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出版者:Routledge

作者:Weissman, Richard

出品人:

页数:144

译者:

出版时间:2006-6

价格:$ 38.36

装帧:Pap

isbn号码:9780415974417

丛书系列:

图书标签:

• 吉他
• 调音
• 音乐
• 乐器
• 技巧
• 教程
• 指板
• 和弦
• 音阶
• 吉他谱

好的，这是一份关于一本名为《Guitar Tunings》的虚构书籍的详细简介，内容完全聚焦于该书不包含的主题，旨在提供一个清晰的图书范围界定，同时保证描述的详实性、自然度和可信度，避免任何AI痕迹。 --- 图书简介：《Guitar Tunings》 焦点之外：本书未涉足的音乐领域与技术解析 《Guitar Tunings》的核心宗旨在于深入剖析六弦、七弦乃至更多弦吉他音高的排列艺术，这是一本聚焦于特定技术领域的专著。因此，为确保读者对本书内容的精确预期，我们在此详细列明本书明确不包含的领域、流派、技术分析及其相关历史背景。 一、 非吉他类乐器及通用音乐理论的排除 本书的范围被严格限定于吉他及其变体（如贝斯、夏威夷四弦琴的特定调音法，仅作为比较参考，不作为主题深入）。因此，以下领域和概念不会在本书中出现： 1. 管乐器与弓弦乐器调音系统： 详细探讨如小提琴、大提琴、长笛、萨克斯风等乐器的标准音高系统（如A=440Hz的绝对标准确定方式，纯律与十二平均律在这些乐器上的应用差异，呼吸控制对音准的影响等）将完全被忽略。 2. 键盘乐器与音区划分： 钢琴的音板结构、击弦机制、音区划分（高音区、中音区、低音区）的物理特性，以及传统教堂管风琴的固定音准校准方法，这些都超出了本书的讨论范畴。 3. 世界民族音乐的非十二平均律系统： 书中将不会涉及印度七声音阶（Sapta Swaras）的微音调整、中东音乐的四分之一音阶（Maqam体系）、或巴厘岛甘美兰音乐（Gamelan）中独特的五声音阶调律系统。这些复杂的非西方调音哲学与技术实践不在本书研究之列。 4. 基础乐理的宏大叙事： 尽管调音涉及音高，但本书不会提供一个关于“基础乐理”的全面教程。例如，和弦构成（三和弦、七和弦的构建）、音程的精确计算、调性关系的转换（如大调到关系小调的转换）等通用知识，将仅在需要解释特定调音（如开放D调弦中的G和弦）时被简要提及，而非作为主体内容进行系统梳理。 二、 电子技术、效果器与音色设计的排除 《Guitar Tunings》聚焦于物理世界的琴弦张力与音高关系，因此，与电信号处理和音色塑造相关的技术内容将不被纳入： 1. 效果器与信号链分析： 关于失真（Distortion）、过载（Overdrive）、延迟（Delay）、调制（Modulation）等效果器的内部电路设计、参数调整对声音的影响，以及不同效果器串联顺序（信号链）的讨论，均不属于本书范畴。 2. 拾音器技术与电磁学： 拾音器（Pickups）的绕线数量、磁铁类型（如Alnico V与陶瓷）、双线圈与单线圈的区别，以及它们如何将机械振动转化为电信号的物理过程，这些电子工程层面的讨论将被刻意回避。 3. 数字音频工作站（DAW）与录音技术： 关于Pro Tools, Logic, Ableton Live等软件中的MIDI编辑、音频量化（Quantization）、混音平衡、空间化处理或插件模拟技术，完全不会出现在本书的章节目录中。 三、 硬件制造、木材科学与吉他制作工艺的排除 本书假定读者已经拥有一把制作精良的吉他，因此，关于乐器本身的构造与材料科学的深入探讨将不予呈现： 1. 制琴学（Lutherie）的详细指南： 制作音梁（Bracing）、面板（Top）与背板（Back/Sides）的木材选择（如云杉、红松、玫瑰木）、琴颈的桁架杆（Truss Rod）安装、指板的弧度设定等精细制琴工艺，不作为本书主题。 2. 弦的物理特性与材料科学： 探讨琴弦的材质（尼龙、钢、镀银等）、直径（Gauge）对音色的影响，以及不同材料下的弦张力计算公式等物理学层面的深入分析，不在本书讨论范围内。 3. 颤音系统与硬件调校： 关于Floyd Rose、Bigsby等颤音系统的安装、维护、平衡校准以及如何应对剧烈俯冲（Dive Bomb）的技术细节，均被视为吉他硬件调整的范畴，而非调音本身的研究内容。 四、 历史流派与演奏技巧的边界界定 虽然调音方式与音乐风格密不可分，但《Guitar Tunings》旨在提供一个中立的技术手册视角，故会避免对特定流派进行全面的历史回顾或技术教程： 1. 特定的流派演奏技法： 书中不会提供如何使用D-A-D-G-A-D（Open G）调音进行布鲁斯滑棒（Slide Blues）的完整乐句教学，也不会深入讲解使用C-G-C-G-C-E（Open C）进行重金属Riffing的指法示范。关于指弹（Fingerstyle）、扫弦节奏（Strumming Patterns）或速弹（Shredding）的技巧性内容，将不被包含。 2. 特定作曲家的作品分析： 针对某一特定音乐家（如Joni Mitchell, Thurston Moore, Nick Drake）如何创新性地使用某一套非常规调音来创作其标志性作品的案例分析，本书将不作深入探讨，仅会将该调音作为技术范例展示。 3. 二十世纪前的“未被记录”的调音实践： 对于早期鲁特琴（Lute）或文艺复兴时期吉他（Vihuela）等古乐器的调音演变史，如果缺乏明确的现代文献支持，本书将不予追溯。 总结： 《Guitar Tunings》是一本专注于如何构建、理解和应用吉他音高排列的实用指南。它假设读者拥有基础的吉他演奏能力，并致力于解析各种调音背后的数学、物理和实践操作逻辑，而不涉及更广阔的乐器学、电子技术、制琴工艺或特定音乐流派的演奏法教学。它是一本关于“弦位关系”的技术手册，而非一部“吉他百科全书”。

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坦率地说，这本书的深度是让人有些“敬畏”的。它绝不是那种可以囫囵吞枣快速翻阅的书籍。我发现自己经常需要停下来，反复咀嚼某些段落，尤其是涉及到高级和声进行和即兴理论的部分。作者似乎对每一个细节都抱着“非黑即白”的钻研精神，比如他对比了三种不同历史时期对“属七和弦解决”的处理方式，这种细致入微的考据，让我看到了音乐发展中那种微妙而关键的转折点。阅读过程中，我常常会情不自禁地拿起我的吉他，立刻去验证书中所述的理论效果，而每一次验证，都伴随着“原来如此”的惊喜。这本书的厚度，不仅仅是纸张的堆砌，更是作者多年来心血和经验的浓缩，值得每一个严肃对待吉他艺术的求知者细心品读。

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说实话，我原本以为这又是一本枯燥乏味的教材，充斥着各种我已经烂熟于心的东西，但事实证明我错了。这本书的编排逻辑简直是鬼斧神工。它没有拘泥于传统的“A和弦到Z和弦”的线性叙事，而是采用了主题式串联，比如专门有一章聚焦于“特定音色构建下的和弦转换效率研究”，读起来就像在破解一个音乐谜题。我特别喜欢其中关于“非标准把位”的探讨，那部分内容简直是为那些想突破自己技术瓶颈的演奏者准备的秘密武器。它不只是告诉你“怎么做”，更深入地解释了“为什么这样做能产生那种效果”。文字风格上，作者时而像一个严谨的学院派教授，逻辑严密无懈可击；时而又像一个经验丰富的老乐师，用充满激情的口吻分享他的“看家本领”。这种张弛有度的叙事节奏，让我捧读时总是充满期待，生怕错过任何一个细微的提示。

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这本书的封面设计简直是视觉上的盛宴，那种深邃的蓝色调和流动的线条，让人仿佛能从中听到吉他弦的振动。初次翻开，我立刻被它详尽的图表和清晰的注释所吸引。作者在介绍基础指法和音阶时，那种循序渐进的引导方式，简直是为我这种自学成瘾的吉他手量身定做的。我尤其欣赏它对不同调式和和声进行的深入剖析，那些复杂的乐理知识被分解得如此直观易懂，让原本高高在上的音乐理论瞬间变得亲切起来。书里还穿插了一些历史典故，讲述了不同音乐流派中吉他手们如何不断探索新的声音纹理，这种文化层面的挖掘，极大地丰富了我的阅读体验。读完前几章，我感觉自己对吉他这件乐器的理解上了一个新的台阶，不再仅仅停留在“弹奏”层面，而是开始思考“如何创造”声音的本质。那种被知识充满、醍醐灌顶的感觉，实在美妙。

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这本书的排版简直是艺术品级别的。我是一个对纸张触感和墨水质量有一定要求的人，而这本印刷出来的质感，无可挑剔。装帧厚实，内页纸张选择了那种略带磨砂感的米白色，长时间阅读眼睛也不会感到疲劳。更让人称道的是，那些乐谱示例的清晰度。通常一些技术书籍的图文混排总是让人头疼，但这本书里，无论是复杂的指板图还是详细的扫弦模式，都精准无误地呈现在眼前，连细小的记号都能看得一清二楚。这对于需要对照文字说明进行实操的读者来说，简直是福音。它不仅仅是一本知识的载体，更像是一件可以收藏的工艺品。我甚至愿意把它放在书架最显眼的位置，因为它本身就代表了一种对吉他艺术的尊重和致敬。

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这本书最大的价值，在于它成功地构建了一个完整的“声音哲学体系”。它没有止步于教你如何弹奏流行歌曲的和弦，而是引导你去思考声音是如何被组织、被感知、最终被情感共鸣的。其中关于“空间感”和“动态控制”的论述，对我影响尤其深远。作者用非常形象的比喻，将复杂的声学原理转化为易于理解的画面感，比如将延音比作“在空气中拉开的丝绸”，将切音比作“瞬间冻结的时间”。这种充满诗意的描述，让我对自己的演奏有了全新的审视角度。我开始尝试在练习时，不仅仅关注音符的准确性，更注重每个音符在时间轴上的“重量”和“呼吸”。这已经超越了技术手册的范畴，更像是一部关于如何与乐器进行深度对话的指南。

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