The Rough Guide to Jazz 3 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Rough Guides

作者:Ian Carr

出品人:

页数:944

译者:

出版时间:2004-7-19

价格:USD 26.99

装帧:Paperback

isbn号码:9781843532569

丛书系列:

图书标签:

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爵士乐漫游指南：从蓝调根源到前卫实验 (The Jazz Odyssey: From Blues Roots to Avant-Garde Explorations) 一本深入探索爵士乐丰富历史、多元流派及其核心艺术精神的权威性著作。 本书篇幅宏大，内容扎实，旨在为初入爵士殿堂的新手提供清晰的入门地图，同时也为资深乐迷提供深度挖掘的参照系。我们不满足于简单的流派罗列，而是着力于剖析爵士乐作为一种独特文化现象的形成、演变及其对全球音乐格局的深远影响。 --- 第一部分：回响的源头——爵士乐的诞生与早期风貌（约 350 字） 本部分将带领读者回到二十世纪初，探寻爵士乐那熔炉般的起源地：美国南部，尤其是新奥尔良的独特文化土壤。我们详细考察了非洲节奏、欧洲和声以及美国本土音乐形式——如进行曲、拉格泰姆（Ragtime）和布鲁斯（Blues）——是如何相互碰撞、融合，最终催生出这一全新音乐语言的。 我们将聚焦于“摇摆”（Swing）的早期形态，分析早期先驱者如何通过集体即兴（Collective Improvisation）构建出新奥尔良爵士乐（New Orleans Jazz）的标志性声音。通过对巴迪·博尔登（Buddy Bolden）、弗莱明·“金牙”·马修斯（“Jelly Roll” Morton）等关键人物的生平及其音乐贡献的细致梳理，读者将理解早期爵士乐中，个人情感的直接抒发与群体律动之间的微妙平衡。我们还将探讨这种音乐如何随着“大迁徙”从南部涌向芝加哥和纽约，为下一阶段的飞速发展埋下伏笔。 第二部分：摇摆的黄金时代与大乐队的辉煌（约 400 字） 进入二十世纪三十年代，爵士乐迎来了其商业上最成功的阶段——摇摆乐时代（The Swing Era）。本章深入解析了大型管弦乐队（Big Bands）的结构、编排技巧及其在舞蹈厅中引发的社会现象。我们不仅关注汤米·多尔西（Tommy Dorsey）、格伦·米勒（Glenn Miller）等乐队领袖的组织能力，更将笔墨集中于那些定义了时代之声的萨克斯风手、小号手和颤音琴演奏家。 更重要的是，本节详尽阐述了摇摆乐中“独奏”（Solo）概念的成熟过程。艾灵顿公爵（Duke Ellington）如何将乐队变成一个不断变化的调色盘，以及科曼·霍金斯（Coleman Hawkins）和莱斯特·扬（Lester Young）在塑造个人独奏风格方面所做出的开创性努力。通过对这些伟大音乐家作品的细致分析，读者将能区分出不同乐队在和声运用、旋律构建和节奏处理上的细微差别，理解摇摆乐如何成功地将复杂的音乐思想融入大众易于接受的舞蹈节奏中。 第三部分：革命的火花——比波普的诞生与技术飞跃（约 350 字） 随着第二次世界大战的临近，一批年轻的音乐家感到摇摆乐的结构过于僵化，无法承载他们日益精进的音乐理念和对即兴演奏更深层次的追求。本部分聚焦于比波普（Bebop）的诞生，这一时期是爵士乐发展史上最具革命性的转折点之一。 查理·帕克（Charlie Parker）和迪兹·吉莱斯皮（Dizzy Gillespie）是这场技术革命的核心人物。我们将剖析他们如何通过使用更快的速度、更复杂的和声替代（Chord Substitutions）以及跳跃性的旋律线，将爵士乐从一种伴舞音乐转变为一种需要专注聆听的“艺术音乐”。本章不仅介绍了比波普复杂的乐理基础，还深入探讨了其背后的文化诉求——一种对种族平等和音乐自主权的强烈表达。此外，我们还会考察塞隆尼斯·蒙克（Thelonious Monk）对传统和声的颠覆性处理，他独特的节奏感和对钢琴的非传统运用，为后来的实验音乐铺平了道路。 第四部分：流派的细分与艺术的拓展（约 400 字） 在比波普奠定的坚实技术基础上，爵士乐开始向多个方向蓬勃发展。本部分将分章节介绍战后爵士乐的主要分支及其代表人物： 冷爵士（Cool Jazz）与西海岸声响： 探讨迈尔斯·戴维斯（Miles Davis）的早期探索，以及如何通过柔和的音色、更内敛的情感表达和受古典音乐影响的结构，在东海岸的火热风格之外开辟出一片清新的天地。 硬波普（Hard Bop）的回归与福音精神： 考察阿特·布莱基（Art Blakey）和霍拉斯·西尔弗（Horace Silver）如何将比波普的技巧与布鲁斯、福音音乐（Gospel）的原始情感重新融合，使爵士乐更接地气，更具宣泄的力量。 调式爵士（Modal Jazz）的深度探索： 重点分析迈尔斯·戴维斯《Kind of Blue》专辑的突破性意义。我们将详细解析调式即兴如何从依赖复杂的和弦进行转向依赖音阶和色彩，极大地解放了即兴家的思维空间。 自由爵士与前卫（Avant-Garde Jazz）： 最后，我们进入到最具争议和挑战性的领域。奥奈特·科尔曼（Ornette Coleman）和约翰·柯川（John Coltrane）后期的作品，如何彻底打破了传统的节奏、和声和曲式限制，将爵士乐推向纯粹的音乐自由与精神探索的前沿。 --- 结语：爵士乐的永恒对话 本书不仅记录了历史，更试图捕捉爵士乐的“呼吸”——即兴的瞬间性、对既定规则的挑战精神，以及它作为一种跨越种族与国界的普世语言的力量。通过对这些关键时刻和核心艺术家的深入解读，我们希望读者能够带着批判性的耳朵，去聆听和欣赏爵士乐这场永不停歇的、充满生命力的音乐对话。

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我一直对爵士乐与世界其他音乐流派的交叉影响非常感兴趣，比如它如何与拉美音乐（尤其是古巴和巴西的节奏）进行融合，以及在欧洲现代主义思潮影响下的某些实验性探索。我原以为“Rough Guide”系列的广度会体现在对这些国际化影响的关注上。我希望能看到关于“欧洲爵士”的专门章节，探讨欧洲音乐家如何吸收并发展出区别于美国本土风格的独特声音，或者分析例如“爵士印象”这类作品中，德彪西或拉威尔的和声是如何被爵士语言转译的。但这本书的焦点，似乎过于集中于美国本土的“正统”发展线索，对于跨文化交流的探讨，显得蜻蜓点水，缺乏深入的案例分析。这使得对于我这种希望将爵士乐置于全球音乐史背景下去理解的读者来说，这本书的视野略显狭隘。它更像是一部详尽的美国本土音乐史的速查手册，而非一部真正具有全球视野的、能够囊括所有复杂分支和影响的“指南”。最终，它未能成为我那本期望中能连接起所有音乐大陆的桥梁，而更像是一份扎实的、但局限于特定地理区域的旅游指南。

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这本书的装帧和排版确实非常“Rough Guide”的风格，便于携带和快速查阅，这一点从实用性上来说是无可挑剔的。我尝试用它来寻找一些关于融合爵士（Fusion）发展初期那些非常小众、几乎已经销声匿迹的乐队的信息，那些在七十年代初期试图将摇滚的能量与爵士的和声复杂性结合起来的先驱者们。我希望找到一些关于他们技术革新或者在特定音乐节上的历史性演出的详细记录，因为这些片段往往是理解整个音乐流派转折点的关键。结果，关于这些边缘地带的探讨，篇幅被压缩得非常有限，似乎作者的笔墨主要集中在那些已经被公认为“经典”的主流人物和流派上。这使得我对那些处于十字路口的、充满实验精神的音乐时刻的了解，依然需要依赖我过去积累的各种零散资料。坦白讲，作为一个试图构建完整爵士史图景的读者，我更希望看到的是对那些“失败的尝试”或者“未竟的事业”的探讨，因为正是这些探索失败的地方，才更能体现出主流成功的来之不易和其背后的深层原因。这本书更像是一本“安全”的指南，它为你指明了最宽阔、最安全的大道，但对于那些崎岖、布满荆棘的岔路——那些往往孕育着真正革命性创新的地方——它提供的照明却略显不足。

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我手里拿着的这本指南，它的“导览”性质实在太强了，仿佛我拿着的不是一本音乐史著作，而是一本针对初学者的“速成手册”。我对爵士乐里那种即兴创作的“瞬间性”和“不可复制性”有着近乎痴迷的兴趣。我热切期盼书中能有专门的章节，用更具音乐理论深度的语言，去剖析某些传奇独奏的结构——比如，某个乐手是如何在短短的十六小节内完成一个从主题到变奏再到总结的完整叙事弧线的。我希望看到对和弦替代、音阶选择以及节奏驱动力的深入剖析，这些是构成即兴艺术灵魂的东西。但这本书在涉及这些技术细节时，总是非常谨慎，多以描述性的语言代替了分析性的语言。例如，当提到特定乐手的音色时，多用“温暖”、“明亮”或“尖锐”来形容，而非深入探讨他们是如何通过调整演奏力度、口腔形状或者使用特定齿音来达到这种效果的。这使得对于那些想从聆听者升级为更懂得欣赏其技艺的听众来说，这本书提供的帮助是有限的。它能告诉你谁是重要的，但未能详尽地解释他们“如何”做到重要的。这种表面的介绍，对于一个沉浸于爵士乐世界多年的人来说，无疑是隔靴搔痒。

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翻开这本新近购入的爵士乐指南，我心里是充满期待的。最近迷上了五十年代的冷爵士，尤其是迈尔斯·戴维斯那段时期的作品，总觉得光听唱片还不够过瘾，希望能有一本权威的书籍能帮我梳理一下那些错综复杂的音乐脉络。我原本以为这本“Rough Guide”系列的最新版本能为我提供深入的背景知识，比如关于比波普如何演变为酷派爵士的详细音乐分析，或者对特定乐手在不同录音棚里风格转变的细致考察。然而，当我仔细翻阅目录和前几章时，那种期待感却逐渐被一种淡淡的失落取代。我发现书中对早期新奥尔良爵士的介绍显得过于泛泛，像是教科书里被简化过的摘要，缺乏那种真正深入挖掘历史尘埃的味道。我特别想了解早期布鲁斯对爵士乐结构影响的具体和声细节，或者某些地方性乐团在特定社会背景下的兴衰史，但这些内容似乎被一笔带过了，取而代之的是大量的唱片推荐清单，虽然清单本身很有价值，但对于一个渴望探究“为什么”而不是仅仅满足于“是什么”的听众来说，深度显然不够。我本期望能读到关于特定乐器流派演变的宏大叙事，比如萨克斯风手们如何通过音色和颤音来表达情感的进化史，但这本书给我的感觉更像是一本高效的旅行手册，告诉你哪些景点值得去，却很少告诉你那些景点背后隐藏的、复杂的历史故事和艺术哲学。它的结构清晰，但作为一本深入研究的书籍，它的分析深度，老实说，未能完全满足一个资深乐迷的求知欲。

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说实话，购买这本指南，我还有一个主要目的是想了解特定城市——比如芝加哥或者堪萨斯城——在爵士乐发展史上的独特文化和社会背景是如何渗透到其音乐形态中的。爵士乐的根基深植于美国特定的历史和社会土壤，尤其是种族隔离、城市迁移和夜生活的繁荣。我期待看到那些城市特有的酒吧文化、乐手间的非正式交流以及地方性音乐赞助人对特定风格形成的关键影响。我希望找到关于不同城市派系之间的竞争与合作的生动叙述，那种充满人情味的、真实的“江湖故事”。然而，这本书的地理描述部分，除了列出一些重要的历史演出地点名称外，缺乏对这些地点背后社会生态的描绘。它成功地标注了“哪里有音乐”，但没能深入描绘“音乐是如何在那里诞生的”。这种缺乏社会学视角的处理，使得爵士乐的演变似乎脱离了真实的人类活动和环境的制约，变成了一种纯粹的、脱水的艺术形式展示。爵士乐的魅力很大一部分来源于它的“场域性”，而这本书在这方面的缺席，让整体的阅读体验显得单薄和概念化。

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