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拿起这本书时，我的脑子里是飞扬的吉他独奏和充满故事性的歌词，是对加拿大音乐界那种特有的、介于英美主流和法式浪漫之间的独特气质的探寻。而《Canadian Music》这本书带给我的，却是一场关于“音乐产业的监管环境如何塑造了艺术表达的边界”的长篇论述。它几乎完全回避了对音乐作品本身的欣赏和分析，转而将焦点放在了加拿大广播电视和电信委员会（CRTC）在不同年代如何制定配额制度，以及这些政策如何间接影响了独立厂牌的生存空间。我理解政策对文化发展的重要性，但如果我打开一本音乐史，期待的是贝斯线的律动和鼓点的冲击力，却读到了关于“频谱分配公平性”的冗长报告，那感觉就像去电影院看科幻大片，结果放映的却是电影的财务报表。书中有大量的篇幅都在讨论政府补贴和税收减免对独立音乐人的影响，这些内容虽然信息量巨大，但对于普通读者来说，枯燥得如同阅读电话黄页。作者似乎坚信，理解了加拿大的音乐产业结构，就等同于理解了加拿大音乐本身。这种“骨架大于血肉”的叙事策略，让我始终无法与书中的任何一个音乐家产生情感上的连接。我需要的是旋律，是汗水，是那些在寒冷夜晚里点燃激情的现场，而不是一份关于版权税法的学术论文摘要。
评分我不得不承认，这本书的装帧设计非常精美，封面那淡雅的枫叶纹理，让人心生对那片广袤土地上音乐故事的向往。然而，一旦翻开内页，那感觉就像走进一家顶级咖啡馆，却发现他们只提供一种——深度烘焙、味道浓烈到能熏黑你的味蕾的——特制饮品。我原本对加拿大音乐的理解，是那种跨越乡村、民谣和冰球场背景音乐的多元光谱，但这本书似乎完全聚焦于一个我闻所未闻的“魁北克后民谣室内乐复兴运动”。作者对这个特定流派的痴迷达到了令人发指的地步，他用那种近乎布道者的语气，详细描述了如何将传统法式香颂的旋律框架，与现代极简主义作曲的手法相结合，以表达“在双语文化夹缝中求生存的身份焦虑”。老天，我只想知道金斯顿帮（The Tragically Hip）的歌词到底有什么玄机，或者布莱恩·亚当斯那标志性的沙哑嗓音是如何炼成的。这本书里，这些加拿大流行文化的图腾式人物，要么被轻描淡写地一笔带过，要么被塑造成一种需要被“超越”的过时符号。我对书中大篇幅引用法语诗歌和哲学论断感到无所适从，这些内容完全淹没了任何可能出现的音乐性讨论。说实话，读完一半，我感觉自己更像是上了一堂法语文学选修课，而不是在探索一个国家的音乐脉络。我希望作者能把对某个不知名大提琴家的内心世界的挖掘，分一半给对戈迪·麦克莱恩（Goldie Hawn's husband? Wait, no, that's not right...）那段时期的摇滚乐的客观描述上。这根本不是一本关于“加拿大音乐”的书，它更像是一份关于某个小众艺术团体内部宣言的汇编。
评分这本书最大的问题在于其叙事视角的高度“去中心化”。它刻意地避开了任何可能被视为“主流”或“成功”的音乐范例，选择了一条极其迂回、充满学术后设反思的小路。我原本以为，至少会有一章专门介绍加拿大在嘻哈音乐领域的崛起，毕竟像德雷克这样的全球现象级人物就出自多伦多。然而，嘻哈文化在书中的出现，是被放在一个关于“后殖民语境下城市青年身份的非西方表达”的章节里，而且仅用不到五页的篇幅，将其作为一种边缘现象进行概念化处理，随后便转向了对某个原住民部落的吟游诗人传统音乐的细致考证。这种处理方式，让我感觉作者是在刻意地规避任何可能沾染上“商业化”色彩的音乐元素。阅读过程中，我不断地在寻找那些熟悉的、能让我产生共鸣的节奏和声音，但得到的却是一连串生僻的专有名词和复杂的理论框架。这本书更像是一面打磨得极其光滑但冰冷无比的镜子，它反射出的是加拿大音乐研究领域中某些学者的理论偏好，而不是这个国家音乐文化多样性和生命力的全貌。它对音乐的热情，似乎完全被对学术精确性的追求所吞噬，最终留下的是一本理论上滴水不漏，但在情感和娱乐性上近乎真空的作品。
评分这本书，老实说，我本来是冲着“加拿大音乐”这个主题来的，心里期待着能翻开一页页关于尼尔·杨、乔妮·米切尔或者范海迪这些巨星的深度剖析。结果呢？我拿到的这本《Canadian Music》，简直就是一场华丽的误导。它开篇就用一种极其学术化、近乎于人类学田野调查的口吻，开始探讨北美原住民的传统歌谣在现代流行文化中的“符号学意义”，我承认这很有深度，但我一个只想听听“The Band”的蓝调根源的乐迷，读到第三章时几乎要昏厥过去。作者似乎对主流摇滚乐怀有一种近乎蔑视的态度，将大部分篇幅放在了对上世纪七十年代多伦多地下实验电子音乐场景的记录上，那些名字——“Astro-Flux Drones”、“The Algorithmic Choir”——对我来说，比冰雪消融时的苔原还要陌生。更让人抓狂的是，书中对音乐的分析，动辄扯到后结构主义的解构理论，试图从加拿大音乐的“边缘性”中找出某种抵抗宏大叙事的哲学内核。我理解学术研究的严谨性，但当书名明确指向“Music”时，我希望能读到对和弦进行、编曲技巧或者录音美学的探讨，而不是长达五十页对一个晦涩的、只发行了五十张黑胶唱片的先锋音乐团体的“存在主义困境”的剖析。这本书的阅读体验，就像被邀请参加一场盛大的音乐节，结果却发现舞台上放着一台老式收音机，里面只播放着白噪音。我只能说，如果你想写一篇关于加拿大文化身份认同的博士论文，这本书或许是金矿，但如果你只是想找点好听的音乐来打发时间，请务必避开它，这绝对不是我期待的那种“Canadian Music”指南。
评分阅读这本书的体验，就像是坐上了一辆开往温哥华的列车，但司机坚持要绕道去阿拉斯加看冰川，而且中途还停下来让乘客们集体参加一个关于“数字时代音乐版权的伦理困境”的研讨会。这本书的内容分布极度不平衡，简直像一个被严重偏袒的孩子的成绩单。我必须承认，我对它在描写“加拿大古典音乐的演变”这部分时所展现出的扎实研究功底表示敬佩，那些对二十世纪初多伦多交响乐团财政危机和作曲家委员会制度的细致梳理，细节丰富到令人发指。然而，当涉及那些真正能让大众感到亲切的音乐类型时，比如从卡尔加里走出来的乡村摇滚，或者温尼伯蓝调复兴的火花，作者的态度是敷衍且充满傲慢的。他用一两页的篇幅概括了整个加拿大乡村音乐史，将其斥为“迎合美国中西部审美趣味的文化投射”，然后立即转入对一个只在多伦多大学校园内流传的“基于模块化合成器的声音雕塑”的深入剖析。这种选择性失明的写作方式，让我对作者的公信力产生了巨大的怀疑。如果一本关于“加拿大音乐”的书，对像“The Guess Who”这样具有时代意义的乐队的提及少于对某个小众音乐节的志愿者招募流程的描写，那么这本书的定位显然是出了问题。它更像是一本为特定精英圈子撰写的内部参考资料，而不是一本面向更广泛爱好者的音乐读物。
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