具体描述
Awarded both the Chicago Folklore Prize and the Simkins Prize of the Southern Historical Association
From the plaintive tunes of woe sung by exiled kings and queens of Africa to the spirited worksongs and "shouts" of freedmen, in Sinful Tunes and Spirituals Dena J. Epstein traces the course of early black folk music in all its guises.
This classic work is being reissued with a new author's preface on the silver anniversary of its original publication.
作者简介
目录信息
读后感
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用户评价
说实话，我拿起这本书的时候，心里是带着一丝不屑的。 我是一个更偏爱古典音乐结构和严谨对位法的听众，对于那些强调即兴和原始情感宣泄的音乐形式，总觉得它们在技巧层面上略显粗糙。 然而，这本书在讨论那些看似“简单”的灵歌时，所展现出的对节奏复杂性和和声潜能的洞察力，让我不得不重新审视自己的偏见。 尤其是在探讨“呼喊与回应”（Call and Response）模式时，作者巧妙地将其置于非洲音乐传统和美国奴隶制背景下进行解构，这不仅仅是音乐理论的探讨，更是一场关于权力、压迫与精神慰藉的深刻对话。 我最欣赏的是作者没有用宏大的历史叙事去压倒微小的个体情感，相反，他通过聚焦于某位不知名歌手在某个昏暗教堂里的即兴发挥，成功地放大了声音本身所承载的巨大能量。 书中描述的那种近乎失控的、却又在集体共识下被引导的情绪爆发，比任何精心编排的交响乐高潮都更具震撼力。 它提醒我，真正的艺术力量，往往源于最朴素的需求：倾诉、连接和自我救赎。 这本书的阅读体验，更像是与一位经验丰富的乐评人进行了一次深夜的、充满激情的辩论，让我对音乐的边界有了全新的认识。
评分这本书的排版和装帧设计透露出一种反主流的、近乎地下出版物的质感，这与内容的主题——那些在边缘地带生长出的、充满反叛精神的音乐——达到了奇妙的统一。 我特别喜欢作者在描述某些禁忌主题时所使用的那种近乎诗意的语言，它避开了直白的控诉，而是通过描述音乐的音色变化来暗示社会禁忌的松动。 比如，有一段文字描述了早期乡村布鲁斯中，那些关于“不可告人的欢愉”是如何被巧妙地包裹在宗教术语之下的，那种“偷食禁果”的张力，仅仅通过对低音提琴颤音的细致剖析，就被展现得淋漓尽致。 这本书的独特之处在于，它将音乐欣赏提升到了社会学和人类学的层面，每一个音符背后都有着一套复杂的社会潜规则在起作用。 我感觉自己不是在读一本音乐评论集，而是在翻阅一本关于美国南方社会心理变迁的非虚构杰作。 它的文字节奏感极强，读起来毫不费力，却又不断地在思想的深处投下石子，激起涟漪。 对于任何对美国民间音乐生态抱有好奇心的人来说，这本书提供了一个既权威又充满个人魅力的窗口。
评分我通常对那些过度“浪漫化”民间艺术的作品持保留态度，总觉得它们会过滤掉生活中的真实艰辛，只留下滤镜下的美好。 然而，这本书的叙述方式却令人耳目一新，它毫不避讳地揭示了“罪恶旋律”的创造者们所经历的赤裸裸的生存压力。 作者在分析一些“污秽”的俚语歌词时，没有采取批判或辩护的立场，而是以一种冷静到近乎冷酷的客观性，展示了这些歌词如何成为底层民众抵御饥饿和绝望的武器。 我印象最深的是关于录音技术发展对这种音乐传播的影响那一部分。 作者指出，早期唱片公司是如何系统性地将某些音乐流派标记为“Race Records”，从而在商业上进行隔离，而音乐家们又是如何利用这种隔离，反而建立起一个相对独立、不受主流文化审查的艺术生态。 这种“被排斥即是自由”的悖论，被作者阐述得极其透彻。 整本书的论证逻辑严密，引用的案例翔实，充分体现了作者深厚的田野功底，它成功地将那些被主流历史所遗忘的角落，重新照亮，并赋予了它们应有的文化重量。
评分如果用一个词来概括阅读这本书的感受，那便是“不适的愉悦”。 它的文字风格极其大胆，充满了拉丁语式的夸张和精准，如同在烈日下观看一场精心编排的街头戏剧。 作者对声音的描述具有强烈的画面感，他能够用文字重构出那种在蒸汽弥漫的地下酒吧里，萨克斯风发出的那种既甜美又充满腐朽气息的音色。 这本书不是给你提供一个轻松的背景介绍，而是强行把你拉入那个特定的时间与空间，让你去感受那种道德与欲望激烈碰撞时产生的巨大张力。 尤其是在比较那些明显受到宗教情感浸染的旋律，如何被商业化改造以迎合大众猎奇心理时，作者的笔触显得尤为犀利，充满了对艺术纯洁性被侵蚀的隐忧。 这种对商业化与艺术异化的深刻反思，超越了一般的音乐史梳理，进入了哲学思辨的范畴。 这本书迫使我直面一个问题：当我们赞美艺术的自由表达时，我们是否也必须接受其可能带来的社会冲击和道德模糊性？ 读完后，我需要时间来消化这种近乎于被“洗礼”后的复杂情绪。
评分这本所谓的“灵魂之歌”简直是一场听觉的盛宴，尽管我对此类融合了多种文化元素的音乐一直抱持着一种审慎的态度，但作者的叙事能力，或者更准确地说，是音乐选择和编排的独到之处，完全颠覆了我的固有印象。 我原本以为会是一堆矫揉造作的、试图在“罪恶”与“神圣”之间寻求廉价平衡的口水歌，但事实是，这本书（或者说这本书所引导的音乐体验）提供了一种近乎冥想式的沉浸感。 从第一页开始，那种略带粗砺却又极具穿透力的布鲁斯吉他声线就牢牢抓住了我的耳朵，仿佛能闻到密西西比三角洲泥土和汗水的味道。 特别是关于那些早期福音歌曲如何被世俗的爵士乐手“挪用”并赋予了全新的、更具反抗精神的解读这一章节，作者没有流于表面的道德评判，而是深入挖掘了这种艺术形式转变背后的社会动荡和个体挣扎。 这种对音乐流变史的梳理，不是枯燥的学术分析，而是充满了人文关怀的田野调查报告。 每一段旋律的转折、每一个和弦的忧郁，都被作者赋予了清晰而有力的时代背景，让听者不再是被动的接受者，而是成为了历史的共同经历者。 我必须承认，我之前对于这类题材的音乐理解过于肤浅，这本书像一把锋利的刻刀，将我认知中的模糊轮廓，雕刻成了清晰可辨的、充满生命力的个体形象。
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