Jazz Musicians, 1945 to the Present pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:McFarland & Co Inc Pub

作者:Dicaire, David

出品人:

页数:312

译者:

出版时间:2006-2

价格:$ 45.14

装帧:Pap

isbn号码:9780786420971

丛书系列:

图书标签:

• 爵士乐
• 音乐家
• 现代爵士
• 爵士历史
• 音乐传记
• 美国音乐
• 文化
• 艺术
• 音乐
• 20世纪音乐

《失落的和声：战后音乐的转型与实验（1945-2000）》 一部关于二十世纪下半叶音乐风景的深度考察 本书深入剖析了自第二次世界大战结束伊始，至二十世纪末这段时期全球音乐领域所经历的剧烈变革与无数次实验性的转向。我们聚焦于战后社会结构重塑、技术飞速发展以及文化身份认同探索如何共同塑造了音乐的形态、功能与听觉体验。 第一部分：战后重建与欧洲的声响景观 战后欧洲百废待兴，艺术家们亟需一种全新的语言来表达战争的创伤与对未来的迷茫。本部分首先回顾了“达姆施塔特暑期课程”的兴起，探讨了以布列瑟斯、施托克豪森为代表的作曲家如何彻底摒弃传统调性体系，拥抱“彻底序列主义”（Total Serialism）。我们详尽分析了这些早期激进主义者试图通过数学精度来重构音乐秩序的尝试，及其在美学上引发的巨大争议——究竟是解放还是新的枷锁？ 随后的章节转向了电子音乐的早期探索。从科隆的电子音乐工作室到巴黎的 GRM（具体音乐研究所），我们描绘了声音作为独立实体而非传统音高或音色的革命。本书不仅考察了皮埃尔·谢弗（Pierre Schaeffer）对“具象音乐”（Musique Concrète）理论的构建，还深入挖掘了早期磁带录音技术如何为后来的音乐制作提供了前所未有的工具，为音乐创作的边界打开了无限的可能性。特别地，我们考察了约翰·凯奇（John Cage）对随机性、非意图性和沉默的哲学性探究，如何从根本上挑战了西方音乐对“作曲家权威”的传统认知，并将“聆听”本身提升为一种核心的艺术行为。 第二部分：美国的现代主义与极简主义的崛起 跨越大西洋，美国在战后的文化土壤中催生了同样深刻但风格迥异的创新。本部分详细阐述了从欧洲传统学院派中走出的美国作曲家，如科普兰、巴伯等人在构建“美国声音”的过程中所做的努力。然而，真正的分水岭出现在对欧洲复杂性的反思之上。 我们重点分析了极简主义（Minimalism）的诞生与成熟。史蒂夫·赖希（Steve Reich）和菲利普·格拉斯（Philip Glass）如何通过过程音乐（Process Music）、相位差（Phasing）和重复单元（Repetitive Cells）的回归，创造出一种与二十世纪中叶的学院派“疏离感”截然不同的、具有冥想性和物质感的音乐。本书不仅分析了他们的音乐结构，还探讨了这些音乐如何与当时的波普艺术（Pop Art）和行为艺术（Performance Art）在精神上产生共鸣，体现了对即时体验的渴求。 此外，本书还专门开辟章节探讨了“波兰学派”的独特贡献，特别是克日什托夫·彭德雷茨基（Krzysztof Penderecki）的《广岛受难者的挽歌》，这部作品标志着对音块（Sound Mass）和高密度纹理的探索达到了一个高峰，展示了声音如何被塑造成具有巨大心理冲击力的实体。 第三部分：技术驱动的听觉革命 进入七十年代，合成器技术的成熟与数字计算能力的飞跃，彻底改变了音乐的生产和分发方式。本书详细梳理了模拟合成器（如 Moog 和 Buchla）如何从实验工具转变为流行音乐制作的核心要素。我们分析了电子音乐如何渗透到电影配乐、艺术装置以及前卫摇滚（Progressive Rock）中，模糊了“严肃音乐”与“通俗音乐”的界限。 重点关注了数字采样技术（Sampling）的出现，以及它对音乐创作的范式转移。这种技术不仅允许音乐家对现有声音进行任意重组，更催生了基于声音拼贴的全新美学。我们探讨了数字音频工作站（DAW）的早期形态如何开始赋予个人创作者前所未有的控制力，为后来的声音设计领域奠定了基础。 第四部分：跨界与身份的重塑 在二十世纪末期，音乐的“纯粹性”概念受到进一步的挑战。本部分关注于音乐流派的加速融合与身份政治在声音表达中的作用。我们考察了后现代主义思潮如何鼓励对历史进行戏仿、引用和解构，体现在诸如“新古典主义”复兴运动（如 Arvo Pärt 的极简圣乐）中。 同时，本书也探讨了特定地域和社群声音在全球化背景下的独特发展。例如，非西方音乐传统如何被引入到西方实验音乐的语境中，引发了关于文化挪用与全球对话的新辩论。我们分析了声音景观（Soundscape）理论如何从城市环境的记录转向对听众主体经验的建构，以及音乐如何在越来越碎片化的媒体环境中寻找其新的锚点。 总结：走向新千年 本书最终落脚于对二十世纪音乐遗产的评估。它并非一部简单的流派史，而是对一段充满动荡、不断自我否定的时期进行深入的哲学与技术审视。从对音高的完全解放，到对声音纹理的痴迷，再到技术对创作过程的颠覆性介入，战后五十年的音乐探索，为二十一世纪的听觉艺术留下了复杂而丰富的遗产。 通过对大量原始文献、作曲家访谈记录以及乐谱分析的细致梳理，《失落的和声》力求提供一个全面且具有批判性的视角，揭示在宏大叙事解体后，音乐如何成为人类应对复杂现代性的最敏感、最直接的媒介。

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这本书简直是本时间胶囊，把我一下子拉回了那个百花齐放的爵士乐黄金时代。作者对音乐史的把握精准得令人惊叹，尤其是在描述战后爵士乐如何从传统蓝调的桎梏中挣脱出来，走向更自由、更复杂的即兴创作时，那种细腻的笔触仿佛能让你听到萨克斯风的每一次颤音，贝斯的每一次拨弦。书中对不同流派的梳理，从硬波普的锐利到冷爵士的内敛，再到融合爵士的大胆跨界，简直是一堂生动的音乐鉴赏课。我特别欣赏作者没有仅仅停留在对著名音乐家的生平罗列上，而是深入挖掘了他们创作背后的社会文化语境。比如，他对约翰·柯川晚期精神探索的解读，就远超了一般的乐评范畴，带有一种近乎哲学的思辨色彩。那种描述，让我不得不放下书本，戴上耳机，重新去聆听那些熟悉的旋律，试图捕捉到文字中暗示的那份深沉的、难以言喻的情感张力。这本书的价值，不只在于它记录了历史，更在于它点燃了你重新爱上爵士乐的热情。

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坦白说，市面上关于爵士乐的书籍汗牛充栋，大多是老生常谈，要么过度神化了迈尔斯·戴维斯，要么将比莉·哈乐迪塑造成不朽的悲情符号。然而，这部作品的独到之处在于它对“当下”的关注。作者并没有沉湎于过去的光辉，而是花了大量篇幅去探讨那些正活跃在舞台上的新生代力量，以及他们如何在新媒体和碎片化娱乐的时代背景下，试图保持爵士乐的纯粹性与创新力。他对数字时代音乐传播对爵士乐听众群体结构影响的分析，极具洞察力，发人深省。读到这里，我不禁停下来思考，我们这些听众，是否也应该对那些不那么“出名”但同样才华横溢的音乐家给予更多的关注和支持。这本书成功地完成了一项艰巨的任务：它既尊重了爵士乐的深厚传统，又为我们指明了它尚未被完全探索的未来方向。

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这份厚重的阅读体验，远超出了我最初对“音乐史”类书籍的预期。它更像是一部细致入微的社会学田野调查报告，只不过调查对象是声音和节奏。作者对于音乐家个人生活与职业生涯交织点的描绘，尤其精准到位，让人深刻理解了为什么有些音乐家需要在极端的压力和困境中才能迸发出最伟大的创意。书中对录音技术发展如何反过来塑造了音乐风格的探讨，更是让技术宅也为之兴奋。比如，对七十年代录音室技术的革新如何催生了“爵士放克”（Jazz-Funk）这种更具攻击性和律动感的风格的详细解析，简直是教科书级别的。我反复阅读了关于某些特定专辑录制幕后的章节，那种近乎侦探小说般的细致入微，让人仿佛能闻到录音棚里旧麦克风的味道。这本书的力量在于，它让你不仅爱上音乐本身，也爱上了创造这些音乐的那些充满挣扎与热情的灵魂。

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读完这本关于当代爵士乐手的厚重大部头，我最大的感受是，它像一幅用声音织就的巨型挂毯，细节繁复，色彩斑斓，但又织就得极为精巧。作者的叙事节奏把握得非常好，时而像一个沉静的观察者，冷静地剖析某个音乐家技艺上的创新点和突破口；时而又像一个热情的同行者，带着你深入到那些烟雾缭绕的小酒吧后台，去感受演出前夕的紧张与兴奋。书中对乐器编配和和声结构的分析深入浅出，即便是对爵士乐理论知之甚少的读者，也能从中领会到其精妙之处。我尤其佩服作者在处理那些具有争议性的音乐人时所展现出的中立与尊重，没有用简单的“好”或“坏”来标签化他们的贡献，而是让事实和他们的音乐作品本身去说话。这使得整本书的论证都建立在一个坚实可靠的基础之上，而非空泛的个人偏好。它不仅仅是本参考书，更像是一份邀请函，邀请我们进入一个不断演化、拒绝停滞的音乐世界。

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这本书的排版和装帧本身就透露着一种对经典的敬畏感，那种略带磨砂质感的封面，拿到手里就感觉沉甸甸的，仿佛承载着半个世纪的音乐记忆。我原以为这会是一本枯燥的、充满术语的学术著作，但出乎意料的是，作者的文笔充满了画面感和情感张力。他在描述那些标志性的即兴段落时，用的词汇简直是文学性的巅峰——“如同火山爆发后的熔岩流淌”、“是孤独的北极光在城市上空划过的痕迹”。这种高度的文学修养，让原本可能晦涩难懂的音乐分析变得触手可及。更令人惊喜的是，作者对不同地域爵士乐派系的对比分析，展现了他广阔的视野，不仅仅局限于纽约或芝加哥的传统中心地带，而是将目光投向了欧洲和亚洲对爵士乐的本土化尝试。这让这本书的格局瞬间拉开，不再是狭隘的美国文化史，而是一部全球性的音乐对话录。

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