Chromatic Transformations in Nineteenth-Century Music pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026
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David Kopp's book develops a model of chromatic chord relations in nineteenth-century music by composers such as Schubert, Beethoven, Chopin, Schumann and Brahms. The emphasis is on explaining chromatic third relations and the pivotal role they play in theory and practice. The book traces conceptions of harmonic system and of chromatic third relations from Rameau through nineteenth-century theorists such as Marx, Hauptmann and Riemann, to the seminal twentieth-century theorists Schenker and Schoenberg and on to the present day. Drawing on tenets of nineteenth-century harmonic theory, contemporary transformation theory and the author's own approach, the book presents a clear and elegant means for characterizing commonly acknowledged but loosely defined elements of chromatic harmony, and integrates them as fully fledged entities into a chromatically based conception of harmonic system. The historical and theoretical argument is supplemented by plentiful analytic examples.
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这本书的标题——“19世纪音乐中的色彩性转变”——立刻点燃了我对那个充满戏剧性变革的音乐时代的想象。我一直对19世纪音乐的丰富性和复杂性着迷，尤其是那些调性探索和和声创新，它们如何让音乐的情感深度和色彩感得到了前所未有的拓展。我期待这本书能够深入挖掘这些“色彩性转变”背后的具体音乐技法，例如，瓦格纳是如何通过他的“无尽旋律”和复杂的和弦进程来营造出那种迷幻而富有张力的戏剧效果的？舒伯特又是如何运用变化和弦来传递他那标志性的忧郁与抒情？我希望作者能够提供详细的乐谱分析，用清晰易懂的方式解释这些和声语言是如何影响音乐的整体色彩和情感表达的。不仅仅是技术层面的剖析，我也希望这本书能够联系当时的时代背景和作曲家的个人经历，理解这些音乐语言的出现是如何与浪漫主义时期对个人情感、自然景致以及超自然世界的迷恋紧密相连的。这本书的出现，无疑为我提供了一个绝佳的机会，去深入理解那个时代音乐的灵魂，去感受那些音符如何编织出绚烂多彩的情感织锦。
评分当我看到这本书的书名时，一种莫名的冲动涌上心头，我迫切地想要了解“19世纪音乐中的色彩性转变”究竟意味着什么。我通常认为19世纪的音乐已经达到了一个登峰造极的时期，但“色彩性转变”这个词组却暗示着一种更深层次、更微妙的变化。我脑海中浮现出德彪西在20世纪初对色彩的独特运用，但这本书聚焦的是19世纪，这让我产生了极大的好奇。我想知道，在那个更加注重传统和形式的时代，作曲家们是如何突破界限，探索音乐的“色彩”维度的？这本书是否会深入探讨一些可能被低估的作曲家，他们是如何在调性、织体、配器等方面引入前所未有的色彩元素的？我尤其对那些可能被现代听众忽略的、但却对后世影响深远的创新感兴趣。例如，是否会有关于那些大胆尝试不协和音程，或者创造出独特音色组合的作曲家的案例分析？我期待这本书能够带领我进入一个我可能不太熟悉的19世纪音乐领域，发现那些隐藏在经典作品背后，却同样令人惊叹的艺术革新。
评分这本书的书名——“19世纪音乐中的色彩性转变”——立刻吸引了我。我对19世纪音乐的印象通常是雄浑、宏大、充满英雄主义的，但“色彩性转变”这个概念却给了我一种全新的视角。我一直在思考，在那个时代，音乐是如何从仅仅表达情感和故事，进一步发展到对“声音本身”的色彩和质感的探索的？这本书是否会深入挖掘那些在和声进行、音色运用、甚至是配器手法上的微妙变化，这些变化是如何让音乐的“色彩”变得更加丰富和多样的？我尤其好奇，作者会如何定义和量化这些“色彩性转变”？是通过对特定作曲家作品的深度分析，还是会梳理出一条清晰的音乐发展脉络？我期待书中能够提供一些具体的、不那么为人熟知的例子，来证明“色彩性转变”并非只是少数大师的专利，而是19世纪音乐整体发展的一个重要趋势。我想，这本书将会帮助我重新认识19世纪音乐，超越对宏大叙事的关注，去体味那些隐藏在音符背后，如同一幅幅画卷般绚烂的音乐色彩。
评分“19世纪音乐中的色彩性转变”——这个书名让我眼前一亮。作为一名对音乐史有着浓厚兴趣的业余爱好者，我一直对19世纪音乐的宏大叙事和情感爆发力深感敬佩，但“色彩性转变”这个说法，却让我看到了一个更具深度和细微之处的探索视角。我忍不住想象，这本书是否会深入剖析那些在调性、和声、甚至是节奏和织体上，悄然发生但却具有深远影响的“色彩”变化？比如说，肖邦的那些富有诗意的和声，或者李斯特将钢琴的音色潜力推向极致的尝试，是否都包含在这“色彩性转变”的范畴之内？我希望作者能够提供一些具体的音乐片段分析，用生动形象的语言，帮助我理解这些技术上的创新是如何转化为听觉上的“色彩”体验的。同时，我也期待这本书能够联系当时的社会文化背景，比如艺术、文学的发展，来解释这些音乐上的“色彩”探索是如何受到启发的。我设想着，这本书不仅仅是对音乐理论的深入研究，更是一场穿越时空的艺术之旅，让我能更深刻地理解19世纪音乐的丰富内涵。
评分“19世纪音乐中的色彩性转变”——这个书名让我产生了浓厚的兴趣。在我固有的认知中，19世纪的音乐往往与宏大的戏剧性、深刻的情感宣泄联系在一起，但“色彩性转变”这个词汇却暗示着一种更细腻、更内在的音乐探索。我迫切地想知道，这种“色彩性”究竟体现在哪些方面？是更复杂的和声语言，比如瓦格纳的半音化和弦，还是在配器上对音色组合的全新尝试，比如拉威尔对乐器音响的精妙把握（虽然拉威尔主要活跃在20世纪初，但他的某些音乐思想可能源自19世纪末的探索）。我期待这本书能够提供详细的乐谱分析，用易于理解的方式讲解这些“色彩性转变”是如何实现的，以及它们对音乐的整体听觉效果产生了怎样的影响。更重要的是，我希望这本书能够将这些音乐上的“色彩”变化与当时的艺术思潮、哲学思想联系起来，理解作曲家们为何会产生这样的探索，以及这些探索如何反映了那个时代人们对世界和艺术的新认知。这本书对我来说，不仅是学术上的探索，更是一次感官的盛宴，一次对音乐美学的深度挖掘。
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