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出版者:Alfred Pub Co

作者:Coker, Jerry

出品人:

页数:180

译者:

出版时间:1986-4

价格:$ 30.45

装帧:Pap

isbn号码:9780769230177

丛书系列:

图书标签:

• 爵士乐
• 和声
• 即兴
• 乐理
• 音乐教育
• 吉他
• 钢琴
• 音乐分析
• 编配
• 练习曲

《和声的奥秘：古典音乐理论的深度解析与实践应用》 （The Architectonics of Harmony: A Deep Dive into Classical Music Theory and Practical Application） 图书简介 本书《和声的奥秘：古典音乐理论的深度解析与实践应用》，旨在为音乐学学生、作曲家、演奏家以及所有对西方古典音乐创作与分析抱有浓厚兴趣的读者，提供一套全面、严谨且富有启发性的和声学理论体系。本书的重点完全聚焦于欧洲古典音乐时期（约1730年至1820年），以及其在浪漫主义早期的直接影响和演变轨迹，深入剖析了从巴洛克晚期奠定的功能和声框架到古典主义时期发展出的精细结构。 本书结构清晰，内容层层递进，从最基础的音级关系和调性概念入手，逐步构建起一个扎实的理论基础，最终抵达复杂的多声部写作和形式分析的高级阶段。 第一部分：根基的重建——音响与功能 本部分将和声学建立在严格的音响物理和历史语境之上。我们首先探讨了自然音阶、半音阶的构建逻辑，重点解析了平均律（Well Temperament）在确立稳定调性系统中的历史作用，以及与早期律制（如中庸全音律）的对比。 核心章节聚焦于音级功能与三和弦的统治地位。详细阐述了主和弦（Tonic, I）、属和弦（Dominant, V）和下属和弦（Subdominant, IV）这“三大家族”在古典和声中的核心作用。我们不满足于简单的三和弦排列，而是深入分析了声部进行（Voice Leading）的规则——如何通过最优的平稳进行，保证和声的连贯性和清晰度。这包括了声部进行中的平行五、八度禁忌的严格论述，以及在特定情境下打破规则（如隐伏五、八度）的合理性分析。 此外，本书对七和弦的引入和功能区分进行了详尽的阐述。重点剖析了属七和弦（V7）的导向性张力及其解决机制，并将其与次属和弦（Secondary Dominants）的运用区分开来，解释了后者如何作为“暂时转调”的桥梁，丰富和声色彩而不破坏既定调性。 第二部分：色彩的拓展——导音与非功能性音响 在奠定功能和声的基础后，本部分开始探索和声的色彩变化和潜在的张力来源。 导音（Leading Tone）在古典和声中扮演着至关重要的角色。本书专门开辟章节，探讨了主导功能与导音三和弦（Leading-Tone Triad, vii°）的紧密联系，以及在终止式和乐句收尾中的不可替代性。 随后，本书深入研究了经过和弦（Passing Chords）、邻音和弦（Auxiliary Chords）等“装饰性”和弦的严格规则。这些和弦在不改变核心功能的基础上，为旋律线条提供了必要的流动性和细节。我们详细分析了六四和弦（Inversions of Triads）的类型及其功能性区分，特别是卡农式六四和弦（Cadential $ ext{I}^6_4$）作为属和弦的预备音响，而不是独立功能的和弦实体，这对于准确分析奏鸣曲快板乐章至关重要。 半减七和弦（Half-Diminished Seventh Chord, vii°7）作为小调和声的标志性色彩，在本部分占据了重要地位。我们分析了其独特的半音色彩以及它与调性之间微妙的拉扯关系。 第三部分：空间与转换——转调的艺术 古典音乐的结构美感很大程度上依赖于精确且流畅的转调技巧。本书将转调视为和声分析中的“空间移动”。 我们首先探讨了关系调（Relative Keys）和平行调（Parallel Keys）的转调法，强调了共用音级和共享和弦的平滑过渡。随后，重点分析了属和弦转调法（Dominant Chord Modulation），这是古典时期最常用的转调方式之一。我们详细剖析了如何利用某一调性的属七和弦，将其功能性转化为新调性的属七和弦，实现高效的调性转换。 更进一步，本书介绍了远关系调的转调策略，包括利用等音现象（Enharmonic Equivalence），特别是将增六和弦（Augmented Sixth Chords）作为连接媒介，实现跨越音乐圈（Circle of Fifths）的远距离调性跳跃。增六和弦（意大利式、德意志式、法国式）的构建、功能及其在解决张力中起到的关键作用，被置于专题进行深入剖析。 第四部分：形式与语境——功能和声在大型作品中的应用 理论最终必须服务于实践。本部分将前述的和声工具箱应用于古典音乐的宏大结构中，重点分析了奏鸣曲式（Sonata Form）和回旋曲式（Rondo Form）的和声骨架。 奏鸣曲式分析部分是本书的亮点之一。我们详细描绘了呈示部（Exposition）中主部到副部的转调路径、再现部（Recapitulation）中副部转回主调的“和声解决”，以及发展部（Development）中非功能性、探索性的和声游走的特点。通过对莫扎特和海顿的代表性作品的详细和声分谱分析（提供具体乐例），读者将能直观理解和声如何驱动音乐的戏剧冲突与解决。 此外，本书还涵盖了赋格的简化和声分析（侧重于主题的进入与调性中心的确立）、奏鸣曲快板乐章结尾的陈述性和声，以及变奏曲中和声框架的保持与色彩的更新技巧。 总结与展望 《和声的奥秘》力求在严谨的学术性与清晰的教学实践之间找到平衡。本书的每一个概念都配有大量取自古典时期大师（巴赫晚期、海顿、莫扎特、贝多芬早期）的真实乐谱实例，并辅以详细的分析图表，确保读者不仅“知道”规则，更能“听懂”规则的实际效用。 本书不涉及20世纪的半音主义、十二音体系或爵士和声，其关注点坚定地锁定在功能和声体系的黄金时代，为读者提供一把理解欧洲音乐数百年间结构美学的万能钥匙。它不仅是理论教材，更是一本深入古典音乐内心世界的实践指南。

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老实说，这本书的排版和视觉设计绝对不是它的强项，如果你期待看到绚丽的图表或者花哨的字体，你可能会失望。它非常务实，甚至有些刻板，几乎所有页面都是密密麻麻的五线谱和指板图。但正是这种毫不妥协的专注，让它成为了一个真正可靠的“武器”。我用它来训练我的耳朵和手指的同步性，特别是在处理那些需要高度精确节奏和音高的复杂琶音进行时。这本书中的练习序列设计得非常巧妙，它不会让你在某个特定的模式上停留太久而感到厌倦，而是以一种螺旋上升的方式，不断引入新的和声或节奏变量。我最大的收获是，它极大地提升了我在高速演奏中对“空间感”的把握——知道何时该弹奏，更重要的是，知道何时该留白。这本书是为那些把爵士乐当成一门严肃技艺来对待的人准备的，它需要你沉下心来，去感受那些看似机械重复的音符背后蕴含的巨大能量和无限可能性。

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我对这本书的评价可能会有些与众不同，因为它更多是作为我个人音乐创作的“灵感催化剂”而非单纯的练习工具。我发现，当我陷入创作瓶颈时，翻开《Patterns for Jazz》的任意一页，随机挑选一个模式进行变奏和重构，往往能迅速打破思维定式。那些看似简单的旋律片段，一旦被置入不同的节奏框架或者被赋予了新的和声背景，立刻就能展现出惊人的潜力和不同的情绪色彩。例如，书中某个简单的降七音模式，我将其融入到一首融合了拉丁节奏的原创作品中，瞬间找到了推进旋律发展的突破口。这本书强大的地方在于，它将爵士乐最核心的旋律“DNA”进行了高度浓缩和结构化。它教会我，即便是最复杂的即兴，也往往是基于对最基础、最有效动机的深度挖掘和无限变化。对于那些希望将即兴技巧融入自己原创音乐的乐手来说，这本书提供的范式素材库是无价之宝。

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这本《Patterns for Jazz》简直是为我这种渴望在爵士乐的海洋里摸爬滚打的乐手量身定做的。我一直觉得自己的即兴演奏像是在原地打转，知道一些音阶和和弦，但就是串联不起来，听起来总像是在背谱子，缺乏灵魂和流动性。这本书的编排方式非常直观，它不是那种枯燥的理论堆砌，而是直接把那些听起来“很爵士”的乐句和模式抽丝剥茧地展示出来。我花了大量时间在研究那些基于ii-V-I进行的小型动机片段上，它们清晰地展示了如何在和弦进行中构建旋律张力。尤其是书中对“内化”（internalizing）概念的强调，让我明白光靠眼睛看是不够的，必须通过反复的演奏，让这些模式真正成为自己肌肉记忆的一部分。当我尝试将其中一个关于三全音替代（Tritone Substitution）的模式应用到一首熟悉的标准曲目中时，那种豁然开朗的感觉是无与伦比的。它不仅提供了一套“模板”，更关键的是，它教会了我如何像一个真正的爵士乐手那样思考和组织音符。这本书的实用性极高，它是一个脚踏实地的训练手册，而不是一本高高在上的哲学著作。如果你想让你的独奏从“正确”跨越到“迷人”，那么这本书的价值无可替代。

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坦白说，我拿到《Patterns for Jazz》时，第一感觉是“工作量好大”。这东西看起来就像是一本练习册的百科全书，厚厚一叠，各种指法和指板图占满了页面。对于一个更偏向于理论理解而非纯粹肌肉记忆训练的人来说，初期确实有些敬而远之。我一开始试图快速浏览，想找出一些“捷径”，但很快就发现这是徒劳的。这本书的精髓就在于那种近乎冥想的、重复的、刻意的练习。它不是让你一下子学会所有的“炫技”，而是通过分解和重组最核心的爵士乐动机，让你对和声的色彩变化产生更深层次的听觉感知。我特别喜欢它对特定调性环境（比如围绕属七和弦的特定模式）的处理，这种针对性训练极大地提高了我在实际演奏中对色彩音（Color Tones）的把握能力。现在，我不再是简单地弹奏琶音，而是能更自然地在旋律线中编织出那些九音、十三音的色彩变化，这让我的演奏听起来丰富了许多层次。这本书，与其说是一本书，不如说是一个长期的、需要毅力的伙伴，它要求你投入时间，但回报绝对丰厚。

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作为一名相对资深的演奏者，我其实已经积累了不少自己的练习素材，起初对购买《Patterns for Jazz》持保留态度，总觉得市面上类似的教材太多了。然而，当我深入研究其中关于“模态和弦外音”（Modal Extensions over Chords）的处理章节时，我发现它提供了一种我之前未曾系统化构建的连接方式。很多教材侧重于大调或小调音阶的延伸，但这本书对如何在高密度和声进行中保持旋律的连贯性和逻辑性，有着独到的见解。它不只是教你“弹什么音”，更重要的是教你“如何从一个音自然地过渡到下一个音”，这中间的“流动性”才是爵士乐的精髓。我尝试将其中的一些节奏型变化应用到我正在学习的后波普（Post-Bop）曲目中，效果立竿见影——我的独奏不再是片段式的组合，而是形成了一条清晰、有呼吸感的叙事线索。这本书的价值在于它成功地搭建了一座从基础乐理到高级即兴思维的桥梁，它让复杂的概念变得可操作化和可衡量化。

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@2013-03-02 21:14:56

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