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出版者:Gale Group

作者:Dearling, Robert (EDT)

出品人:

页数:240

译者:

出版时间:

价格:100

装帧:HRD

isbn号码:9780028646671

丛书系列:

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• World Music

弦音之境：世界乐器图鉴与技艺探秘 一本带领读者穿越时空，探索地球上最迷人、最多元的声学造物的深度导览。 导言：声音的物质形态与文化的载体 本书并非对乐器分类学的简单罗列，而是一次深入文化、历史、工程学和人类创造力的广阔考察。我们相信，每一件乐器都是其诞生地环境、社会结构和美学追求的物质化体现。从古老的骨笛到复杂的电子合成器，乐器是人类将抽象情感转化为可感知振动的最直接工具。 本卷将聚焦于那些在世界各地历史长河中留下了深刻印记，但未被主流音乐史过度聚焦的乐器家族，探究它们的结构奥秘、演奏哲学以及它们如何塑造了地方音乐的灵魂。 --- 第一部分：非欧体系的振动世界——亚洲的独特声学遗产 聚焦：东亚、南亚及中亚的弓弦与膜鸣乐器 第一章：丝绸之路上的共鸣：中亚的弦音脉络 中亚地区——横跨欧亚大陆的十字路口——孕育了大量融合了游牧文化与定居文明特点的乐器。我们避开对二胡、古筝等广为人知乐器的详述，转而深入研究： 独他尔（Dutar）的变体与地方风格： 重点考察维吾尔族、哈萨克族及其周边部落对这种双弦拨弦乐器的地域性改良。分析其品位系统（如果存在）与西方十二平均律的差异，以及在长调吟唱（如木卡姆）中如何实现细微的音高变化。 热巴（Dap/Daf）家族的击打深度： 探讨从里弗（Riq）到大型框架鼓（Daf）的演变。分析不同地区（如乌兹别克斯坦与塔吉克斯坦）对鼓皮材质（山羊皮、鱼皮）和环形装饰（金属环、小钹）选择对音色带来的本质性影响，及其在叙事音乐中的作用。 热奈（Rabab/Rubab）的木质心跳： 细致解剖阿富汗和塔吉克斯坦热奈的制作工艺，特别是其共鸣箱的雕刻深度和对共鸣弦（Sympathetic Strings）的布局哲学，这直接决定了其“嗡鸣”的音质。 第二章：南亚的呼吸与泥土：印度次大陆的非古典体系 南亚音乐宝库浩瀚，我们侧重于被传统“七音体系”略微边缘化的乐器及其在民间信仰与仪式中的应用。 拉瓦纳哈他（Ravanahatha）的古老弧线： 追溯这种古老弓弦乐器的起源传说，分析其独特的琴弓设计（通常带有铃铛或饰物）如何将节奏元素融入到旋律演奏中，这与更复杂的西塔琴体系形成了鲜明对比。 多样的风笛家族： 深入探讨印度本土的簧管乐器，如马图里（Mathuri）或巴格派普（Bagpipe）的本土变体。关注它们的吹嘴设计、气囊的形状对持续音（Drone）稳定性的影响，以及它们在婚礼、节日中的象征意义。 喉音打击乐器（Vocal Percussion）： 并非鼓，而是人类身体的延伸。考察南印度民间对“口技打击乐”的精细化运用，如何模仿复杂节奏乐器的音色，以及它们在即兴戏剧表演中的不可替代性。 --- 第二部分：欧洲的边缘与实验——被遗忘的机械与簧片 聚焦：17世纪至20世纪早期欧洲的“不成功”或“小众化”乐器工程 第三章：键盘的机械迷宫：复杂传动装置的探索 在钢琴和管风琴的阴影下，存在着大量精巧但因成本或技术瓶颈而未能普及的键盘乐器。 古钢琴的孪生兄弟——哈普西科德的近亲： 详细分析大键琴（Harpsichord）的“拨弦”机制与翼琴（Clavicytherium，立式大键琴）和扬琴（Dulcimer）的拨弦变体之间的结构性区别。探讨其在18世纪“品味转变”中所面临的挑战。 自动演奏器的机械逻辑： 考察19世纪末期，纸卷（Music Rolls）如何驱动复杂的机械装置，如自动钢琴（Player Piano）的内部气动系统。分析其与现代数字控制在信息编码上的异同。 齿轮与簧片的结合： 专题研究早期的“自动风琴”（Barrel Organ）或“音乐盒”（Music Box）中，精密的木制或金属齿轮如何触发簧片发声。这不仅仅是音乐，更是微型机械工程的典范。 第四章：管乐器的结构变异与空气动力学 木管和铜管乐器在标准化之前，经历了漫长且充满地方色彩的演化过程。 克拉里内特（Clarinet）的家族分化： 聚焦于单簧管家族中已基本消失的成员，如“中音单簧管”（Alto Clarinet）或“皮克洛单簧管”（Piccolo Clarinet）在19世纪不同制造商手中的早期原型设计。分析它们的音孔布局和按键系统的差异，以及这些差异如何影响了早期的管弦乐配器法。 低音铜管的“螺旋”挑战： 考察早期萨克斯风（Saxophone）的兄弟乐器——如某些大型“科尼特”（Cornett）或早期“沃赫菲霍恩”（Wag-horn）的设计。研究早期卷管工程师如何在不依赖现代阀门系统的情况下，通过增加弯曲和复杂的滑管来改变音高。 民族风笛的共鸣箱优化： 离开苏格兰风笛，转向如爱尔兰风笛（Uilleann Pipes）中的“调节袋”（Regulator）的复杂性。分析这些附加的、可演奏的音管是如何被演奏者通过手肘或侧臂精确控制，以实现和弦伴奏的。 --- 第三部分：非洲与美洲的自然回响——材料与仪式的融合 聚焦：有机材料的运用与仪式音乐的媒介 第五章：中美洲的陶土之声：复杂的气流控制 中美洲（特别是前哥伦布时期及其后的土著音乐）的陶土乐器制作，是人类对空气动力学理解的早期体现。 陶土哨与“哭泣的”音色： 详细分析玛雅和阿兹特克文明中发现的陶土哨（Ocarina）的内部腔室设计如何产生颤音（Vibrato）或“水声”效果。这不是通过振膜，而是通过精确控制的空气阻力实现。 仪式性的共振： 研究安第斯山脉地区使用的“排箫”（Siku/Zampoña）如何成对或成组演奏（Hocketing），探讨其音高序列与当地历法或天文学观测之间的潜在联系。 天然材料的共鸣： 考察使用葫芦（Gourd）作为音箱的打击乐器（如Maracas的原型），分析不同干燥程度和内部填充物（种子、石头、珠子）如何影响其高频和低频的衰减率。 第六章：西非的木制智慧：节奏的“计算” 西非是复杂节奏文化的中心，其乐器设计直接服务于多层级的鼓点结构。 卡林巴（Kalimba/Mbira）的调音哲学： 深入探讨姆比拉（Mbira，或称拇指琴）的金属簧片是如何被手工打磨、弯曲或加重的。分析不同部族（如绍纳人）对“高音簧片”与“低音簧片”的调音方式，以实现“强音区”和“弱音区”的交织，而非简单的旋律线条。 木琴的“火焰”音色： 避开马林巴（Marimba），聚焦于非洲木琴（如Xylophone的早期形式）的音板。研究其下方的谐振管（Resonator Tubes）为何常常会故意“遮盖”或“打开”，以产生一种特定的、带有攻击性的“嘶哑”音色，这在西方木琴中是极力避免的。 口弦乐器的面部共鸣： 探讨如“尼蒂”（Niti，或称Jew’s Harp）在不同文化背景下（如某些西非部落）如何被用于模仿人声、动物叫声，以及演奏者如何通过改变口腔形状来调制泛音列，实现“说话”的效果。 --- 结论：跨文化的声学对话 本书的最终目标是打破对“标准乐器”的刻板印象，揭示隐藏在宏大交响乐背后的，是无数工匠、音乐家和创新者对振动、空气和材料潜能的持续探索。从北纬60度的冰冷木材到赤道雨林的湿热葫芦，每一种乐器都在讲述一个关于生存、信仰和连接的故事。

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总而言之，我为拥有这样一本详尽的、近乎百科全书式的乐器指南感到无比满足。与其他同类书籍相比，这本书最突出的优点在于其跨学科的融合能力。它不仅仅是关于乐器的物理构造，更是一部关于人类社会如何通过声音来表达情感和构建文化的史册。例如，在介绍到特定宗教仪式中使用的法器时，作者细致地分析了这些乐器在特定仪式中的“功能性”——它们的声音频率如何影响参与者的精神状态，以及它们在仪式流程中扮演的角色。这种将声音、材料、文化、历史紧密编织在一起的写作手法，使得阅读体验极为丰富。它促使读者思考：乐器不仅仅是制造声音的工具，它们本身就是特定文明留下的有形的历史遗物。我甚至开始计划，下一次参观博物馆时，我不再仅仅是走马观花地看展品，而是会带着这本书中对乐器细节的认知，去进行一场更有深度、更有针对性的“对话”。这无疑是我近年来购得的最有价值的专业参考书之一。

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这本书简直是音乐发烧友的福音！我花了整整一个下午才勉强翻阅了其中前三分之一的内容，但即便如此，我已经深深被其广博的知识和精美的插图所震撼。首先，我得说，这本书的装帧设计就体现了出版者的用心良苦，厚实精良的纸张拿在手里就有种“重量感”，仿佛捧着的是一个知识的宝库。内容上，它似乎涵盖了人类历史上所有能被称之为“乐器”的物件，从我们耳熟能详的钢琴、小提琴，到那些深藏于文化角落、名字我都从未听过的部落打击乐器，无一不被细致地记录了下来。更令人赞叹的是，它没有仅仅停留在罗列乐器名称的层面，而是深入挖掘了每种乐器背后的文化渊源、制作工艺，甚至是如何在不同历史时期被使用的详细案例。比如，关于巴洛克时期管风琴的构造分析，那段描述详细到让我感觉自己像个学徒般亲手触摸到了那些复杂的机械装置。对于想要深入了解乐器演变历程，而不是走马观花看个热闹的读者来说，这绝对是案头必备的参考书，翻阅过程中充满了探索的乐趣。

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我原本以为这会是一本偏向于学术研究的工具书，可能阅读起来会比较枯燥乏味，但事实完全出乎我的意料。这本书的叙事方式非常巧妙，它将枯燥的乐器分类学和历史考据，巧妙地融入到了一系列引人入胜的故事叙述中。作者显然不是一位单纯的乐器制作师或博物馆策展人，他/她更像一位技艺高超的“音乐考古学家”。比如，在探讨弓弦乐器的发展时，作者并没有直接给出图表，而是通过描述中世纪吟游诗人在不同宫廷中如何更换不同形制的鲁特琴以适应当地听众的口味，来侧面烘托出乐器形制变化的内在驱动力。这种“讲故事”的手法，让那些原本晦涩的声学原理和材料科学知识变得鲜活起来。我尤其喜欢其中关于“失落的音色”的章节，里面探讨了几种因技术进步或文化变迁而逐渐被现代乐器取代的古老音色，阅读时总有一种穿越时空的错觉，仿佛能听到那些已经消逝在历史长河中的旋律。这本书的价值，远超出了一个“百科全书”的范畴，它更像是一部关于人类创造力和听觉历史的史诗。

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这本书的厚度和内容量着实令人敬畏，我目前还在第二部分——“空气动力学与管乐器”的章节中挣扎，但已经能感受到其内容的深度和广度。我特别关注了其中对古代吹奏乐器中“气流控制”的讨论，书中不仅描述了现代乐器演奏家使用的呼吸技巧，还引述了大量古代文献中对“气息”和“精神”统一的描述，试图还原当时的演奏状态。然而，我必须指出，正因为其内容的包罗万象和深入骨髓，使得这本书的阅读门槛设置得非常高。它不是那种可以轻松拿在手里随便翻阅消遣的读物。如果你对乐器学、材料科学或音乐人类学没有起码的背景知识，许多术语和复杂的物理概念可能会让你感到有些吃力。我常常需要一边查阅网络词典，一边对照着书中的图解才能勉强跟上作者的思路。但这同时也印证了这本书的价值——它是在服务于那些真正愿意为知识投入时间和精力的严肃学习者，而不是那些只求一知半解的普通读者。

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说实话，我是在一个相对偶然的机会下接触到这本书的，当时只是想找本关于民族乐器的快速参考指南，没想到却陷进了一个深不见底的知识海洋。这本书的排版布局可以说是教科书级别的典范，每一次我试图快速查找某个特定乐器的信息时，总会被旁边配有的高质量、高分辨率的黑白或彩色图片吸引住，从而不得不放慢速度，细细品味那些细节。比如，对于不同地区制作的木制打击乐器，书中对于木材纹理、榫卯结构的微小差异都有细致入微的对比图示，这对于我们这些业余爱好者来说，提供了极高的视觉参考价值。更值得称赞的是，它对乐器的分类逻辑，似乎跳脱了传统的“键盘、弦乐、管乐”的简单划分，而是根据其发声原理的根本差异来构建体系，这种全新的结构对我理解乐器家族间的内在联系起到了巨大的启发作用。我敢肯定，即便是专业的音乐学院学生，也会发现这本书中隐藏着许多课本上未曾提及的、更具实操性的知识点，比如不同气候条件下乐器材料的热胀冷缩对音准的影响等。

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