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出版者:Kendall Hunt Pub Co

作者:Johnson, Daniel C.

出品人:

页数:208

译者:

出版时间:

价格:71.35

装帧:Pap

isbn号码:9780757529092

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尘封的旋律：维多利亚时代伦敦的音乐、阶级与社会变迁 一部深入挖掘十九世纪中叶，那个喧嚣、矛盾而又充满艺术活力的维多利亚时代伦敦的社会史与文化史著作。 本书并非聚焦于某一特定音乐流派的发展，而是将目光投向了声响本身，探究声音如何编织进十九世纪伦敦的社会肌理，成为衡量阶级、身份、道德规范乃至政治气候的隐形标尺。我们试图揭示，在那个蒸汽轰鸣、贫富悬殊的巨大都市中，音乐——无论是街头艺人的手风琴声、教堂的庄严颂歌、咖啡馆里的流行小调，还是皇家歌剧院的宏大叙事——如何被赋予了具体的社会意义。 第一部分：声景的构建与消解：城市之音的地理学 章节一：雾中的低语与工业的喧嚣：城市声景的拓扑结构 本书首先勾勒出维多利亚时代伦敦令人目眩神迷的声景。这不仅仅是一个背景音效，而是一个充满张力的听觉战场。我们详细考察了工业革命带来的巨变，工厂的机械轰鸣、铁道蒸汽机的尖锐汽笛声，如何以前所未有的音量和频率侵入市民的日常生活，尤其是在东区和南华克等工业集中的区域。这些“噪音”如何被上层社会斥为野蛮和无序，并成为他们强调自身对“文明听觉”掌控的论据。 同时，我们也深入分析了“环境之声”在不同阶层区域的差异。在富人区梅费尔（Mayfair），声音传播受到严格的社会礼仪的规训，马车车轮的轻微滚动和仆人的低声细语构成了背景。而在贫民窟，叫卖声、争吵声、婴儿的哭泣声、以及无休止的劳作声，共同构成了一曲永不休止的生存交响乐。本书通过档案记录、当时的报纸评论和个人日记，重建了这些声景的细节。 章节二：公共空间中的听觉领地之争 维多利亚时代是公共空间被重新定义的时代。本书探讨了音乐在争夺和界定这些空间中的作用。街头音乐家（Street Musicians）是这一冲突的核心。他们是声音的“非官方”占有者，其即兴的、往往带有民间色彩的音乐，常常与官方推行的“公共秩序”观念产生碰撞。我们分析了政府和警察试图通过《流浪者法案》（Vagrancy Acts）等法律手段规制街头音乐的努力，以及音乐家们采取的规避策略。这些斗争，实质上是关于谁有权在城市中“发声”的权力之争。 第二部分：声音的阶级代码：听觉品味与社会流动性 章节三：歌剧院的宏大谎言与中产阶级的崛起 歌剧院和音乐厅，作为上流社会的“声音殿堂”，是社会地位最明确的展示场。本书细致分析了意大利歌剧（尤其是威尔第和多尼采蒂的作品）在维多利亚时代如何被“挪用”，成为识别贵族和新兴富裕阶层的必备文化资本。我们考察了座位的等级制度如何精确对应着听众的社会等级，以及在特定歌剧段落中（如咏叹调的爆发点），观众的鼓掌时机和音量，如何成为一种心照不宣的社会密码。 章节四：家庭音乐与女性的驯化：钢琴作为道德的象征 家庭内部的音乐活动，特别是钢琴的普及，是中产阶级文化的核心标志。本书认为，钢琴不仅是一种乐器，更是一个家庭道德的展示柜。一个受过良好教育的年轻女性，能够在客厅演奏肖邦或门德尔松，是其未来作为合格主妇的重要保证。我们深入研究了当时教授钢琴的教材和教学方法，这些材料如何潜移默化地将服从、优雅和情感的克制，编码进音乐实践之中。同时，我们也探讨了那些打破这种期望、追求更高音乐成就的女性音乐家的挣扎。 章节五：酒吧、舞厅与非正式音乐的生命力 与精致的音乐厅形成鲜明对比的是，酒吧（Public Houses）、音乐厅（Music Halls）和舞厅（Dance Halls）提供了平民阶层的情感宣泄出口。这些场所的音乐——如滑稽歌曲（Comic Songs）、通俗谣曲和早期的流行舞曲——往往是粗粝、直接且充满讽刺意味的。本书通过分析当时的“歌本”（Song Sheets）和喜剧演员的表演记录，揭示了平民观众如何通过这些音乐来嘲弄和解构上流社会的道德虚伪和政治僵局，展示了底层声音对主流文化的渗透和反击。 第三部分：技术的介入与声音的工业化 章节六：留声机的阴影：复制时代的听觉焦虑 本书的后半部分转向了技术革新对声音本质的冲击。留声机（Phonograph）的出现，标志着音乐第一次可以被完全脱离表演者本身而存在和复制。我们考察了当时音乐家和评论界对这种“机械再现”的强烈抵触。这种抵触不仅是艺术上的，更是哲学上的：当声音可以被无限复制时，现场表演的神圣性何在？音乐的“真实性”标准开始动摇。 章节七：宗教、节制与声音的净化运动 维多利亚时代对“道德纯洁”的追求也延伸到了听觉领域。本书分析了诸如“节制运动”（Temperance Movement）等社会改革运动如何将特定类型的音乐——例如那些被认为煽动饮酒或淫秽思想的酒吧歌曲——视为社会堕落的载体。我们考察了宗教团体如何积极推广“健康”的音乐，比如赞美诗和清唱剧，试图用一种更具规范性的听觉体验来取代城市中充斥的“不洁”之音。 结语：未被听见的遗产 《尘封的旋律》最终总结道，维多利亚时代的伦敦是一个声音极度分化、充满听觉冲突的城市。每一个音符、每一次静默，都携带了沉重的社会信息。通过对这些被传统音乐史忽略的“杂音”和“噪音”的细致梳理，本书力求还原一个更加立体、更具层次感的十九世纪听觉世界，揭示声音如何不仅反映了那个时代的社会结构，更积极地参与了其形成和变迁。这部作品为研究文化史、社会史以及声音研究的学者提供了一个全新的、以听觉为核心的分析框架。

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这本书的广度令人咋舌，它似乎想要囊括人类音乐体验的方方面面。我特别欣赏作者在探讨音乐与情感联结时所展现出的细腻和克制。它没有陷入廉价的情感煽动，而是探讨了为什么某些和弦进行会触发悲伤，而另一些则带来希望，这背后涉及了文化习得和生理本能的双重作用。书中对世界各地非西方音乐体系的介绍，篇幅虽然不长，但选材独到，比如对非洲部落音乐节奏复杂性的分析，以及印度古典音乐中“拉格”（Raga）体系的内在逻辑，都以一种尊重和审慎的态度进行阐述，避免了刻板印象。这种全球化的视角，极大地拓展了我对“音乐”这个词汇的定义边界。阅读完它，我感觉自己像进行了一次环球音乐旅行，收获的不仅是知识，更是一种对人类表达方式多样性的深深敬意。它成功地将宏大的文化叙事与微小的个体感受完美地融合在一起。

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这本书的学术严谨性令人印象深刻，但绝非那种束之高阁的纯粹学院派著作。它的结构设计非常巧妙，似乎是精心规划了一条从基础认知到高级分析的阶梯。关于不同音乐时期风格演变的论述，作者采用了“对比分析法”，将巴洛克时期的严谨对称性与浪漫主义时期的情感爆发力并置比较，对比之清晰，让人一眼就能把握住核心差异。更值得称道的是，书中对一些当代音乐现象的分析，没有采用简单的好坏评判，而是深入挖掘了其背后的社会文化动因。比如，对于电子音乐中“采样”技术的探讨，作者不仅分析了其技术层面，还深入到版权、文化挪用等复杂的伦理问题，展现了极高的思辨能力。我特别喜欢其中几章对“音乐的非线性时间感”的讨论，这让我开始重新审视我们聆听音乐的习惯——我们是否总是在急于抵达终点，而错过了沿途的风景？这本书无疑是提供了一个慢下来，去细细品味音乐结构之美的绝佳契机。

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我发现这本书最独特的地方在于它对于“聆听”这一行为本身的解构。在信息爆炸的今天，我们似乎忘记了如何真正地去“听”。作者用极为精确的语言，拆解了声音的物理属性、人耳的感知机制，以及大脑对音乐信息的编码过程。这些内容本来可以写得非常枯燥，但作者通过大量的图表和形象化的描述，将复杂的听觉神经科学原理阐释得清晰易懂。特别是书中关于“共鸣”和“泛音列”的章节，配有精美的频谱图示例，让我这个对声学略知一二的读者都感到受益匪浅。它教会我，每一次演奏或欣赏，都不只是音高的简单叠加，而是复杂的物理波形在空间中的交织与互动。这本书对我理解乐器音色的细微差别产生了革命性的影响，我开始关注那些平时容易被忽略的弱奏、颤音或微小的动态变化，因为作者让我明白，这些“边缘”的声音，往往蕴含着最丰富的信息量。这是一次对感官教育的彻底重塑。

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说实话，我一开始对这种标题听起来有些宏大的音乐读物是抱持着怀疑态度的，总觉得这类书籍容易陷入故作高深的窠臼。然而，这本书彻底颠覆了我的印象。它的叙事方式极其个人化，与其说它是一本教科书，不如说它是一位经验丰富的音乐家在与你进行一场真诚的、不设防的对话。作者的文笔充满了画面感和感性的笔触，仿佛能透过文字闻到老旧乐器散发出的木头香气，听到录音棚里细微的气流声。有几处关于即兴创作的探讨，简直是神来之笔，作者没有提供僵硬的公式，而是引导读者去捕捉“灵光乍现”的瞬间，那种鼓励自由探索的精神，对我这个长期困于技巧练习的演奏者来说，简直是久旱逢甘霖。书中穿插的许多个人轶事和创作背景的揭秘，让那些原本高高在上的古典或现代作品瞬间变得有血有肉，充满了人情味。我甚至在阅读过程中，情不自禁地拿起我的乐器，尝试去复现作者描述的某种音色或情感表达，这种即时的互动性是很多理论书籍所欠缺的。它教会我的，与其说是“怎么做”，不如说是“为什么要做”。

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这本书的装帧设计真是太吸引人了，封面上的那幅抽象画作，色彩的碰撞和线条的交织，仿佛预示着一场听觉的冒险。初翻开时，我立刻被它内页的排版所吸引，字体选择既典雅又不失现代感，留白的处理恰到好处，使得阅读体验非常舒适。内容上，作者似乎非常注重理论与实践的结合，每一章节的开头都会有一个引人深思的引言，接着便是对某个音乐概念的深入剖析，从历史渊源到当代应用，层层递进，逻辑清晰得让人赞叹。特别是关于和声进行的那几页，作者用非常生动易懂的比喻，将原本枯燥的理论讲得栩栩如生，即便是对音乐理论稍有涉猎的门外汉也能迅速抓住要点。我尤其欣赏作者在论述中展现出的那种跨学科的视野，时不时会引用到哲学、心理学甚至物理学的观点来佐证自己的音乐观点，这极大地拓宽了我的思考维度。它不仅仅是一本音乐学习的书籍，更像是一把钥匙，开启了通往更广阔艺术世界的入口。读完第一部分，我感觉自己对音乐的感知力似乎都提升了一个层次，对那些过去只是“听过”的曲子，现在能从更深层次去“理解”了。

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