Technique of the Saxophone - Volume 2 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Hal Leonard Corp

作者:Viola, Joseph

出品人:

页数:176

译者:

出版时间:1986-11

价格:$ 22.54

装帧:Pap

isbn号码:9780793554126

丛书系列:

图书标签:

• 萨克斯管
• 乐器教材
• 音乐教育
• 演奏技巧
• 进阶
• 音阶练习
• 乐理知识
• 呼吸控制
• 指法
• 音乐学习

经典爵士乐改编精选集：中高级萨克斯演奏家的试炼与探索 丛书名称： 爵士乐大师系列：经典曲目深度改编与演奏技巧精进 目标读者： 具备中级至高级萨克斯演奏水平，渴望深入理解和实践经典爵士乐作品的音乐家、专业学生及严肃爱好者。 本书核心理念： 本书旨在提供一套精心挑选、深度编排的经典爵士乐标准曲目，而非侧重于基础技术或单一乐器应用（如《Technique of the Saxophone - Volume 2》所涵盖的特定技术训练）。我们的重点在于将历史悠久的爵士金曲，转化为对演奏者音色控制、即兴逻辑和乐句处理能力提出更高要求的演奏素材。 --- 第一部分：引言与演奏哲学 1.1 历史的沉淀与当代演绎： 爵士乐的历史是一部不断演进的对话史。本书精选的曲目横跨摇摆（Swing）、比波普（Bebop）、冷爵士（Cool Jazz）乃至硬波普（Hard Bop）的黄金时期。我们深信，对经典作品的尊重，并非简单模仿录音，而是理解其背后的和声结构、节奏律动（Groove）的精髓，并在此基础上注入演奏者自身的音乐见解。本书提供的乐谱并非最终答案，而是探寻更深层次音乐表达的起点。 1.2 跨越流派的技艺整合： 萨克斯风演奏技巧的发展是多元的。本书的选曲要求演奏者能够熟练驾驭不同时代对音色、气息和指法的微妙要求。例如，摇摆乐对饱满、宽广音色的追求，与比波普对清晰、快速音阶运行的强调，构成了对演奏者技术全面性的考验。本书的练习曲目和改编旨在弥合这些不同风格间的技术鸿沟。 --- 第二部分：精选曲目深度解析与改编实践 本书收录了十首对爵士乐历史具有里程碑意义的经典标准曲。每一首曲目都经过了专业的重新编排，旨在强化特定技术要素和音乐概念的理解。 A. 节奏与律动的解构（Focus on Swing Feel and Phrasing） 2.1. "Take the 'A' Train" (Billy Strayhorn): 改编侧重： 强调摇摆乐中标志性的“推与拉”的节奏感。 技术挑战： 慢速（Slow Swing）处理中的气息稳定性和长乐句的连贯性。书中包含针对主题（Head）的两种不同节奏细微调整版本，以示范如何通过节奏的微小变化来塑造情绪的起伏。 2.2. "Four" (Miles Davis): 改编侧重： 中速硬波普律动的精确把握。 技术挑战： 强调切分音（Syncopation）的准确性和清晰度。我们特别关注在快速进行中，如何保持萨克斯风的音色不因速度提升而变得轻浮，保持其重量感。 B. 和声的复杂性与即兴的逻辑（Focus on Chord Changes and Improvisation Strategy） 2.3. "All the Things You Are" (Jerome Kern): 改编侧重： 经典的调性中心转移（Key Modulation）练习。 技术挑战： 快速、平滑地应对频繁出现的降二级（ii-V-I）进行中的替代和弦（Substitutions）。书中提供了三层和弦导向标记：基础旋律线、推荐的调式（Mode）和建议的高级延伸音（Upper Extensions）使用位置。 2.4. "Giant Steps" (John Coltrane): 改编侧重： 极速三全音转调系统的理解与演奏。 技术挑战： 这首曲目的核心是对手指耐力和清晰度的极限测试。本书不提供“捷径”，而是提供以更慢速度分解练习的乐句片段，重点剖析Coltrane本人在这些转调点上如何通过音程跳跃来保持旋律的逻辑性，而非仅仅依赖音阶的堆砌。 C. 音色塑造与乐句的叙事性（Focus on Tone Quality and Narrative Phrasing） 2.5. "Body and Soul" (Johnny Green): 改编侧重： 强调音色的“歌唱性”（Vocal Quality）。 技术挑战： 重点训练慢速下的揉弦（Vibrato）控制、滑音（Portamento）的优雅运用，以及如何在不依赖快速跑动的情况下，通过音色变化来构建乐句的张力。本书特别收录了基于Coleman Hawkins和Sonny Rollins版本特点的音色模拟练习。 2.6. "So What" (Miles Davis): 改编侧重： 调式爵士（Modal Jazz）的核心——空间感与色彩的运用。 技术挑战： 如何在有限的和声框架内（D Dorian 和 Eb Dorian）创造出丰富的音乐内容。本书提供了多种不同“密度”的即兴范例，展示如何在长时间内保持听众的兴趣，强调“留白”的力量。 --- 第三部分：高级演奏技巧的整合应用 本书的后半部分，将技术训练与音乐应用紧密结合，确保演奏者不仅“能弹”，更能“会说”。 3.1 颤音的精确控制与风格化： 爵士萨克斯的颤音远非古典乐的固定模式。本书深入探讨了不同流派对颤音速度（快、慢、不规则）和宽度的偏好。提供了专门针对摇摆乐（宽且慢）和比波普（窄且快）的颤音训练模块，这些训练直接应用于选曲中的长音处理。 3.2 动态范围的戏剧化运用（Dynamic Extremes）： 很多爵士大师能够在极弱（ppp）到极强（fff）的范围内无缝切换，而不牺牲音色质量。本书中的所有乐曲改编都标注了细致的动态记号，旨在训练演奏者在演奏复杂乐句时，依然能清晰地控制气息的输出，实现音乐叙事中的强烈对比。 3.3 双吐与指法连贯性提升： 针对比波普和后来的快速演奏风格，本书收录了几段特定的快速音群练习，这些练习是直接从特定曲目（如Charlie Parker的片段）中抽象出来的。这些练习聚焦于指法与呼吸的同步，确保在高速进行中，每个音符的清晰度都能得到保证，避免音符堆积成噪音。 --- 总结：从模仿到创造 《经典爵士乐改编精选集》是一本面向严肃演奏者的指南，它要求读者已经掌握了基本的指法、音阶和节奏感。本书的目的不是教授如何吹响萨克斯风，而是教授如何用萨克斯风“讲述”爵士乐的故事。通过对这些伟大作品的深度再创作和技术挑战，演奏者将能够构建起一套属于自己的、足以应对复杂爵士场景的演奏工具箱。 本书特色： 非通用技术练习： 所有练习均植根于特定的经典曲目和风格要求。 详尽的和声分析： 每一首曲目的改编都附带简明的和声运动图表，便于即兴思维的构建。 演奏提示： 包含资深爵士乐手对特定乐段的处理建议，侧重于“听起来感觉如何”，而非仅仅“弹奏了什么音”。 期望达成的目标： 提升演奏者在真实乐队情境中，对复杂和声、多变节奏和个性化音色塑造的掌控能力。

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说实话，我之前对市面上那些汗牛充酸的“技术指南”已经感到有些麻木，大多是翻来覆去炒冷饭，要么就是对音乐史的冗长铺垫毫无用处。然而，这本书的第三章，关于“颤音的精细化处理”的论述，彻底颠覆了我对这个看似简单的技巧的认知。作者没有满足于教你“如何做颤音”，而是深入剖析了不同作曲家对颤音速度和幅度的要求——从莫扎特时期要求的小幅、快速的“装饰性颤音”，到晚期浪漫主义作品中那种宽广、情绪化的“抒情颤音”，每一种风格的实现都给出了精确的肌肉控制方案。我尤其欣赏它对“指颤”和“喉颤”的区分训练。过去我总是混为一谈，导致我的颤音听起来总像是一种机械的抖动。通过书中设计的一系列渐进式练习，我学会了如何有意识地将手臂的放松度与指关节的运动频率解耦，这使得我的颤音终于带上了人情味，不再是冰冷的数学公式。这本书的视角是如此成熟和具有洞察力，它不是教你“吹响”萨克斯，而是教你如何用萨克斯“说话”，用最精妙的语言去表达音乐的复杂情感。对于那些准备参加高级比赛或试镜的乐手而言，掌握这些“微表情”级别的技巧是至关重要的，而这本书提供了实现这一切的路线图。

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这本被誉为“萨克斯风演奏技法精粹”的教材，简直是为那些渴望突破瓶颈、迈向更高境界的演奏者量身打造的秘籍。我初次翻开它时，就被其详尽而系统的编排深深吸引。它并没有沉湎于基础的指法复习，而是直奔主题，深入探讨了中高音区过渡时的气流控制与音准校正。书中的图解部分尤其出色，那些细致入微的口型和舌位示意图，配上作者多年教学经验凝练出的文字描述，让人一目了然。我过去总是在C5以上开始感到气息不稳，声音发扁，但通过书中关于“核心支撑点”的强化训练，我发现自己的气息支撑点明显稳定了许多，高音的穿透力和圆润度都有了质的飞跃。更值得称赞的是，它没有简单地罗列练习，而是将每个技术点融入到具体的音乐情境中去讲解，比如如何用不同的气息压力来表现巴赫赋格中的线条感，或是如何通过微调舌头位置来模拟二十世纪作品中的“金属质感”。对于那些已经掌握了基础技巧，但总感觉“音乐性”被技术短板所制约的乐手来说，这本书无疑是一剂强效的催化剂，它迫使你重新审视每一个呼吸、每一次指尖的触碰，将机械的运动转化为富有生命力的音乐表达。它的深度，足以支撑起一位专业演奏者未来数年的精进之路。

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这本书的排版设计本身就是一种艺术享受，干净、现代，完全没有传统教材那种沉闷和压抑感。但更重要的是，它在处理“节奏的灵活性”这一难题时所采取的创新方法。我们都知道，古典乐派对节奏的精准性要求极高，但过度追求精准又会扼杀乐句的流动性。这本书非常巧妙地引入了“弹性节拍”的概念，并给出了大量的实例来示范如何在一首结构严谨的奏鸣曲中，依然保持听众不易察觉的呼吸感和推进力。它不是鼓励你随意“拉长缩短”，而是通过对预先设定好的“微小提前”和“轻微延迟”的练习，来训练大脑对时间感的敏感度。书中有一组针对练习曲中切分音的处理练习，要求你先用节拍器严格地演奏，然后再想象自己是在与一位经验丰富的钢琴家对奏，从而自然地带入呼吸的起伏。这个过程的转变是微妙而深刻的。我发现，自从开始系统练习这部分内容后，我在乐团排练中对指挥重音的捕捉能力也变得更加敏锐，因为这本质上都是对时间轴上细微重心的把握。这是一本真正将“技术”与“音乐思维”完美结合的教材，它让你在遵守规则的同时，学会如何优雅地打破规则。

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关于圆号（French Horn）在交响乐中的转调和指法变化，我一直觉得是学习管乐过程中一个难以跨越的鸿沟，尤其是涉及复杂的升降半音指型切换时，极易出现“撞指”或音色突变。这本教材关于“管体共鸣点调节”的论述，简直是照亮了我前行道路的灯塔。它没有纠结于传统的复杂指位表，而是从物理学角度解释了不同音高如何影响萨克斯管内部的气柱长度和驻波点。作者强调，许多指法上的困难，其实源于演奏者试图用僵硬的指法去弥补气流的不足。书中详细介绍了一套“气息聚焦与喉部扩张”的循环练习，要求演奏者在演奏同一音阶的不同八度时，保持气流速度的稳定，并通过微调喉咙的张开度来适应音高变化，而不是仅仅依赖手指的快速切换。当我按照建议进行练习时，那些曾经让我望而生畏的快速半音阶段落，突然变得流畅自然，音色也保持了惊人的一致性。这种由内而外的技术修正方法，远比死记硬背指位表要有效得多，它让你真正“拥有”了乐器，而不是被乐器所奴役。这种高屋建瓴的分析，体现了作者深厚的演奏功底和教学智慧。

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这本书的收尾部分，专注于“室内乐合奏中的角色定位与平衡”的讨论，是我认为其价值超越一般技术书籍的关键所在。在很多合奏场合，萨克斯风往往被要求在旋律、和声支持和低音推进之间不断切换角色，这对动态控制提出了极高的要求。书中提供了一个非常实用的“听觉反馈模型”，教你如何在不看乐谱的情况下，仅凭听觉来判断自己是“吃掉了”旁边的单簧管的旋律，还是“淹没了”低音提琴的声音。作者特别设计了一些练习，要求你故意将音量压低到几乎听不见的程度，然后在保持音高稳定的前提下，逐渐增强音量，直到恰好能与邻近乐器形成完美的“混合音色”。这不仅仅是音量控制，更是关于“声场管理”的艺术。通过这些练习，我学会了如何根据作品的配器特点，主动调整自己的音色颗粒度和动态范围，不再仅仅是作为一个独立的个体在演奏。这种对集体音乐语境的深刻理解，使得这本书不仅仅是一本个人技艺提升手册，更是一部关于如何成为一个优秀的、懂得合作的音乐家的指南。它为萨克斯风在更广阔的音乐领域中的定位，提供了极具建设性的指导方针。

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