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出版者:Routledge

作者:Furia, Philip/ Lasser, Michael L.

出品人:

页数:360

译者:

出版时间:2006-5

价格:$ 113.00

装帧:HRD

isbn号码:9780415972468

丛书系列:

图书标签:

• 美国歌曲
• 流行音乐
• 民谣
• 乡村音乐
• 音乐史
• 文化
• 美国历史
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• 歌曲集
• 经典歌曲

寰宇之音：世界民族音乐的恢弘史诗 一部穿越时空、横跨大洲的音乐人类学巨著 《寰宇之音：世界民族音乐的恢弘史诗》并非仅仅记录了某个特定国家或地区的音乐现象，而是一部深刻探究人类共性与差异的宏大叙事。它将读者带入一场无与伦比的听觉与文化之旅，系统地梳理了全球不同文明在特定历史、地理和社会背景下孕育出的独特声响体系。 本书的核心在于民族音乐学的田野调查方法论与理论分析的完美融合。作者以人类学家特有的敏锐洞察力，深入到那些尚未被主流音乐工业完全驯化的音乐“活化石”之中，记录和剖析了音乐在人类社会结构中扮演的原始且核心的角色。 第一部分：声音的起源与文明的脉络 本书的开篇追溯了音乐作为一种人类行为的远古起源。它探讨了早期仪式、狩猎活动以及社群凝聚力如何催生了最早的旋律和节奏。 1. 原始声景的解码： 章节详细分析了非洲撒哈拉以南地区，特别是俾格米人（Pygmy）的复调歌唱传统，如何保留了最接近人类合唱本能的形态。通过对中非森林中多层级声部的精妙解析，揭示了节奏在认知形成过程中的基础地位。 2. 东方哲学的音律： 随后，笔锋转向亚洲，聚焦于印度古典音乐（Hindustani和Carnatic）的复杂性。书中没有停留在介绍拉格（Raga）和塔拉（Tala）的技法层面，而是深入挖掘了这些音乐体系如何与印度教的哲学、宇宙观以及时间概念紧密相连。对西藏佛教仪式音乐（Chanting）的阐述，则侧重于声音如何被用作通往精神超越的媒介，以及其音高和呼吸控制的极端纪律性。 3. 欧亚大陆的游牧回响： 专门辟出一章探讨了中亚和东欧草原文化的音乐遗产。从蒙古长调（Urtiin Duu）中那种横跨广阔空间的音域，到高加索地区复杂的和声结构，作者展示了游牧生活方式对音乐叙事和技巧产生的不可磨灭的影响——音乐即是地理的表达。 第二部分：地域特色的声学景观 本书的第二部分，是对全球不同地理环境如何塑造特定音乐形态的实证研究。 1. 热带的律动与岛屿的呼唤： 在对加勒比海和拉丁美洲音乐的考察中，重点分析了跨文化融合的奇迹。从古巴的森巴（Son Cubano）如何融合了西班牙的吉他传统和非洲的鼓点模式，到巴西桑巴的复杂节奏层次，揭示了殖民历史与抵抗精神在音乐中的共存。书中对安第斯山脉音乐的研究，则强调了特定乐器（如排箫Siku）的音色如何适应高海拔的空气稀薄和环境寂静。 2. 北方冰雪下的沉思： 深入北欧和北极地区，探讨了萨米人（Sami）的约伊克（Joik）——一种独特的、更接近于“描绘”而非“歌唱”的音乐形式。这些音乐通常与特定的人、地点或动物相关联，其简洁的旋律结构映照了北方景观的肃穆与广袤。 3. 太平洋的航海史诗： 这一章节聚焦于大洋洲，特别是波利尼西亚群岛的口述历史和群岛歌谣。音乐在这里是导航、是血统的记录，是与海洋神灵沟通的工具。通过对毛利人战舞（Haka）中身体和声音的整合分析，阐明了音乐在社会动员中的直接力量。 第三部分：音乐的社会功能与现代转型 《寰宇之音》的后半部分将视角转向音乐在社会结构中的作用，以及全球化对传统声景带来的挑战与适应。 1. 仪式、权力和身份的载体： 本书深入剖析了音乐在关键人生节点中的不可或缺性——从出生、成年礼到葬礼。例如，对巴厘岛甘美兰（Gamelan）音乐的详尽分析，不仅是乐器编制的介绍，更是对当地等级制度、社区协作和宗教仪式的深入理解。音乐的执行者和听众的角色界限往往是模糊的，体现了高度的社会参与性。 2. 现代性的冲击与音乐的韧性： 面对录音技术、大众媒体和西方音乐的渗透，传统音乐是如何生存的？作者考察了诸如西非的科拉（Kora）乐师如何适应新的市场需求，以及中东地区的传统阿拉伯式（Maqam）音乐在现代流行乐中的微妙体现。重点讨论了“真实性”的困境：当一种音乐传统被记录和商品化后，其社会功能是否被削弱，或者获得了新的生命力？ 3. 跨文化对话的未来： 最终，本书提出了对未来民族音乐学的展望。它不再将传统音乐视为静止的博物馆藏品，而是视为一种持续演化的生命体。通过记录那些正在“混音”和适应新语境的音乐实践，作者肯定了人类对创造和表达的永恒冲动，无论身处何种文化土壤。 结语： 《寰宇之音》是一部向人类共同听觉遗产致敬的百科全书。它提醒读者，每一段旋律、每一个鼓点，都是一段未被记录的编年史，是人类精神与世界互动留下的独特回响。阅读本书，如同拥有一张通往世界每一个角落、聆听每一个部落心跳的珍贵门票。它超越了地域的界限，揭示了音乐作为“人类通用语言”的深刻含义。

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这本名为《America's Songs》的书，单从名字来看，我原本以为会是一部深入探讨美国音乐发展史的宏大叙事，或许会像一部音乐学教科书那样，详尽梳理从殖民地时期到二十一世纪的各种流派演变，分析社会思潮如何映射在旋律和歌词之中。然而，当我真正翻开它时，我发现这远比我预期的要**个人化得多，也更具碎片化的魅力**。作者似乎并没有试图构建一个无懈可击的学术框架，反而更像是在进行一场私人的“音乐考古”。书中大量的篇幅被用来描述一些几乎被主流历史遗忘的民间歌谣片段，那些在洗衣板、农田和狭小酒吧里诞生、随后又迅速消亡的旋律线索。我印象最深的是关于20世纪初那些流浪艺人所唱的抗议歌曲的章节，描述之细腻，仿佛能闻到煤烟和廉价威士忌混合的气味。作者对具体乐器的运用，比如班卓琴在早期乡村音乐中的过渡性角色，分析得极为透彻，但对于后来的摇滚乐或嘻哈文化，提及得却有些寥寥，这让整体的结构略显失衡。如果你期待的是一本覆盖全面的音乐百科全书，这本书可能会让你失望，因为它更像是一部关于“声音的幽灵”的田野调查笔记，充满了对那些未被录音棚驯服的原始声音的迷恋与追溯，读起来需要极大的耐心去拼凑那些散落的线索。

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这本书最让我感到**困惑和震撼**的，在于其对“歌词”和“禁忌”的探讨方式。作者似乎对那些在特定历史时期被审查、被压抑，或因过于直白而未被电台播放的歌词内容抱有一种近乎痴迷的关注。例如，书中花费了大量篇幅，逐句分析了1930年代某些关于劳工权利和性别议题的地下歌谣，试图揭示隐藏在看似无害的旋律下的革命火花。这种对“被删除的历史”的挖掘，无疑是这本书的亮点，它迫使我们重新审视我们今天所熟知的“美国经典歌曲”，意识到主流叙事之下，往往掩盖了多少愤怒与不平。然而，这种深入挖掘也带来了信息过载的风险。在某些章节中，作者似乎陷入了对某一首歌词的过度解读之中，引入了大量心理学和符号学的分析，使得原本清晰的音乐脉络变得模糊不清，读起来如同在走迷宫，需要不断地回溯前面的论点。我对其中关于种族隔离时期，不同音乐社区如何通过音乐代码进行交流的描写印象深刻，这部分展现了作者广阔的研究视野和敏锐的洞察力，即便其论证方式有些跳跃。

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初读此书，我的第一感觉是，这简直就是一本**对“美国梦”的音轨进行了深度反思的散文集**。书中的叙事节奏极其跳跃，完全没有传统传记或音乐史那样严谨的线性逻辑。它更像是将不同年代、不同地域的音乐记忆随机地抛掷在你面前，迫使读者自行去建立它们之间的联系。有一部分章节令人振奋，特别是描绘二战后，南方布鲁斯乐手如何将乡村的忧郁转化为城市化的节奏，那种挣脱束缚的生命力几乎要从纸页中溢出来。作者的文笔非常具有画面感，尤其擅长使用对比手法——比如将密西西比三角洲的泥泞与芝加哥霓虹灯下的喧嚣并置。但问题在于，这种高度的主观性和文学化的处理，有时会牺牲掉信息的准确性和深度。例如，对于特定流派的起源地的论述，几处都显得过于武断，似乎更倾向于一种诗意的阐释，而非基于可靠史料的考证。我个人更希望看到更多关于音乐产业结构变化的讨论，而不是仅仅停留在艺术家的个人情感挣扎上。总而言之，它是一本引人入胜的阅读体验，但作为严肃的音乐研究材料，其严谨性略显不足，更适合那些已经对美国音乐史有所了解，希望获得一些新颖视角的爱好者。

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这本书带给我最大的感受是**一种关于“声音的脆弱性”的沉思**。作者似乎非常关注那些因时代变迁而濒临失传的音乐形式，并试图用文字为它们建立一座临时的纪念碑。书的后半部分，尤其侧重于对那些依靠口耳相传、从未被官方正式发行的音乐录音的追溯，这种“非物质文化遗产”的抢救意味非常浓厚。行文风格变得极为克制和深沉，不再像前几章那样充满激昂的论辩，而是带着一种近乎挽歌般的语调，描述着那些因工业化、大众媒体入侵而逐渐被同质化声音所吞噬的民间音乐传统。这种对“消逝”的关注，使得全书笼罩着一层淡淡的忧郁色彩。我认为作者在处理这些敏感话题时，显示出了极高的同理心和责任感，避免了将这些民间艺术简单地“猎奇化”或“浪漫化”。唯一让我感到略微遗憾的是，在试图捕捉这种广阔的音乐图景时，作者有时会忽略掉音乐背后的商业驱动力，使得部分分析显得过于理想化，未能完全捕捉到艺术与市场相互角力的复杂现实。总而言之，这是一部充满诗意、深度挖掘了美国声音边缘地带的佳作。

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如果说大多数音乐史书籍都在忙着构建一座金碧辉煌的音乐殿堂，那么这本《America's Songs》则像是一个**对殿堂地基进行考古挖掘的行动报告**。它完全摒弃了按照年代或流派进行划分的传统结构，转而采用了一种基于“主题情绪”的松散组织方式。比如，有一章专门探讨“失落与回归的口琴声”，内容横跨了从阿巴拉契亚民谣到波西米亚爵士的近百年历史，将毫不相干的音乐人联系在一起，其核心纽带仅仅是口琴发出的那种特定的“呜咽感”。这种结构让阅读过程充满了惊喜，因为它不断打破听众的预期，强迫你用一种全新的方式去聆听那些熟悉的旋律。但对于初学者来说，这种阅读体验可能相当不友好。它假定读者已经具备了相当的音乐背景知识，否则，那些快速切换的音乐术语和缺乏明确背景介绍的引用会让人感到措手不及。我特别赞赏作者在描述音乐家创作心境时的那种细腻笔触，那些关于灵感迸发瞬间的描绘，充满了对创造力的敬畏，这使得这本书在艺术层面达到了相当的高度，即便在逻辑结构上显得有些桀骜不驯。

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