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出版者:Blackwell Pub

作者:Cooper, David E. 编

出品人:

页数:288

译者:

出版时间:1997-12

价格:1073.00 元

装帧:HRD

isbn号码:9780631195689

丛书系列:

图书标签:

• 美学
• 艺术哲学
• 审美学
• 西方哲学
• 文化研究
• 艺术理论
• 哲学史
• 现代主义
• 后现代主义
• 视觉文化

《Aesthetics》是一本深入探讨美的本质、艺术的价值以及人类感知体验的书籍。它并非一本简单的画册或艺术评论集，而是从更深层次的哲学视角出发，解析“美”这一概念在人类文明中的演变与多重含义。 本书首先追溯了美的历史哲学思想，从古希腊时期柏拉图和亚里士多德对理想美与模仿的论述，到中世纪宗教美学对神圣之美的崇拜，再到文艺复兴时期对人文主义美学的回归。它详细阐述了启蒙运动时期，康德如何将美学确立为一门独立的哲学分支，提出了“无利害的快感”和“普遍性”等核心概念，以及席勒如何将美学与自由、教育联系起来。随后，书中还将目光投向德国唯心主义，如黑格尔对艺术在精神发展中的作用的分析，以及叔本华对意志与痛苦的描绘如何影响了我们对悲剧美的理解。 《Aesthetics》不仅止步于西方古典美学，还将触角延伸至现代与后现代的美学思潮。它探讨了尼采对艺术作为生命活力的象征的解读，以及对酒神精神和日神精神的区分。书中还会分析现象学美学，如胡塞尔和海德格尔如何通过“回到事物本身”来理解艺术体验，以及萨特存在主义哲学中对艺术作为自由创造的审视。后现代主义部分，则会讨论解构主义、后殖民主义美学等，以及它们对传统美学观念的挑战，如鲍德里亚的拟像理论，以及后现代艺术中对品味、风格和作者权威的质疑。 本书的重点之一在于剖析“审美经验”的构成要素。它会详细讨论感知、情感、想象力、理智在审美过程中的互动作用。读者将了解到，审美并非仅仅是被动地接受美的事物，而是一个主动的、充满创造性的过程。书中会探讨不同文化、不同历史时期人们如何感知和评价美，以及环境、社会结构、个人经历如何塑造我们的审美判断。例如，它会分析不同文化对色彩、形式、比例的偏好差异，以及这些偏好背后可能存在的心理和文化根源。 《Aesthetics》还将深入探讨艺术的类型及其媒介。它会分析绘画、雕塑、音乐、文学、戏剧、舞蹈、建筑等不同艺术形式的独特语言和表现力。本书不会简单地对这些艺术进行分类或评价，而是会探讨它们各自如何承载和传递美学理念，以及它们在不同历史时期扮演的角色。例如，它会讨论古典音乐的和声结构与情感表达，现代主义绘画对形式和色彩的突破，以及摄影和电影如何改变了我们观看世界的方式。 更进一步，《Aesthetics》还会关注美学与社会、政治、伦理之间的复杂联系。它会探讨艺术如何作为社会批判的工具，如何反映和塑造社会价值观，以及艺术的社会功能。书中会分析一些艺术作品如何挑战既定权力结构，如何激发公共讨论，甚至如何引发社会变革。同时，它也会讨论艺术的自主性问题，即艺术是否应该追求独立的价值，还是必须服务于某种社会或政治目的。 本书还会涉猎一些跨学科的视角，例如心理学中的审美心理学，探讨人们为何会觉得某些事物美，以及审美偏好如何形成。它也会触及社会学中的艺术社会学，分析艺术品生产、流通和接受的社会机制。此外，语言学和符号学在理解艺术作品的意义和传播方面也扮演着重要角色，书中会适当引用这些领域的概念。 《Aesthetics》的目标是为读者提供一个全面而深刻的理解美的框架。它鼓励读者不仅从个人感知的角度，也要从历史、哲学、文化和社会等多个维度去审视和体验美。本书旨在激发读者对艺术和美的持续思考与探索，培养更敏锐的审美能力，并认识到美在丰富我们生活、塑造我们个性和理解世界方面所具有的不可替代的作用。它提供了一种思考“美”的方式，而不是提供一个关于“什么才是美”的最终答案，因为它相信美的定义永远在流变，并在每一个人、每一次经历中不断被重新发现和创造。

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这本书的开篇就带着一种令人沉醉的魔力，作者以一种近乎诗意的笔触，引领我们进入了一个由光影、线条与色彩构筑的奇妙世界。我原以为这会是一本枯燥的理论集合，但事实是，它更像是一次深入灵魂的对话。书中对“美”的探索，绝非止于我们日常所见的那些华丽辞藻的堆砌，而是深入到事物运作的最底层逻辑，揭示出那些潜藏在艺术品、自然景观乃至日常物件背后的秩序与和谐。特别是关于“形式追随功能”的讨论，作者没有落入俗套，反而将其拓展到了心理感受的层面，探讨了为什么某种特定的结构能激发起我们内心深处的共鸣。阅读过程中，我不断地停下来，合上书本，抬眼望向窗外，试图在现实中捕捉到书中描绘的那种“恰到好处”的平衡感。这不仅仅是对视觉艺术的剖析，更像是一部关于如何“观看”世界的说明书，教会我如何剥离掉日常的麻木，去真正感知存在的本质。那几个关于非对称平衡的案例分析，尤其精妙，它挑战了我们根深蒂固的对称偏好，展示了动感美学中蕴含的巨大能量。

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说实话，这本书的某些部分，读起来颇具挑战性，它要求读者不仅要有耐心，更要有相当的抽象思维能力。作者在深入探讨感知心理学与美学经验之间的关联时，大量引用了现代认知科学的研究成果，这使得这本书的理论深度远远超出了传统的哲学范畴。我花了好一番功夫才彻底消化完关于“预期违背理论”如何解释幽默感和艺术惊喜的部分。它试图用一种近乎算法的方式去解构审美判断，这在一定程度上可能会让一些偏爱浪漫解释的读者感到不适。然而，正是这种严谨和跨学科的融合，赋予了这本书强大的说服力。它不像一本散文集，它更像是一本被精心打磨过的精密仪器，试图测量和校准人类的审美器官。特别是在讨论“审美距离”时，作者提出的那些关于沉浸感与疏离感之间微妙平衡的论述，让我开始重新审视自己在欣赏歌剧或阅读晦涩小说时的那种复杂心绪。这本书无疑是为那些不满足于表层赞美，渴望深入探究“为什么会觉得美”的读者准备的“硬核”读物。

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这本书的语言风格极其独特，它有一种不动声色的力量，仿佛每一句话都经过了最精密的斟酌，却又流畅得像是信手拈来。作者似乎特别偏爱使用长句和排比结构，这使得整本书读起来有一种古典的回响和节奏感。虽然主题是探讨抽象的“美”，但作者的表达却充满了具体的意象和生动的比喻，他总能找到一个意想不到的日常事物来类比复杂的理论，极大地降低了理解的门槛。比如，他将“风格”的形成比喻为河流的分叉与汇合，这个比喻在我脑海中留下了深刻的印象，清晰地勾勒出了艺术演变中的必然性和偶然性。此外，书中对不同文化中“自然”与“人工”界限的探讨，也极具启发性。作者敏锐地指出，这种二元对立本身就是一种特定的文化建构，而非永恒的真理。读完后，我感觉自己看待建筑、园林乃至一件雕塑的视角都发生了根本性的转变，不再是单纯的评判好坏，而是开始探究其背后的文化语境与设计意图。

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这本书的结构安排着实让人眼前一亮，它不是那种线性的、按部就班的学术论述，而更像是一张由无数交叉知识点编织而成的网。我尤其欣赏作者处理历史脉络的方式，他没有沉溺于对某个特定流派的过度赞美或批判，而是将不同时代的美学观念视为一个动态演化的过程。例如，他巧妙地将启蒙运动时期的理性至上与浪漫主义对情感的狂热追求放在一起对比，揭示出两者在对“崇高感”的追求上有着惊人的相似性与本质的区别。这种跨越时空的对话，使得原本晦涩的历史哲学变得鲜活起来。读到关于日本侘寂（Wabi-Sabi）美学的章节时，我深感震撼，那种对“残缺之美”的推崇，与西方古典艺术对完美无瑕的执着形成了强烈的张力，而作者的解读恰到好处地弥合了这种文化间的鸿沟，让我领悟到审美体验的多元性和相对性。全书行文间，偶尔穿插的那些哲学家的小故事或艺术家的轶闻，更是为这本理论著作增添了必要的“人情味”，避免了陷入纯粹的空谈。

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这本书真正吸引我的地方在于其对“审美体验的社会建构性”的深刻洞察。作者没有将美视为一种纯粹的个人感受，而是着重分析了社会阶层、权力结构乃至媒介传播是如何潜移默化地塑造我们的审美偏好的。他犀利地指出了，我们今天所推崇的某些“经典”，在它们诞生的年代可能并未得到广泛的认同，其地位的稳固在很大程度上依赖于后世的教育体系和博物馆的策展逻辑。这种批判性的视角令人警醒。书中关于“品味”如何成为一种社会资本的分析尤其精彩，它揭示了为什么某些艺术形式会被赋予更高的价值，而另一些则被边缘化。这种对审美政治学的剖析，使得这本书超越了一般的艺术评论范畴，上升到了社会学和文化研究的高度。它迫使我反思自己对某些“高雅艺术”的推崇，是否仅仅是源于一种被内化的社会期望。这是一本非常需要被认真对待的作品，它会挑战你既有的认知框架，但随之而来的，是对世界更深层次的理解。

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