Reduced Shakespeare

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出版者:Hyperion
作者:Reed Martin
出品人:
页数:256
译者:
出版时间:2006-07-11
价格:USD 17.95
装帧:Hardcover
isbn号码:9781401302207
丛书系列:
图书标签:
  • 戏剧
  • 喜剧
  • 戏剧
  • 莎士比亚
  • 文学
  • 幽默
  • 舞台剧
  • 文化
  • 历史
  • 改编
  • 娱乐
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具体描述

From the theater troupe whose sidesplitting production The Complete Works of William Shakespeare [Abridged] is the longest-running comedy in London’s history comes an openly hysterical, yet surprisingly informative, guide to everything you ever wanted to know about the Bard of Avon Love Shakespeare? You’ll like this book. Hate Shakespeare? You’ll love this book. From the theatrical company that has been cutting the Bard down to size for more than a dozen years comes a single volume boasting everything you always wanted to know about William Shakespeare’s life and work -- but couldn’t be bothered to ask. In one slim volume, Reduced Shakespeare delivers the plays, the life, and the legend in twelve easy pieces. What’s the theme of Hamlet? Poop or get off the pot. What’s essential preparation for an evening of outdoor Shakespeare? Bring lots of coffee . . . and use the bathroom before the show. Liberally sprinkled with lists, definitions, quizzes, essential vocabulary, and the Reduced Shakespeare Company’s trademark irreverence and wit, this "reduced" handbook will delight enthusiasts, skeptics, and fledgling fans alike.

《光影交织的时代:电影艺术的兴起与流变》 书籍简介: 这是一部深度探究二十世纪电影艺术发展历程的权威著作。它摒弃了对单纯名人轶事的罗列,转而聚焦于电影作为一种综合艺术形式,如何在技术革新、社会思潮的碰撞中,逐步确立其独特的叙事语言与美学范式。全书以时间为轴,辅以对关键流派、重要导演创作哲学的细致剖析,为读者构建了一幅宏大而精微的银幕图景。 第一部分:默片的黄金年代与叙事基础的奠定 (1900s-1920s) 本部分深入考察了电影诞生初期,这一新兴媒介如何挣脱戏院杂耍的身份,向严肃叙事迈进的艰难历程。我们将详细解析梅里爱(Georges Méliès)如何利用早期特效技术开创了“奇观电影”,而大卫·格里菲斯(D.W. Griffith)则在蒙太奇理论的实践中,确立了现代电影剪辑的语法。我们不满足于仅提及《一个国家的诞生》,而是深入探讨其复杂的镜头调度、景深运用对叙事节奏的影响,以及随之而来的关于种族与历史叙事权力的问题。 随后,我们将目光投向欧洲大陆,聚焦于德国表现主义(German Expressionism)的兴起。这部电影流派,受到一战后社会焦虑与弗洛伊德心理学思潮的深刻影响,通过扭曲的布景、极端的明暗对比(Chiaroscuro),将人物的内心挣扎外化于银幕之上。《卡里加利博士的小屋》不仅仅是一部恐怖片,更是对理性崩溃的视觉宣言。我们分析了罗伯特·维内(Robert Wiene)和弗里德里希·穆瑙(F.W. Murnau)如何将建筑空间转化为心理景观。 同时,苏俄蒙太奇学派的理论革命亦是本部分的重中之重。以爱森斯坦(Sergei Eisenstein)为代表的理论家,不再将剪辑视为线性的连接,而是视为观念的碰撞与冲突。对《战舰波将金号》中的敖德萨阶梯场景的逐帧分析,将揭示“吸引子蒙太奇”如何以最纯粹的视觉冲击力,动员观众的情感与政治认知。 第二部分:有声电影时代的挑战与好莱坞的工业化 (1930s-1940s) 有声技术的引入,并非仅仅是为默片增加对白,它引发了一场关于电影本质的深刻危机。本章探讨了声音如何重塑了叙事节奏、表演风格,并催生了全新的类型片,如歌舞片与黑色电影(Film Noir)。 好莱坞的“制片厂制度”在这一时期达到了顶峰。我们分析了米高梅、派拉蒙等巨头如何通过垂直整合,对艺术创作施加工业化的控制。然而,即便在高度标准化的体系内,艺术家们依然找到了反抗与表达的空间。约翰·福特(John Ford)的西部片系列,如何超越了简单的善恶对立,转而探讨美国边疆精神的消逝与现代性的冲突;奥逊·威尔斯(Orson Welles)的《公民凯恩》则标志着电影语言的又一次飞跃,其深焦镜头(Deep Focus)的运用,挑战了传统线性叙事对时间与空间的控制,并将新闻调查的客观性与个人记忆的主观性熔于一炉。 第三部分:战后世界的反思与新浪潮的冲击 (1950s-1960s) 二战的创伤和冷战的阴影,使得电影艺术开始转向对个人异化、存在主义困境的深刻反思。本部分重点研究了意大利新现实主义(Italian Neorealism)在战后的遗留影响,特别是对日常生活中“无用之人”的关注,如何催生了安东尼奥尼(Michelangelo Antonioni)对现代人精神疏离的哲学探讨。 更具颠覆性的是法国新浪潮(Nouvelle Vague)的崛起。以特吕弗(François Truffaut)和戈达尔(Jean-Luc Godard)为代表的“作者论”拥护者,彻底打破了制片厂的规范。他们走上街头,使用手持摄影机,引入跳切(Jump Cut)和即兴表演,将电影制作过程本身暴露给观众。本章将详细辨析戈达尔对经典好莱坞叙事的解构,以及他如何将电影视为一种不断自我参照、充满政治姿态的“电影的电影”。 第四部分:全球视野下的电影革新与多元叙事 (1970s-2000s) 进入七十年代,电影进入了一个更加个人化、更加政治化的阶段。日本的新浪潮,以小津安二郎(Yasujirō Ozu)宁静的“物哀”美学为基石,发展出对家庭结构变迁的细腻描摹。而在中东与拉丁美洲,电影则承担起了批判殖民历史、探索身份认同的重任,展现了电影作为解放工具的潜力。 本书的最后部分,探讨了电影技术(如数字影像的初步应用)与文化全球化对叙事模式的冲击。我们考察了诸如贝拉·塔尔(Béla Tarr)对时间冗余的极致运用,以及数字技术如何为独立电影人提供了新的表达平台,使那些长期被主流叙事边缘化的声音得以浮现。最终,本书总结了电影艺术在跨越百年历程中,如何不断地自我否定、自我更新,以适应和反映人类复杂多变的生存境况。 本书的行文风格力求学术的严谨性与文学的流畅性相结合,配有大量精准的剧照分析和技术图解,旨在为电影研究者、学生,以及所有热爱电影艺术的观众,提供一个全面而富有洞察力的研究框架。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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我得说,这次阅读体验简直像是在参加一场由精力旺盛的大学戏剧社带来的午夜即兴表演,只不过这次的“即兴”是经过了近乎残酷的打磨。我关注的焦点很快就从“他们删了什么?”转移到了“他们是如何在这么短的时间内把这个史诗般的悲剧讲得如此清晰的?”。它要求读者保持极高的注意力,因为节奏快得令人眩晕。如果你的思绪有一丁点游离,你可能就会错过关键的转折点。这种紧凑感带来了一种独特的阅读快感,类似于在玩一个高难度的解谜游戏。其中对人物动机的把握尤其值得称赞;尽管篇幅被压缩,人物的弧光并没有变得扁平。例如,麦克白夫人那种由野心催生的疯狂,在短短几分钟的场景切换中,那种逐步瓦解的过程被展现得淋漓尽致,没有冗余的诗句铺垫,全靠肢体语言和快速的对白推进,非常具有现代感。我仿佛能看到舞台上灯光变幻、道具飞转,演员们像陀螺一样旋转,在有限的空间内爆发出了巨大的能量。这绝对不是对原著的简单“翻译”,更像是一种高密度的“重构”,它激活了莎士比亚文本中沉睡的原始戏剧张力。

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我必须承认,起初我确实是对它的“速食文化”倾向持怀疑态度的。但读完后,我感觉自己进行了一次高强度的“莎士比亚速成训练营”。它不是用温柔的方式引导你进入文本,而是直接把你扔进沸腾的汤锅里,让你在极短的时间内学会游泳。这本书的独特之处在于,它巧妙地利用了我们对原著的“潜意识记忆”。如果你对莎翁略有涉猎,那么阅读时会不断触发那些“啊,这个场景我好像在哪里见过”的联想,这种已有的知识储备,与书中极度精简的呈现方式形成了奇特的张力,反而加深了印象。它成功地做到了“形散而神不散”。那些伟大的主题——权力腐蚀人心、命运的不可抗拒性——都被巧妙地嵌入到极其短促的对话片段中。这是一种非常大胆且略带玩世不恭的创作手法,它既是对传统的致敬(因为你必须非常了解原作才能进行如此成功的解构),也是对阅读习惯的一种挑战。它成功地证明了,有时候,更少,反而意味着更多。

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阅读这本《Reduced Shakespeare》的过程,体验上与观看一部优秀的默片有异曲同工之妙。它强迫你抛弃对语言的依赖,转而关注最原始的戏剧冲突——欲望、背叛、爱情与死亡。它的结构设计非常精巧,像是一个结构主义的建筑模型,剔除了所有不必要的装饰性墙壁,只留下承重的主体结构。这种“去语境化”的处理方式,反而让莎翁作品中的普世情感更加突出,仿佛这些故事即便发生在任何时代、任何地点,其核心驱动力都不会改变。我发现自己不再纠结于伊丽莎白时代的特定俚语或复杂的排比句式,而是直接被人物的境遇所吸引。例如,那些冗长的誓词和情感宣泄被浓缩成了简洁有力的行动指令,这种转变带来了强烈的视觉冲击感。这就像是把一辆老式蒸汽火车,用最先进的喷气发动机技术重新包装,它跑得更快,效率更高,虽然少了些“嘶嘶作响”的古典美感,但其力量却是实实在在、不容忽视的。

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说实话,我原本以为这玩意儿会让人觉得很“廉价”,毕竟“Reduced”这个词总是带着某种打折促销的意味。但事实恰恰相反,它展现出一种极高的智力优越感。作者团队似乎已经内化了莎翁的每一个字,然后以一种近乎傲慢的自信,决定了哪些是“冗余的装饰”,哪些是“必须保留的骨架”。这种删减不是盲目的,而是基于对戏剧结构和观众心理的深刻洞察。我特别欣赏他们处理群戏的方式——那些原本需要几十人上百人才能完成的宏大场面,在这里被巧妙地简化为两三个核心人物的对话,但这对话的内容却奇迹般地涵盖了原著中复杂的政治斗争或家族纠葛。这需要一种对文学的绝对掌控力,否则一旦失手,作品就会立刻变成一堆毫无意义的碎片。对我这个老读者来说,这更像是一场有趣的“找茬”游戏,试图去追溯那些被提炼后的精髓对应回原著中的哪个段落,每一次成功捕捉到那种熟悉的韵味,都会带来一种“会心一笑”的满足感。

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这部作品,老实说,我最初抱着一种非常复杂的心态打开它的。我必须承认,我对莎士比亚的经典文本有一种近乎虔诚的敬畏,所以当“精简”这个词出现在书名旁边时,我的第一反应是警惕。我担心这会变成一种肤浅的戏谑,是对那些伟大戏剧灵魂的粗暴阉割。然而,当我真正沉浸其中时,我发现这远非一场闹剧。作者(或说,这群幕后的编剧兼导演)展现了一种令人惊叹的、近乎魔术般的提炼能力。他们似乎拥有某种炼金术士的秘方,能够从厚重的原著中,精准地萃取出最核心的情感内核和最锋利的戏剧冲突。比如《哈姆雷特》那纠结的独白,被压缩成了一系列快速、尖锐的问答和动作,没有一秒钟的浪费,却依然能让你感受到王子的痛苦与挣扎。这就像是看了一场用闪光灯拍摄的戏剧蒙太奇,每一个画面都精准地击中你,让你在极短的时间内完成对角色的情感代入。这种处理方式,尤其适合那些对莎翁文本望而生畏的“新晋读者”,它降低了理解门槛,却意外地提高了观剧(或阅读)的刺激感。它不是在“教导”你莎士比亚,而是在“引诱”你去感受他,这是一种非常高明的策略,完全出乎我的意料。

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昨天下午在乌镇看的这一出。搞笑。有些我觉得没意思,有些比如Ophelia的超我本我的探讨很有趣(虽然是互动恶搞式的)。

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