞬即逝的雕塑的描述，细腻得让人仿佛能闻到泥土的气息，感受到风的温度。作者似乎对时间有着一种近乎哲学的理解，大量的篇幅用于探讨这些艺术作品的生命周期：从被构思、被执行，到最终被风化、被雨水冲刷、被植被吞噬的过程。这种对“消逝之美”的执着，让我反思了我们日常生活中对“永恒”的追求是否有些盲目。书中对不同地理环境中艺术实践的对比也十分精彩，比如在沙漠的静谧中与在海岸线的动态中，艺术家所面对的限制和提供的可能性是多么不同。那些配图（虽然我是在想象它们，但文字描绘得如此生动）一定能把读者直接拉入那种宏大而又谦卑的创作情境中。它不是一本教你如何做艺术的书，而是一本让你重新审视人与环境关系的深度文本。
评分这本书的语言风格充满了学院派的严谨和文学性的韵味，它成功地将环境科学的精确性与哲学思辨的开放性结合起来。我特别欣赏作者在引用和对比不同时代、不同文化背景下人类改造或顺应自然的案例时所展现出的广博知识面。书中穿插了许多关于原住民文化中与土地共生的叙事，这些叙事与现代艺术家的实践形成了有趣的张力，共同探讨了一个核心问题：我们究竟是土地的主人，还是其短暂的访客？在探讨艺术创作的后勤和组织方面，作者的描述也十分写实，没有回避大型户外装置可能面临的资源获取、天气突变和社区接受度等实际难题。这使得整本书的论述既有高度的理论支撑，又不失脚踏实地的可信度。它提供了一种全新的批判视角，让我们去审视那些看似永久的、建在坚固地基上的现代建筑和景观，反思其背后的傲慢与脆弱。
评分读罢此书，我最大的感受是其叙事节奏的舒缓与深沉，它更像是一部沉思录而非技术手册。作者的笔触极其内敛，却蕴含着强大的思想力量，尤其是在探讨艺术的“在场性”与“非物质性”时。我注意到，书中花了大量的篇幅去分析那些不被主流艺术史所关注的“地方性”创作，探讨艺术家是如何通过对特定地点的深入挖掘，来揭示其历史、地质或社会肌理的。这种考古学式的挖掘，使得每一件作品都不再是孤立的符号，而是与土地脉络紧密相连的有机体。书中对于“非中介化”的追求着墨颇多，即艺术家如何绕过传统的画廊和博物馆系统，直接与大地对话。这种对话的艰辛、挑战以及随之而来的精神上的解放，被描绘得淋漓尽致。这种写作风格，要求读者必须沉下心来，去品味那些字里行间未尽之言，去感受那种在荒野中独自面对创作困境的孤独与壮美。
评分最让我印象深刻的是这本书对艺术实践中的“身体性”的强调。作者花费了大量笔墨描述艺术家如何在体力上、感官上直接参与到作品的构建过程中，这不仅仅是体力劳动，更是一种与环境的直接对话。汗水、疲惫、皮肤被日晒雨淋的触感，都被细致地记录下来，成为作品意义的一部分。这与传统艺术殿堂中那种高度抽离、纯粹智力驱动的创作模式形成了鲜明的对比。书中那些关于特定地点的气候条件如何反作用于艺术家的决策，比如突然来袭的季风如何迫使艺术家临时改变方案，这些真实的“现场反应”使得阅读体验充满了紧张感和代入感。它揭示了一个事实：在户外进行创作，艺术家本身就成为了自然环境中的一个变量，必须学会接受并整合这些不可控因素。整本书都在赞美这种回归本质、与大地共呼吸的创作状态。
评分这本书的叙事结构非常松散，但正是这种松散感，反而模拟了户外创作的随机性和不可预测性。它不是线性的时间轴，更像是一张由不同案例、个人札记、理论引述和区域考察报告编织而成的网。这种编排方式，迫使读者必须主动地在不同章节间建立联系，去构建自己的理解框架，极大地锻炼了读者的思维整合能力。我注意到，作者对于“尺度的转换”有着非凡的洞察力，如何将人类的渺小置于山脉、河流等宏大尺度之下，如何通过作品引导观众的目光从微观的纹理转向全景的景观，这些技法被描绘得极其生动。书中关于“介入”与“不介入”之间界限的讨论尤为引人深思——艺术家究竟应该扮演一个积极的干预者，还是一个安静的观察者？这种模棱两可的状态，正是户外艺术迷人之处的体现。
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