Keyboard Music Before 1700 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Routledge

作者:Silbiger, Alexander 编

出品人:

页数:400

译者:

出版时间:2003-11

价格:$ 59.83

装帧:Pap

isbn号码:9780415968911

丛书系列:

图书标签:

• 早期音乐
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键盘音乐的辉煌前夜：1700年前的键盘音乐研究 本书简介 本书旨在为读者提供一个全面而深入的视角，探索1700年之前——特别是文艺复兴晚期到巴洛克早期——键盘音乐的丰富遗产、技术演变及其文化背景。我们聚焦于那些奠定了后世键盘音乐宏伟殿堂的早期基石，详细剖析了不同地理区域和不同乐器（羽管键琴、大键琴、管风琴）上的创作实践、风格特征及其重要作曲家。 第一部分：早期的回响——中世纪晚期至文艺复兴的萌芽 本部分追溯了键盘音乐的起源，从修道院的管风琴传统到世俗音乐的兴起。 第一章：管风琴的崛起与早期记谱法 我们首先考察了中世纪晚期管风琴在宗教仪式中的作用。彼时的管风琴演奏通常涉及对圣歌旋律的简单和声填充（Organum），而非严格意义上的独立作品。重点探讨了13世纪至14世纪的早期管风琴记谱法，如诺特记谱法（Notenheft）和塔布拉图谱（Tablature）的初步形式，这些符号系统如何记录了早期键盘音乐的形态。 第二章：意大利的普雷卢德与里切尔卡（Ricercar） 进入文艺复兴时期，意大利半岛成为键盘音乐创新的温床。本章详细分析了意大利键盘音乐的早期风格，特别是前奏曲（Prelude）和里切尔卡（Ricercar）的发展。 里切尔卡（Ricercar）的结构分析： 里切尔卡作为对声乐复调作品的模仿，是早期对位法在器乐中应用的典范。我们将考察安德烈亚·加布里埃利（Andrea Gabrieli）和克劳迪奥·梅洛（Claudio Merulo）的作品，解析他们如何运用模仿、主题陈述和自由发挥的段落，构建出清晰的器乐逻辑。 即兴演奏的痕迹： 探讨早期意大利键盘家如何利用“Toccata”（触奏）这一形式，展示其手指技巧和对乐器特性的掌控，以及这些作品中蕴含的即兴演奏精神。 第三章：西班牙的维希拉与键盘的融合 西班牙在16世纪拥有独特的音乐文化，其维希拉（Vihuela）音乐对后来的键盘作品产生了深远影响。本章将研究西班牙键盘塔布拉图谱的特点，特别是如何记录复杂的指法和和声结构。 Antología de tonos musicales： 分析安东尼奥·德·卡贝松（Antonio de Cabezón）等重要作曲家如何通过“变奏”（Diferencias）的形式，将流行的旋律提升到高度精巧的对位层次。这些变奏不仅是技巧的展示，也是对音乐主题的深入阐释。 第二部分：北欧的复调艺术与多样的键盘家族 本部分将视线转向北欧（特别是尼德兰和德国），探讨复调艺术在键盘音乐中的成熟，以及羽管键琴和哈普西科德（Harpsichord，此指大键琴）家族的兴起。 第四章：尼德兰的“键盘学派”与对位法的巅峰 尼德兰学派以其严谨的复调技术闻名于世。本章侧重于分析这一地区作曲家如何将人声复调的技巧完美地移植到键盘乐器上。 克里斯蒂安·厄兰德（Christian Erbach）与早期赋格： 考察厄兰德等人在赋格体发展初期的贡献，探讨他们如何在结构上组织多个声部，为巴赫时代的对位法奠定基础。 对比与平衡： 比较管风琴和羽管键琴在尼德兰音乐中的角色差异，前者着重于宏大和声与持续音的运用，后者则更注重清晰的声部线条。 第五章：英格兰的“维吉那与舞曲的黄金时代” 16世纪的英格兰键盘音乐以其独特的情感深度和对幻想曲（Fantasia）的独特诠释而著称。 威廉·伯德（William Byrd）的创新： 深入分析伯德在键盘音乐中展现的戏剧性张力与细腻的情感处理。重点讨论他的“键盘组曲”（Keyboard Suite）的雏形——将帕凡舞曲（Pavan）和加亚尔舞曲（Galliard）以成对的形式结合的实践。 约翰·布洛（John Bull）的炫技： 研究布洛如何将技术难度推向极致，其作品中快速音阶、琶音和复杂的和弦排列，预示着未来羽管键琴演奏的复杂性。 第三部分：巴洛克前夜的风格转型——17世纪的过渡 本部分聚焦于17世纪，即巴洛克风格开始占据主导地位的时期，探讨了从古老的复调传统向新的单音音乐（Monody）与数字低音（Basso Continuo）过渡的过程。 第六章：意大利的托卡塔与风格的自由化 17世纪初的意大利键盘音乐，尤其是在罗马和威尼斯，经历了显著的风格解放。 吉罗拉莫·弗雷斯科巴尔迪（Girolamo Frescobaldi）： 作为承上启下的巨匠，弗雷斯科巴尔迪的作品是研究这一时期的核心。我们将系统梳理他的《键盘音乐》（Fiori Musicali）和《幻想曲集》，分析其“风格的两个领域”——自由即兴的托卡塔与严格的对位里切尔卡之间的对比运用。 数字低音的渗透： 探讨在弗雷斯科巴尔迪的作品中，如何开始出现为“和弦伴奏”服务的段落，以及这种实践如何预示着键盘乐器在合奏中的新角色。 第七章：德意志地区：管风琴的复兴与北德意志学派的奠基 17世纪的德国，尤其是在吕讷堡和北德意志地区，管风琴艺术达到了一个高峰，为巴赫的到来铺平了道路。 扬·皮特森·斯维林克（Jan Pieterszoon Sweelinck）： 斯维林克作为连接尼德兰传统和德国管风琴学派的关键人物，其作品中对变奏曲（Variations）形式的系统化使用至关重要。本章将细致分析其“圣歌变奏”的结构精妙之处。 北德意志的“形式的解放”： 探讨了早期北德管风琴家如何通过引入自由的引子（如导奏式的托卡塔）来打破里切尔卡的严格对称性，赋予作品更强的叙事性和戏剧性。 第八章：法国的键盘舞曲与精致的装饰音 法国的键盘音乐（主要为羽管键琴）发展出一种截然不同的精致风格，强调优雅的节奏、精细的装饰和清晰的声部轮廓。 雅克·尚博诺纳（Jacques Champion de Chambonnières）的组曲： 考察法国“古典派”羽管键琴音乐的特征，特别是对加沃特（Gavotte）、萨拉班德（Sarabande）和库朗特舞曲（Courante）的规范化处理。 装饰音的“语法”： 详细解释法国记谱法中特有的装饰音符号（如agréments）如何影响演奏的风格和速度，这些装饰音的使用并非随意添加，而是构成音乐结构不可分割的一部分。 结语：走向1700年的过渡与展望 本书最后部分将总结1700年前键盘音乐发展的主要趋势：从对位法的严谨到即兴风格的解放；从宗教用途到世俗娱乐的拓展；以及乐器本身——管风琴、羽管键琴和大键琴——在技术和音色上所经历的演变。我们清晰地勾勒出一条从早期记谱法到成熟的巴洛克曲式（如赋格、组曲）的发展脉络，为理解18世纪初期键盘音乐的巅峰成就提供了坚实的历史和理论基础。

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坦率地说，我原本以为这本关于“1700年前键盘音乐”的著作会是一本枯燥的学术汇编，充斥着密密麻麻的专业术语和晦涩难懂的分析，但事实远比我想象的要丰富得多。作者似乎有一种魔力，能将那些尘封已久的手稿和模糊不清的演奏传统，用一种极具故事性的方式讲述出来。这本书的叙事节奏把握得极好，它不是按照时间线僵硬地推进，而是以“主题”为导向，比如专门用一个章节来探讨赋格形式在早期键盘音乐中的萌芽与发展，另一个章节则聚焦于舞曲套曲的结构演变。这种组织方式极大地提高了阅读的趣味性。我尤其对书中对“指法”演变的追踪感到着迷，作者通过分析不同时期乐谱上的标记，推断出演奏技法的根本性变革，这简直是音乐考古学的典范。读完这本书，我仿佛对鲁特琴、维吉尼亚琴和管风琴之间的“血缘关系”有了全新的认识。对于任何一位希望跨越巴赫时代，去探寻键盘音乐“本源”的音乐家或爱好者而言，这本书都是一份不可替代的路线图。

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这本名为《Keyboard Music Before 1700》的书简直是音乐爱好者的福音，尤其是那些对早期键盘音乐怀有深厚兴趣的读者。我必须说，作者在梳理这一庞大且复杂的音乐史料时展现出了惊人的洞察力和严谨的学术态度。全书的叙事结构非常清晰，从早期的音乐形态演变，到巴赫之前各个重要作曲家的风格特征，都被剖析得淋漓尽致。阅读过程中，我尤其欣赏作者对于不同乐器——比如羽管键琴、击弦古钢琴和管风琴——在不同地区的发展轨迹所做的细致区分。他们没有将“键盘音乐”视为一个铁板一块的整体，而是深入挖掘了地域差异和技术进步如何塑造了十七世纪前键盘音乐的面貌。书中对具体乐谱和手稿的引用也十分精准，这对于想要进一步研究的学者来说是无价的资源。例如，对于维吉尼亚·雷纳塔（Virginia Renata）风格的转型期分析，作者提出的新见解让我对某些原本模糊不清的段落有了豁然开朗的感觉。更令人称赞的是，书中对于音乐的社会背景和赞助人制度的探讨也相当深入，这使得音乐作品不再是孤立的艺术品，而是深深植根于当时的文化土壤之中。总而言之，这是一部内容详实、论证有力的著作，它成功地将一个相对小众的音乐领域，以一种既学术又引人入胜的方式呈现给了大众。

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我刚读完的这本关于1700年前键盘音乐的巨著，给我留下了极为深刻的印象，它展现了对早期音乐文献细致入微的考察和极富创见的解读。这本书的价值在于，它成功地弥补了许多通史著作在这一特定时期研究上的空白。作者没有满足于仅仅罗列作曲家和作品，而是深入挖掘了“教学法”是如何驱动音乐进步的。例如，书中对早期键盘教材的分析，揭示了学生们是如何一步步掌握复杂的对位和和声技巧的，这为理解当时音乐教育的严谨性提供了宝贵的窗口。书中关于“即兴演奏”在当时核心地位的论述也相当有启发性，作者通过重建当时的演奏实践，让我们意识到，许多“固定”的作品很可能只是即兴思维的留存片段。阅读过程中，我不断停下来思考，这种基于对位和固定织体（Texture）的音乐，如何孕育出后来巴洛克盛期的辉煌。这本书的语言风格介于严谨的学术论证和富有激情的音乐赞美之间，使得阅读体验既充实又愉悦，完全没有一般学术著作的沉闷感。

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这本书的深度和广度令人敬佩，它是一份对17世纪前键盘音乐历史的全面而富有激情的考察。我特别欣赏作者在处理“音乐家生平”与“音乐作品分析”之间的平衡艺术。许多音乐史著作往往过于偏重某一方，而这本书却巧妙地将作曲家的个人境遇、政治环境与他们的创作风格变化紧密联系起来，使得那些古老的乐谱仿佛拥有了生命。书中对北德意志学派的探讨尤其精彩，作者对于‘色彩’和‘情感表达’在早期管风琴音乐中的地位的论述，远远超越了以往的单纯技术分析。我感受到了一种对早期音乐纯粹性的致敬，作者仿佛在说，我们无需用后世的审美标准去评判这些作品，它们本身就达到了那个时代所能企及的完美高度。这本书的结论部分对早期键盘音乐的遗产及其对后世影响的总结，也极具前瞻性。它不是一个简单的收尾，而是一个邀请，邀请读者带着新的视角，重新聆听那些古老的旋律。对于任何想真正理解键盘音乐演变脉络的人来说，这绝对是书架上不可或缺的一本重要参考书。

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我最近翻阅的这本关于17世纪以前键盘音乐的专著，给我的感觉是，它仿佛是一趟穿越时空的旅程，领我领略了那个时代键盘乐器如何从最初的雏形发展成为能够承载复杂情感和精妙技巧的载体。作者的笔触非常细腻，尤其是在描述早期复调技巧在键盘上的实现方式时，那种对声音织体层层剥开的分析方法，简直让人拍案叫绝。书中对意大利和西班牙的音乐传统对比分析尤为精彩，前者那种明亮、注重装饰性的风格，与后者那种沉郁、结构严谨的风格，被作者用生动的语言勾勒出来，即便是没有亲耳聆听那些古老的录音，也能在脑海中构建出清晰的声音图景。我特别喜欢作者在论述不同键盘音色对作曲意图影响时的那段文字，那种对“触键”艺术的哲学性探讨，提升了整本书的层次。当然，对于那些习惯于听惯了浪漫主义晚期键盘作品的读者来说，这本书可能需要一点时间来适应其所描述的音乐的“朴素”之美，但一旦适应，你就会被那种纯粹的音乐结构所深深吸引。这不仅仅是一本音乐史，更像是一部关于早期音乐美学和实践的深度报告。

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