Jazz/Rock Voicings for the Contemporary Keyboard Player pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Alfred Pub Co

作者:Haerle, Dan

出品人:

页数:48

译者:

出版时间:1984-10

价格:$ 11.24

装帧:Pap

isbn号码:9780769233253

丛书系列:

图书标签:

• Jazz
• Rock
• Keyboard
• Voicings
• Harmony
• Music Theory
• Improvisation
• Chord Voicings
• Contemporary Music
• Arranging

《和声的边界：现代钢琴演奏者的和弦探索与即兴技巧》 引言：超越传统，拥抱声音的无限可能 在这本深入探讨键盘和声与即兴演奏的专著中，我们旨在为追求声音深度和和声广度的现代音乐家提供一套系统而富有启发性的工具。本书并非对特定音乐风格（如爵士摇滚）的简单梳理，而是聚焦于和声语言本身的构建、延伸与重构。我们的目标是解放演奏者的思维，使其能够驾驭从传统功能和声到前卫、非传统的音响结构，最终实现个人化的音乐表达。 第一章：和声基础的重新审视——功能与非功能 本章首先回归经典，但不满足于经典。我们将探讨大、小调的七和弦、九和弦、十一和弦的构建与功能性分析，但着重于这些和弦在不同调式背景下的色彩变化。重点将放在“非功能性”和声的引入：如何利用和声的色彩而非其严格的功能进行连接，这要求演奏者彻底理解和弦内音的相互关系。 色彩饱和度分析： 探讨如何通过增加或减少和弦内音（如11, b13, 9, sus4）来调整和弦的“温度”和张力，以及这些变化如何影响听觉体验。 三度音程的分解与重组： 深入分析三和弦、四和弦之外的音程结构，如四度堆叠和弦（Quartal Harmony）的原理及其在现代作品中的应用，包括其音响的开放性和模糊性。 声部进行的高级策略： 摒弃传统的“平行五度/八度”禁忌，转而探讨如何通过控制声部间的最小移动（Stepwise Motion）来创造出流畅且意想不到的过渡，尤其是在复杂和弦之间的转换。 第二章：调式与音阶的深度融合——超越大小调的框架 现代键盘演奏的核心在于对调式（Modes）的熟练运用，但这远不止于背诵七种调式。本章侧重于如何将调式思维融入即兴和伴奏的实际操作中，实现和声与旋律的完美咬合。 复合调式（Compound Modes）的构建： 探讨如何将两种或更多调式元素叠加在一个和弦框架内，创造出前所未有的音响质感。例如，如何在一个Dorian和弦上融入Lydian的色彩，从而产生独特的张力。 半音阶与和弦内半音： 详细解析半音阶音（Chromatic Tones）在和声中的作用，如何有效使用经过音和装饰音，使和弦进行听起来既有逻辑又充满惊喜。我们不将半音阶视为“错误”，而是作为色彩的积极添加剂。 音响空间的利用： 探讨高音区、中音区和低音区的音符密度与音色分配，如何通过控制不同八度范围内的和弦配置来塑造音乐的宏观结构感和即时听觉冲击力。 第三章：节奏的内在和声——律动与和弦的共生关系 和声不仅仅是垂直的结构，它更是时间轴上的流动。本章关注节奏如何影响和弦的感知和执行。 切分与和弦重置： 探究演奏者如何利用强弱拍的偏移（Syncopation）来“延迟”或“提前”和弦的解决，制造出节奏上的紧张感，并以此驱动和声的演进。 非均匀的律动框架： 介绍如何在一个看似规整的拍号内，通过和弦的持续时间（Duration）和密集的音符填充，创造出非均匀的律动感，使和弦的色彩得以充分呼吸和展现。 琶音与分解和弦的节奏化： 突破传统的分解和弦练习，重点在于如何将复杂的和弦结构分解成具有强烈动机性的节奏片段，使其成为即兴旋律的骨干，而非简单的填充。 第四章：连接的艺术——和声过渡的高级技巧 如何从一个和弦优雅（或戏剧性地）过渡到下一个和弦，是区分平庸与卓越演奏的关键。本书将提供一系列实用的连接技术。 中音区连接法（Pivot Tone Method）： 识别共同音或最接近音，并以此为锚点，设计最小移动的声部进行。此方法适用于任何复杂的和弦序列。 转调的“软着陆”： 探讨非传统转调手法，如使用共同属和弦的替代品、或通过一个完全不协和的和弦作为中介站，从而实现调性上的“漂移”而非生硬的切换。 和弦内替代（Substitution）的深度应用： 超越基础的ii-V-I，深入研究三全音替代（Tritone Substitution）、属九和弦替代、以及功能性替代（如bVI7替代I）。重点在于理解替代和弦如何保留原和弦的功能，但注入完全不同的色彩。 第五章：织体与纹理的构建——从独奏到群体的声音设计 键盘手的独奏往往需要同时处理旋律、和声与低音线。本章将指导如何有效地分配这些角色，创造出丰富多变的织体。 手部分工的动态化： 设定规则，例如左手专注于低音的色彩（使用根音、五音或八度），右手专注于和弦的色彩与旋律的构建。并探讨何时打破这些规则，例如左手演奏高位的和弦，右手演奏低沉的贝斯线。 “空间”的作曲化： 详细分析如何有意识地在和弦音符之间留下“空白”，这些空白是呼吸，也是对未来音符的预示。如何运用延音踏板（Sustain Pedal）来“混响化”和弦，创造出朦胧的背景，同时又不失清晰度。 对位思维在和声中的渗透： 如何将两条独立的旋律线（如左手的贝斯线与右手的和弦结构）设计成相互对话、相互支撑的对位关系，即使在演奏一个单一的和声结构时也能保持动态的张力。 结论：声音的个人语汇 本书提供的并非一套固定的公式，而是一套思考和声与即兴的框架。最终目标是让演奏者能够将这些复杂的概念内化，形成自己独特的“声音语汇”，无论面对何种音乐材料，都能自信且富有创造力地进行演奏与表达。学习这些技巧是为了最终能够忘却技巧，让音乐自然流淌。

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这本书的排版和清晰度是教科书级别的典范，这一点值得单独提出来称赞。在处理如此密集且需要高度精确性的和声信息时，保持阅读体验的顺畅至关重要。清晰的五线谱与键盘图示并存，使得无论你更习惯于阅读乐谱还是直接通过指位来学习，都能迅速找到切入点。作者在解释“替代和弦”（Substitution）时的方法论非常具有启发性——他不是简单地教你用降五音替代，而是解释了替代和弦在和声功能上是如何与原和弦保持联系的，这保证了替代的合理性而非随心所欲。对于我这种已经弹奏了十多年的乐手而言，书中关于“非功能性色彩和弦”的讨论，提供了在纯氛围音乐或实验性作品中如何构建独特声音环境的宝贵思路。它鼓励我们跳出传统的II-V-I框架，去探索和弦之间更微妙的张力与释放关系，这对于追求个人风格的键盘家来说，是突破瓶颈的关键所在。

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我必须承认，这本书在技术层面的深度令人印象深刻，但更让我赞赏的是其对风格融合的精准把握。它清晰地划分了传统比波普和声语汇与现代放克/R&B和声之间的界限，并展示了如何在两者之间进行无缝切换。对于那些在爵士俱乐部演奏标准曲目，但又需要在私人演出中迎合更现代听众的键盘手来说，这本书简直是救命稻草。特别是关于“受拉伸的和弦”（Stretched Voicings）的讲解，作者展示了如何在较低的音域内，通过精确的指位控制，避免和弦变得浑浊，同时最大化其张力和色彩。这在小型组合或录音室环境中尤其重要。书中的许多例子都取材于对上世纪70年代融合大师（如乔·萨维诺、赫比·汉考克的部分作品）的和声分析，使得学习过程充满了对音乐史的致敬与探索。它成功地搭建了一座桥梁，连接了学院派的严谨和街头音乐的活力，确保读者学到的知识既有深度，又不失“律动感”。

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如果说市面上大多数和声书是“说明书”，那么这本《爵士/摇滚键盘和弦指法》更像是一本“实战手册”。它没有冗长拖沓的哲学探讨，而是直奔主题，专注于如何让你的双手在键盘上发出更具现代感、更富层次感的声音。书中关于“低音线与和弦的互动”的章节尤其精彩，它提醒我们，键盘手不能把自己局限在和弦的“天花板”上，低音部分的进行同样影响着整体和声的走向和感觉。作者通过一些非常巧妙的指位设计，展示了如何让右手的高音区和弦与左手（或贝斯手）的低音形成完美的对位和声纹理。这本书真正成功之处在于，它让你在掌握复杂和弦的同时，丝毫不会感到笨拙或僵硬，所有指法都经过优化，似乎是专为流畅的演奏而设计。它不是让你成为一个“理论家”，而是让你成为一个“更会说话”的键盘手，用更丰富的“词汇”来表达你的音乐思想。

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读完这本书，我最大的感受是作者对“语境”的强调。许多和声教材倾向于将和弦视为孤立的实体进行讲解，但这本教材则非常注重和弦在实际演奏环境中的作用。例如，书中关于“根音移动与色彩替换”的章节，详细阐述了如何在保持整体听感流畅的前提下，巧妙地引入降五音或增四音来制造紧张感，随后又通过快速的解决回到一个稳定的大和弦，这种处理手法是无数经典录音中的精髓所在。此外，它对节奏和触键的讨论也相当到位，毕竟在爵士/摇滚的范畴内，一个和弦弹奏得如何，声音的“切入点”和“释放感”往往比和弦本身的复杂程度更为关键。书中提供了许多关于如何使用琶音织体和分解和弦来填充空间的设计，这对于键盘手在乐队中扮演“和声墙”和“节奏驱动力”的双重角色至关重要。它不是让你死记硬背和弦图表，而是引导你理解为什么这个和弦听起来是“酷”的，以及如何在即兴或伴奏中自然而然地运用它。这种教学方式，真正培养的是演奏者的音乐耳朵和判断力，而非仅仅是手指的肌肉记忆。

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这本《爵士/摇滚键盘和弦指法：当代演奏者的指南》无疑是一部里程碑式的作品，它不仅为那些渴望深入理解和声色彩的键盘手提供了坚实的理论基础，更重要的是，它以一种极其实用的方式，将复杂的概念转化为可以在舞台上立刻应用的技巧。我尤其欣赏作者在构建和弦库时所展现出的深厚功力。他没有满足于仅仅罗列常见的七和弦和九和弦，而是深入挖掘了色彩音的运用，比如#11、b13以及更具现代感的和弦变体，这些都是在听当代顶尖爵士和融合音乐时经常捕捉到的声音。书中对和弦如何在不同的调式背景下运作进行了细致的剖析，这对于那些试图摆脱“和弦本位”思维、转向“功能和声”理解的演奏者来说，是无价的财富。通过大量的图例和清晰的指法提示，即便是初学者也能循序渐进地掌握这些高级指法，而经验丰富的乐手也能从中找到新的灵感火花，拓宽自己的和声视野。这本书的编排逻辑清晰，从基础的根音位置到复杂的扩展和弦，再到如何在不同节奏型中应用这些和弦，形成了一个完整而流畅的学习路径。它真正做到了“面向当代”，其内容紧密贴合了当今爵士放克、融合爵士以及现代R&B的声学需求。

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