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出版者:Hal Leonard Corp

作者:Shorter, Wayne (CRT)

出品人:

页数:60

译者:

出版时间:

价格:131.00 元

装帧:Pap

isbn号码:9780634061929

丛书系列:

图书标签:

• 爵士乐
• 即兴演奏
• 乐谱
• 伴奏
• 音乐学习
• 音乐教材
• Jazz
• Play-Along
• 音乐练习
• 器乐演奏

蓝调即兴的自由疆界：深度探索布鲁斯音乐的结构、技巧与情感表达 本书不涉及任何关于“Jazz Play Along”系列或相关爵士乐演奏指南的内容。 本册《蓝调即兴的自由疆界》旨在为所有对布鲁斯音乐怀有深厚兴趣的学习者和演奏者，提供一套全面、深入且极具实践指导性的学习体系。本书专注于解析蓝调音乐这一美国音乐基石的内在逻辑、历史演变、核心和声框架，以及如何在这些框架内实现富有个人色彩和情感深度的即兴演奏。我们相信，真正的即兴不是对既定音符的机械复制，而是对音乐语言的深刻理解与自由运用。 第一部分：蓝调的根源与骨架——理解其结构之美 蓝调，作为爵士乐、摇滚乐、灵魂乐乃至当代流行音乐的共同祖先，其魅力植根于其独特的结构和情感张力。本部分将带领读者从历史深处回溯，理解蓝调是如何在密西西比三角洲的土地上诞生，并最终演变成全球性的音乐现象。 第一章：从田间劳动到音乐殿堂：蓝调的社会学与历史脉络 起源的土壤： 探讨“工作歌曲”（Work Songs）与“灵歌”（Spirituals）如何奠定蓝调音乐的五声音阶和情感基调。 早期大师的遗产： 聚焦于罗伯特·约翰逊（Robert Johnson）、查理·帕顿（Charley Patton）等早期布鲁斯大师的演奏风格及其对后世的影响，分析他们如何利用简单的乐器表达复杂的内心世界。 地理迁移与风格分化： 深入解析从三角洲蓝调（Delta Blues）到芝加哥电声蓝调（Chicago Electric Blues）的演变过程，重点研究地域性如何影响了乐器的选择、音色的处理和节奏感的构建。 第二章：布鲁斯和声的“不变”与“变奏” 蓝调的核心魅力在于其看似简单的和声进行中蕴含的巨大可能性。本章将精确解构蓝调进行（Blues Progression）的各个层面，是技术训练的基石。 十二小节蓝调的解剖： 彻底解析标准的I-IV-V和弦进行，深入探讨其调式特性（Mixolydian Mode）与蓝调音阶（Blues Scale）的相互作用。我们不只是罗列和弦，而是研究每个和弦转换时所产生的“解决”（Resolution）与“不解决”（Tension）的艺术。 九和弦与十三和弦的引入： 学习如何将爵士和弦色彩（如7th, 9th, 13th）巧妙地融入传统的蓝调进行中，以丰富和声的层次感，尤其关注属七和弦的降九音（b9）和升五音（5）的使用，这是连接传统蓝调与更现代风格的关键桥梁。 “快速布鲁斯”与“慢速布鲁斯”的节奏处理差异： 分析不同速度下，演奏者如何调整律动（Groove）和装饰音的使用频率，以适应情绪的需要。 第二部分：即兴的语言——技术、音阶与乐句的构建 掌握了骨架，接下来需要填充血肉。本部分将侧重于即兴演奏所需的技术工具箱，强调如何在限制中寻找自由。 第三章：蓝调音阶的精妙运用：超越基础的层次 蓝调音阶是所有蓝调乐手的起点，但真正的深度来自于对其细节的把握。 小调五声音阶与布鲁斯音阶的融合： 演示如何在同一个小节内，无缝切换使用小调五声音阶（用于表达更沉重的色彩）和布鲁斯音阶（强调“蓝调音符”），以及如何利用这些切换来制造“色彩对比”。 “蓝调音符”的精确控制： 探讨降三音（b3）、降五音（b5）和降七音（b7）在旋律中的作用。我们将详细分析如何通过推弦（Bending）、颤音（Vibrato）和揉弦（Shaking）来赋予这些特定音符以生命力，使其听起来既稳定又充满人性化的波动感。 调式替代与色彩拓展： 介绍如何使用更宽泛的音阶，如多利亚调式（Dorian Mode）或和声小调（Harmonic Minor），在特定的和弦（如II-7或VI-7）上创造出更具张力的色彩，为即兴带来意想不到的转折。 第四章：构建叙事的乐句（Licks & Phrases） 即兴不是随机弹奏，而是将学习到的音符组织成有意义的“句子”。 节奏的驱动力： 分析蓝调节奏的精髓——摇摆感（Swing）与切分（Syncopation）。通过实例学习如何将简单的音符序列放置在拍子的“弱点”上，从而增强驱动力和律动感。 动机发展与呼应（Call and Response）： 探讨如何发展一个核心的音乐动机，通过重复、移位、节奏变化和音高增减，将一个短小的乐句扩展成一段连贯的独奏。这是所有伟大蓝调乐手讲故事的核心技巧。 空间与呼吸： 强调留白（Space）在蓝调中的重要性。成功的即兴段落往往是通过精心安排的停顿来增强下一段旋律的冲击力。本书将提供如何计算和运用停顿的实用指南。 第三部分：情感共鸣——音色、表达与风格的个性化 蓝调音乐之所以动人，在于其强烈的个体情感表达。技术是工具，而情感是目的。 第五章：音色雕塑——从乐器到人声的转化 蓝调演奏的“声音”（Tone）与演奏者自身的情感状态紧密相连。 吉他演奏者的音色控制： 针对吉他手，本书详细分析了拾音器选择、音箱设置（如过载、箱体模拟）对蓝调音色的影响。重点讲解推弦力度、揉弦的宽度与速度如何定义一个演奏者独特的“嗓音”。 铜管乐器与木管乐器的呼吸艺术： 对于萨克斯风或小号演奏者，我们将探讨如何运用气流控制（Airflow）、多重颤音（Multiple Vibrato）以及“刮奏”（Growl）等技术，模仿人声的呜咽和呐喊。 贝斯与鼓点的角色重塑： 蓝调的律动基础在于节奏组。分析低音贝斯如何在保持稳定根音的同时，通过滑音和节奏切分来“推动”独奏者，以及鼓手如何通过军鼓和镲片的细微变化来烘托情绪的起伏。 第六章：融入风格的个性化表达 伟大的蓝调演奏者总是能从传统中汲取养分，但最终形成自己的标志性声音。 从B.B. King到Stevie Ray Vaughan： 通过对比分析当代不同风格的蓝调吉他大师，提炼出他们各自的“签名技巧”——例如B.B. King标志性的推弦与颤音，或SRV的强劲扫拨与高能量演奏。 融合实验： 探讨蓝调如何与其他音乐形式（如放克、灵魂乐、甚至后摇滚）进行健康的交融。学习如何在不损害蓝调核心情感的前提下，引入新的节奏结构或和声色彩。 自我审视与记录： 提供一套实用的自我评估练习，帮助演奏者录制自己的即兴演奏，并从听众的角度分析：我的“故事”是否清晰？我的情感是否到位？如何消除不必要的“赘述”？ 本书的最终目标是帮助演奏者超越对既有乐谱的依赖，真正掌握蓝调音乐作为一种通用情感语言的能力，在舞台上或录音室中，自信、自由地表达那些无法用言语诉说的深刻感受。

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我最近刚开始学习爵士鼓，我对节奏的敏感度一直是个大问题，总是感觉自己和乐队的其他乐手“不在一个频道”上。市面上很多鼓谱要么就是简单的节奏型分解，要么就是针对高级乐手的复杂复合节奏。这本书的独到之处在于，它似乎完全理解初学者对“律动感”的渴望和困惑。书中有一个专门的章节，是通过对经典鼓手的录音片段进行分解，然后用图示来展示他们是如何在高帽子（Hi-Hat）和军鼓（Snare）之间建立起那种标志性的“对话”的。这种“听-看-做”的学习闭环非常高效。它没有直接给出复杂的独奏段落，而是把重点放在如何“稳定地支撑”一个Swing Feel上。我按照书中的指导，一遍遍地练习基础的Ride Cymbal的节奏型，并尝试在上面加入细微的Ghost Notes的练习。通过这些看似简单的基础训练，我明显感觉到自己对时间把控的信心大增，尤其是在和别人合奏时，那种“被带着走”的感觉大大减少了。这本书更像是一个节奏感的“打磨器”，它能帮你把那些松散的节奏点，一颗颗精准地嵌入到音乐的骨架中去，让你的鼓点听起来更“老道”、更有重量感。

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这本乐谱集简直是为我量身定做的，我对爵士乐的痴迷已经不是一天两天了，但总是苦于找不到一套既能系统学习又能真正“玩起来”的教材。市面上那些教材要么过于枯燥，充斥着大量的乐理术语，让我这个实操派望而却步；要么就是曲目编排得太简单，根本无法满足我进阶的需求。然而，当我翻开这本书的时候，那种感觉就像是找到了一位耐心且高明的私人导师。它的排版设计非常人性化，重点突出的地方清晰可见，即使是复杂的和弦进行，也能通过巧妙的图示解析变得一目了然。我特别欣赏它对不同风格爵士乐的覆盖面，从早期的摇摆乐到后来的比波普，再到更现代的融合风格，每种风格都有代表性的练习和范例。更重要的是，它不仅仅是给你一堆五线谱，而是真正鼓励你去“思考”音乐。比如，书中探讨了即兴演奏中旋律动机的发展和变奏技巧，这些都是我在实际演奏中经常遇到的瓶颈。我花了好几个晚上，按照书中的引导，尝试将学到的理论应用于我常弹的几首标准曲目中，效果立竿见影。我的演奏不再是简单的音符堆砌，而是开始有了呼吸感和叙事性。这本书的价值，不在于它收录了多少首曲子，而在于它如何引导你去理解爵士乐的灵魂和精髓，让人感觉每一次翻阅都是一次深入灵魂的对话。

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我是一个业余的贝斯手，大部分时间都在乐队里担任伴奏角色。对于伴奏乐器来说，最大的挑战是如何既能支撑好和声框架，又不至于让自己的演奏过于单调或抢戏。这本书中关于贝斯线条构建的部分，简直是为我这种伴奏型乐手点亮了一盏明灯。它没有像许多贝斯教材那样，一上来就让你练大量的指法跑动，而是聚焦于“功能性”的音乐表达。比如，书中详细对比了行走贝斯线（Walking Bass Line）在四四拍和三四拍中的不同处理方式，特别是如何处理小节的起始音和终止音，以保证乐句的连贯性和推进力。最让我受益匪浅的是关于“和声色彩”的运用。它教会我在基础的三度和五度构建之外，如何巧妙地引入九音、十一音甚至十三音来微妙地暗示和声的色彩变化，这让我的伴奏瞬间立体了起来，乐队的整体音响效果都有了质的飞跃。我们乐队的键盘手都注意到我的变化，开玩笑说我最近“偷师”了什么高级技巧。这本书的优点在于它的实用性和针对性，它关注的不是炫技，而是如何成为一个真正有价值的乐队成员，让你的演奏成为音乐的粘合剂而非干扰物。

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说实话，我对那些动辄就推荐给“所有爵士乐爱好者”的书籍通常抱持着怀疑态度，因为“所有”这个词往往意味着“不精通任何一个”。但这次我必须承认，我被这本书的深度和广度彻底征服了。我主要关注的是中音萨克斯的演奏，对于和声的理解一直是我的弱项。这本书在讲解和弦内音、外音以及如何利用延伸音来构建更丰富色彩的旋律线上，简直是教科书级别的示范。它没有简单地给出“你应该怎么弹”，而是展示了“大师们是如何思考这些音符的”，这种思维层面的引导远比死记硬背重要得多。我记得有一个章节专门讨论了如何在慢速摇摆乐中保持律动感，这看似简单，实则极考验对时值的微妙处理。书里通过具体的节奏型变化和推算练习，让我深刻体会到了“摇摆”的真正含义——那不是机械的附点节奏，而是一种流动的、有弹性的律动。我甚至发现，这本书里的练习素材，如果仔细分析，可以提炼出非常多适用于其他调性或曲式的万能模板。它就像一个高级的“乐理工具箱”，你不仅学会了使用工具，还明白了每种工具在什么情况下能发挥最大效力。对于那些希望从“会弹”跨越到“会说”爵士乐的人来说，这本书提供了坚实的语言基础。

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从一个已经有十年演奏经验的乐手角度来看，这本书的价值在于它提供了一种“反思”现有演奏习惯的机会。很多时候，我们沉浸在自己熟悉的音阶和琶音模式中，不知不觉就形成了一些思维定势。这本书的编排方式，刻意地打破了这些常规。例如，它会让你尝试用一个特定的调式音阶去“强行”演奏一个听起来完全不搭的爵士标准曲，目的就是逼迫你跳出舒适区，去探索音符之间的非线性关系。这种“反直觉”的练习方法非常有效，它强迫你的耳朵和手指去接受和整合那些原本被你忽略的“不和谐”音符，从而拓展了你的听觉词汇库。我尤其喜欢其中关于“节奏切分”的深度剖析，它不仅仅是告诉你怎么在拍子上做变化，而是探讨了这种切分是如何在不同文化背景下演变并融入爵士乐的。这本书的语言风格相对来说是比较学术化的，但这种“硬核”的探讨方式恰恰满足了我这种对音乐本源有强烈探究欲的乐手。读完后，我感觉自己对即兴的理解从一个“技术层面”的执行，提升到了一个“哲学层面”的构建。

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