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出版者:Bookworld Services

作者:Turner, Gary

出品人:

页数:112

译者:

出版时间:2002-1

价格:$ 33.84

装帧:Pap

isbn号码:9780959540444

丛书系列:

图书标签:

• 贝斯吉他
• 低音吉他
• 音乐教学
• 进阶
• 技巧
• 乐理
• 练习
• 渐进式学习
• 音乐
• 吉他

探索贝斯演奏的广阔天地：一部聚焦现代律动与创新技法的贝斯教程 本书旨在为贝斯演奏者提供一条清晰、深入的学习路径，专注于构建扎实的音乐理论基础，并将其巧妙地融入到现代贝斯演奏的语境之中。我们不局限于传统的指法和和声框架，而是鼓励学习者发展出独特的音乐思维和适应能力，以应对日益多样化的音乐风格需求。 第一部分：重塑基础——从原子到分子 本部分着重于将看似枯燥的基本功训练转化为富有音乐性的实践。我们摒弃了单纯的“爬格子”练习，转而采用基于声学原理和听觉感知的练习方法。 1. 音高的精确控制与听觉训练： 内在调音系统（The Internal Tuner）： 详细阐述如何训练耳朵对半音、全音乃至微小音程的精确辨识能力。我们引入了“模态对比听觉练习”，要求学习者不仅能听出音高，还能迅速识别其在特定调式（如多利亚、弗里吉亚、利迪亚）中的功能性差异。 指板的几何学与人体工程学： 深入剖析如何根据个人手臂长度和手掌宽度，设计最省力、最快速的指位布局。探讨“指位跨度优化”，确保在低把位和高把位之间切换时，手部肌肉张力保持恒定。这部分将配有详细的手部姿态解剖图谱，强调关节的自然放松状态。 2. 节奏感的深度挖掘与脉冲塑造： 亚节奏的建构（Sub-Rhythmic Architecture）： 贝斯手的核心职能是定义律动。本章超越了对四分音符的简单划分，聚焦于十六分音符内部的“呼吸感”和“驱动力”。引入“多层对位节奏练习”，即左右手分别执行不同的、但相互支撑的细微节奏型，培养演奏者对时间流逝的精确掌控，而非仅仅依赖节拍器。 律动的“重量”与“密度”： 讨论如何通过拨弦（或击弦）的力度和触弦深度，来改变一个音符在整体节奏结构中所占据的“感觉重量”。例如，如何演奏出一种既稳定又略带“推拉感”的摇摆律动，这是爵士乐和放克音乐中至关重要的元素。 第二部分：和声的叙事性应用——超越根音 本部分将贝斯手的角色从简单的“根音填充者”提升为“和声导向者”。 1. 扩展和声词汇库与功能性理解： 色彩音的精确植入： 详细解析九音、十一音、十三音（特别是11和b13）在不同和弦结构中的具体音色贡献。我们不只是罗列这些音符，而是提供“和声语境转换练习”——例如，如何在C大七和弦上演奏一个D音（九音），然后立即无缝过渡到一个Dm7和弦上的C音（七音），体会音色上的对比与连接。 替代和弦的实用化： 探讨如何将三全音替代、降五级和弦（bV7）等复杂概念，转化为在现场演奏中可以自然流露的演奏片段。重点在于“功能性映射”，即理解替代和弦如何解决或引导向下一个核心和弦。 2. 旋律思维在贝斯上的体现： “线索式”演奏（Lining）： 学习如何构建富有逻辑和动机的贝斯线，使其不仅是和声的支撑，更是旋律的对话者。这包括如何提取主旋律中的动机元素，并将其转化为低音线条的“回声”或“反问”。 填充（Fills）的艺术与节制： 区分“噪音填充”与“结构性填充”。提供一系列“空间管理练习”，教导演奏者如何精准地利用小休止符和弱拍，在不破坏律动核心的前提下，插入具有音乐意义的短小乐句。 第三部分：风格化的深度渗透与技巧的整合 本部分将理论与技术紧密结合，针对不同音乐流派进行专项剖析。 1. 现代放克与节奏律动的精微之处： 敲击与推弦（Slap & Pop）的声学优化： 深入分析击弦和拨弦的力度曲线，讲解如何通过调整击弦角度，获得更短的衰减时间（Decay Time），以实现那种“短促、有力”的放克音色。引入“双重同步训练”，要求左右手在速度上实现完全一致的爆发力。 指勾（Thumbing）的动态控制： 针对降弦技术，详细解析如何使用指甲边缘的不同部位来拨动琴弦，以产生从柔和的“闷音”到锐利的“断音”之间的细微差别。 2. 爵士乐的即兴与Walking Bass的演变： “驱动力”的生成： 探讨Walking Bass中“音符选择”与“节奏密度”的关系。分析在4/4拍中，如何巧妙地在强拍上保持清晰的根音，而在弱拍上利用经过音和延伸音来制造行进感。 和声的动态变迁： 结合“二次和声进行”的概念，教授如何在一首标准曲中，即兴地将简单的七和弦扩展为九和弦甚至十三和弦，而无需牺牲行进的连贯性。 3. 融合与探索： 低音效果器的声场设计： 不仅教授如何使用压缩、失真，更侧重于如何利用调制效果（如合唱、镶边）来创造“低音的立体感”，使其在乐队中占据一个独特的声频位置，而非仅仅是与低音吉他声部重叠。 适应性演奏： 训练在没有预先排练的情况下，根据吉他手或键盘手的即兴走势，迅速调整自己的和声色彩和节奏密度。这要求对听觉输入进行“毫秒级解析”的能力。 本书的最终目标是培养一位能够独立思考、具备出色听觉分辨力、并能为任何音乐情境提供最佳低音解决方案的贝斯手。它强调实践中的创造性，而非机械的模仿。

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我必须承认，我是一个对理论总是感到头疼的乐手，很多教材里的乐理部分对我来说简直是天书。然而，这本书在处理复杂乐理概念时的巧妙手法，彻底颠覆了我的看法。它没有堆砌冗长拗口的术语，而是大量运用了类比和情景化的教学方式。比如，当讲解到和声进行对贝斯线的影响时，作者没有直接扔出一大堆和弦图，而是将其比喻成“建筑物的地基和承重墙”，清晰地说明了贝斯在乐队结构中扮演的支撑角色。更有甚者，它还引入了一些非音乐领域的思维模型来辅助理解，比如运用了类似“数据流”的概念来解释琶音的行进路线。这种跨学科的思维方式，让我这个理论小白也能轻松抓住核心要义。我特别喜欢其中关于“音色塑造”的一章，它深入探讨了不同拨弦方式（指弹、拨片、拇指拨弦）在不同音色偏好下的细微差别，并提供了详尽的音频描述（虽然我没有配套的音频，但文字描述已经足够生动）。这本书的深度在于，它让你从一个“演奏者”的身份，提升到了一个“音乐构建者”的层次。

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这本吉他教材的封面设计简直是艺术品，那种深邃的蓝色调和充满力量感的字体排版，一下子就抓住了我的眼球。我通常对那些看起来过于“教科书”的教材敬而远之，但这本书的视觉呈现完全打破了我的固有印象。刚翻开目录，我就被它逻辑严谨的结构吸引了。它没有急于展示那些华丽的速弹技巧，而是从最基础的音阶理论和指板几何入手，用一种近乎考古学家的耐心，解构了贝斯演奏的底层逻辑。作者显然不是那种只会炫技的演奏家，他更像一位哲学家，引导读者去思考“为什么”我们要这么按弦，而不是简单地“怎么”按。特别是关于律动（Groove）的部分，书中用了大量的图表和慢速示范的文字描述，力求让读者理解节奏的“重量感”和“空间感”，而不是仅仅停留在节拍器上的精确度。我花了整整一个星期的时间来消化前三章的指法练习，这些练习看似简单，实则对左右手的协调性和持久力有着近乎变态的要求。它迫使你慢下来，去感受每一个音符在指板上的生命力。这本书绝对不是那种能让你一蹴而就学会弹奏的速成手册，它是一份需要你投入时间和汗水的长期承诺，但回报是扎实到可以支撑你未来十年发展的演奏根基。

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坦白说，这本书的装帧质量非常高，纸张厚实，不易反光，长时间阅读眼睛也不会感到疲劳，这在学习材料中是难得的优点。更重要的是，它的排版非常注重“可读性”和“实用性”的统一。那些复杂的指法图和扫弦图，都采用了清晰的分层设计，即便是初次接触复杂技术的人也能快速定位到重点。我尤其欣赏作者在章节末尾设置的“反思与应用”环节，它不是简单的习题，而是一些开放性的音乐创作提示。比如，它会引导你去尝试用三种不同的音色去演奏同一个简单的四小节贝斯线，并记录下你的感受，这种引导式的自我发现过程，比死记硬背有效得多。这本书的哲学似乎是：最好的老师是你自己，我只是提供地图和指南针。它鼓励读者走出书本，去主动探索音乐世界，而不是仅仅做一个被动接受知识的容器。这本书的价值，已经远远超出了单纯的贝斯技巧教学范畴，它更像是一本关于如何更深入、更智慧地理解音乐的指南。

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我最欣赏这本书的一点是它对于“节奏的弹性”的执着。如今的教学大多过度强调“精准打击”，仿佛贝斯手就是一台永不犯错的节拍器。但这本书却花费了大量篇幅去探讨“推”与“拉”（pushing and pulling）的微妙艺术。作者通过详细的波形图和节奏感悟练习，教导读者如何让自己的演奏在保持整体稳定的前提下，拥有如同人类呼吸般自然起伏的律动。这对于我这种偏爱摇滚乐和布鲁斯风格的乐手来说，尤为重要，因为这些音乐风格的灵魂恰恰在于那种略带慵懒或张力的不完美。书中列举了许多不同年代大师的演奏片段进行对比分析，对比的是同一个音符在不同演奏者手中是如何被赋予情感色彩的。这种细致入微的分析，让我意识到，技术是基础，但表达才是目的。它提醒我，贝斯不仅是节奏乐器，更是旋律和和声的桥梁，其“声音的形状”同样重要。

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作为一名已经摸索了五年贝斯的业余爱好者，我一直在寻找那种能帮我突破“瓶颈期”的材料，市面上那些针对初学者的教材对我来说已经不够用了，而那些面向专业人士的乐谱又过于晦涩。这本书恰好填补了这一空白。它对不同音乐风格（比如放克、爵士、融合布鲁斯）的贝斯语汇进行了细致的风格化解构。比如，在分析放克乐的切分音时，它不仅仅是指出在哪里停顿，而是深入挖掘了这种停顿背后的“呼吸感”和“能量释放点”。它甚至提供了一些非常实用的“故障排除”指南，比如当你感觉自己的演奏“听起来很干涩”或“节奏不稳定”时，可以对照检查的十个关键点。这体现了作者丰富的舞台经验和教学智慧。这本书更像是一位经验丰富的老乐手在耳边给你点拨，而不是冷冰冰的文本。读到后期，我甚至开始反思自己过去的一些演奏习惯，并尝试用作者推荐的新视角去重构我的练习流程。对于那些渴望在技术和音乐性之间找到平衡点的中级学习者来说，这本书简直是无价之宝。

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