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出版者:McGill Queens Univ Pr

作者:Keillor, Elaine

出品人:

页数:494

译者:

出版时间:2006-9

价格:$ 84.75

装帧:HRD

isbn号码:9780773531772

丛书系列:

图书标签:

• 加拿大音乐
• 音乐史
• 音乐文化
• 加拿大历史
• 艺术
• 文化研究
• 音乐教育
• 音乐理论
• 民族音乐学
• 流行音乐

加拿大音乐史：从原住民传统到当代多元声音 一本深入探索加拿大音乐文化、历史演变及其社会意义的权威著作。 导言：声音的拼贴画 加拿大，一个地域辽阔、族裔多元的国度，其音乐景观正如其地理环境般丰富而复杂。本书《加拿大音乐史：从原住民传统到当代多元声音》旨在系统性地梳理和剖析自前殖民时代至今，这片土地上回荡的各种旋律、节奏和声音叙事。我们拒绝将加拿大音乐视为一个同质的整体，而是将其视为一张由原住民的古老仪式、欧洲移民的古典遗风、以及后世不断涌入的全球化影响所共同编织而成的声音拼贴画。 本书的叙事核心在于探讨“身份构建”与“声音表达”之间的紧密关联。在加拿大独特的政治、社会和文化背景下，音乐如何成为抵抗、融合、怀旧和创新的载体？我们如何理解那些在不同语言和文化语境下被创作、传承和消费的音乐形式？ 第一部分：根源的回响——原住民音乐的永恒旋律 (Pre-Contact to Early 20th Century) 在欧洲人抵达之前，加拿大广袤的土地上生活着数百个不同的原住民族群（First Nations, Inuit, Métis）。他们的音乐并非仅仅是娱乐，而是与宇宙观、仪式、社群生活和口述历史深度交织的“活的历史”。 第一章：土地、精神与仪式之声 本章将详细考察不同地理区域（如太平洋西北海岸、大平原、北极地区）原住民音乐的独特性。我们将分析如卡茨基舞（Potlatch）、太阳舞等关键仪式的音乐功能，探讨排箫、鼓（如框架鼓、双面鼓）和口簧等传统乐器的制作与演奏技艺。重点将放在口头传统对旋律和歌词的传承方式，以及这些音乐如何体现了生态智慧和宗族关系。 第二章：语言的脆弱与保存 殖民化进程对原住民文化造成了毁灭性的冲击，其中音乐传统受到的影响尤为深远。本章将探讨寄宿学校制度对传统音乐的压制，以及在这一背景下，原住民音乐家如何在地下或私密空间中努力维持和重新诠释传统。我们将分析早期人类学家和民族音乐学家的记录，并讨论当代原住民艺术家如何利用这些历史档案，重新激活失落的曲调。 第二部分：欧洲的移植与混杂 (1700s – Early 1900s) 随着法国和英国的定居，欧洲的音乐传统被“移植”到北美的新土壤中，并与本土元素开始发生微妙的化学反应。 第三章：殖民地的礼拜堂与音乐会 重点考察魁北克的早期法国殖民地音乐，包括宗教圣歌、民谣（Chansons）的流传与变异。在英语社区，我们关注早期军乐队、社团合唱团以及富裕家庭对欧洲器乐（如钢琴、小提琴）的引进。分析加拿大最早的音乐教育体系是如何模仿英国模式建立起来的。 第四章：民间音乐的融合与地方性 加拿大民间音乐（Folk Music）的形成是欧洲传统与新大陆生活经验结合的典范。本章将细致考察苏格兰、爱尔兰、乌克兰等移民社区带来的传统叙事歌曲如何适应加拿大的环境，例如纽芬兰的“出海歌”（Sea Shanties）和草原地区的农耕歌谣。分析这些音乐在铁路建设、伐木营地等工人社区中的社会功能。 第三部分：民族主义的勃发与古典音乐的建立 (1900 – 1950s) 进入二十世纪，随着国家意识的觉醒，加拿大人开始探索如何创作出“有加拿大特色”的艺术音乐和流行音乐。 第五章：寻求“加拿大声音”的作曲家 本章集中于早期具有国际影响力的古典音乐家。例如，探讨格伦·古尔德（Glenn Gould）的先驱性贡献，不仅限于其诠释，更在于他对录音媒介的革新性理解。同时，分析如沃尔特·卡斯尔曼（Walter Casman）等作曲家如何尝试将原住民的旋律动机融入到交响乐或艺术歌曲中，以期确立一套独特的加拿大古典语汇。 第六章：广播时代的流行前夜 广播的普及极大地改变了音乐的消费模式。本章考察爵士乐、布鲁斯以及早期乡村音乐（Country & Western）在加拿大的早期发展。分析美国音乐对边境城市的渗透，以及加拿大艺术家如奥斯卡·彼得森（Oscar Peterson）如何在美国爵士乐黄金时代占据重要地位，并将其影响力回馈给本土。 第四部分：从流行革命到文化独立 (1960s – 1990s) 这是加拿大音乐史上最具爆炸性的时期，全球化浪潮与本土身份政治相互碰撞。 第七章：民谣复兴与抗议之声 分析1960年代的民谣复兴运动，特别是对乔妮·米切尔（Joni Mitchell）、伦纳德·科恩（Leonard Cohen）等词曲作者的深入剖析。他们的作品不仅是个人情感的抒发，更是对越南战争、社会不公和身份焦虑的深刻回应。探讨加拿大音乐家在与美国音乐产业竞争中，如何利用公共资助体系（如加拿大音乐委员会）来保护本土创作。 第八章：摇滚乐的本土化与先锋探索 本章梳理从多伦多、温尼伯到温哥华等地孕育出的重要摇滚流派。重点研究“加式摇滚”（Canadiana Rock）的特点——通常包含更强烈的叙事性、更内敛的表演风格，以及对北方景观的迷恋。同时，探讨电子音乐、后朋克在蒙特利尔和多伦多地下场景的兴起。 第九章：魁北克音乐的独立叙事 魁北克音乐（Québécois Music）因其独特的语言环境，发展出一条相对独立的轨迹。本章分析“Chanson Québécoise”如何成为文化认同和政治表达的强大工具，并探讨费尔南德·雷尚（Ferdinand Laflèche）等艺术家的重要性，以及法语流行音乐在魁北克境内的主导地位。 第五部分：全球化、数字时代与声音的未来 (2000s – Present) 进入新千年，音乐的创作、发行和消费模式被彻底重塑，加拿大音乐的多元性达到了前所未有的高度。 第十章：嘻哈、节奏与城市的声音景观 嘻哈（Hip-Hop）作为全球性的青年文化符号，在加拿大主要城市（多伦多、蒙特利尔）扎根并发展出强烈的本土特色。本章分析来自不同移民背景的艺术家如何将他们的多语言能力、对特定社区生活的观察融入到歌词和节奏中，形成独特的“多伦多声音”。 第十一章：原住民音乐的当代复兴与跨界 追踪原住民艺术家在当代音乐光谱中的影响力。分析塔妮娅·塔加克（Tanya Tagaq）等艺术家如何将传统吟唱技术与电子、工业噪音等前卫风格结合，在国际舞台上引发强烈反响。探讨音乐如何成为和解进程中重要的文化桥梁。 第十二章：流行音乐的全球出口与碎片化市场 本章评估加拿大音乐在全球数字平台上的表现。分析当代流行、独立流行（Indie Pop）和电子舞曲（EDM）场景如何利用社交媒体打破地理限制。探讨在Spotify和Apple Music时代，加拿大音乐的成功更多依赖于全球流派的融合，而非单一的“加拿大风格”定义。 结论：无止境的调性 加拿大音乐史是一个持续进行中的、充满张力的对话。它关乎土地的主权、语言的存续、移民的适应，以及在世界文化版图中寻找自我定位的永恒努力。本书所展现的，是一个不断吸收、重构和释放能量的声音集合体，其复杂性和丰富性正是加拿大身份的最佳写照。未来的研究将聚焦于流媒体数据对音乐消费的影响，以及如何在快速迭代的技术中，更好地记录和保护这些珍贵的声景。 附录： 主要音乐家年表、重要录音机构与资助机构列表、关键术语词汇表。

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这本名为《Music in Canada》的书籍，从我个人的阅读体验来看，实在是一部令人耳目一新的作品。它不像我预想中那种枯燥的学术专著，反而充满了活力和对加拿大音乐生态那种细腻入微的观察。作者似乎有着一种魔力，能将那些原本分散在不同地域、不同年代的音乐现象，编织成一张结构清晰却又错综复杂的网络。我特别欣赏它处理不同音乐流派的平衡感。比如，关于原住民音乐的章节，并没有采取一种猎奇或者说“研究标本”的态度，而是深入到其文化根源和仪式功能，文字充满了尊重和敬畏，让人读来能感受到那种跨越时空的共鸣。接着，当叙述转向二十世纪中叶爵士乐如何在蒙特利尔和多伦多扎根并发展出其独特的“加式”风味时，那种笔调又变得轻快而富有节奏感，仿佛能听见萨克斯风的低吟和鼓点的跳跃。这种叙事风格的灵活转换，使得即便是对音乐史不太了解的读者，也能被轻松地代入情境。它不仅仅是在罗列事实，更像是在讲述一群追逐梦想的音乐家们如何在广袤的土地上，用音符构建起属于他们自己的身份认同。这种叙事上的层次感和情感上的饱满度，是我认为这本书最成功的地方，它成功地将历史的厚重感与艺术的灵动性完美地结合在了一起。

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这本书在处理当代音乐产业的部分，显得尤为犀利和具有前瞻性。我尤其欣赏作者对加拿大音乐产业在面对全球化浪潮时所采取的独特策略的剖析。它没有沉湎于过去的辉煌，而是直面了诸如魁北克法语音乐如何通过严格的配额制度保护其文化核心，同时又巧妙地将其独特的情感张力和诗意输出到法语世界乃至更广阔的舞台上的复杂过程。这种对文化政策与艺术创作之间微妙张力的探讨，非常深刻。此外，作者对于诸如“音乐出口”的概念进行了颠覆性的解读，不再仅仅关注唱片销量，而是将音乐节（Festivals）视为一种重要的文化基础设施和软实力投射的载体。在描述多伦多国际电影节期间，音乐产业如何悄然进行其幕后交易和跨国合作时，那种幕布拉开后的真实感，让人对“加拿大制造”这个符号有了全新的认识。它揭示了在看似和谐的文化表象下，其实隐藏着商业逻辑、政治角力以及艺术家们在商业化压力下的挣扎与妥协。这种多维度的批判性审视，使得这本书的价值远远超出了单纯的音乐评论范畴。

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读完这本书，我最大的感受是，作者对于“声音景观”的构建能力达到了一个极高的水准。这绝非一本简单的音乐史流水账，它更像是一部声音地理学著作。它巧妙地利用加拿大独特的地理和社会结构，来解释音乐风格的演变。例如，书中对新斯科舍省（Nova Scotia）芬迪湾（Bay of Fundy）周边民间音乐的分析，那种对海风、渔船和孤寂感的音乐化表达的描述，让我仿佛能闻到咸湿的空气和感受到那种世代相传的坚韧。作者没有停留在“乡村音乐”这个宽泛的标签上，而是细致地剖析了苏格兰移民带来的长笛和提琴的变异，以及如何与当地的爱尔兰和法国血统的音乐元素进行融合，最终形成一种独有的“海洋叙事曲”。反观城市音乐，比如温哥华的独立摇滚场景，作者则用一种近乎于新闻报道的敏锐度，捕捉到了那种在太平洋边缘产生的，带着一丝疏离感和实验性的电子噪音美学。这种从宏观到微观，从自然环境到都市脉搏的切换，展现了作者深厚的田野调查功力和卓越的文字驾驭能力。它真正做到了让读者“听见”加拿大，而不是仅仅“读到”加拿大。

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从文学性角度来看，这本书的行文风格变化多端，极富阅读趣味。它不像我过去读过的某些音乐传记那样，总是聚焦于少数几个巨星的生平轶事。相反，作者更擅长通过对“集体记忆”的挖掘来重构历史。例如，书中有一段关于七十年代卡尔加里牛仔节（Calgary Stampede）音乐盛况的描绘，作者没有直接引用任何音乐家的访谈，而是通过拼贴报纸评论、老照片的文字描述，甚至是当时观众的日记片段，构建了一种强烈的怀旧氛围。那种文字的颗粒感和时间沉淀的厚重感扑面而来，仿佛自己也身处那个尘土飞扬、口琴声与马蹄声交织的盛会之中。这种“去中心化”的叙事方式，让那些在历史洪流中被忽略的伴奏乐手、幕后制作人和地方电台主持人的声音，也得到了应有的呈现。这是一种对音乐史的“普世化”尝试，承认了伟大的音乐往往诞生于无数普通人的合力之中。这种细腻的笔触和对“群众文化”的深刻体察，让这本书读起来既有学术的严谨，又不失人文的温度。

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这本书的真正魅力在于其对“边界”和“身份”议题的探讨，尤其是在当代语境下。作者非常出色地处理了加拿大作为一个多元文化主义国家，其音乐身份是如何在一个不断模糊的全球文化场域中自我定位的难题。书中对移民社区音乐的关注是极具启发性的。比如，书中关于温尼伯地区（Winnipeg）东欧移民社区的合唱团传统，以及他们如何在保持原有语言和旋律的基础上，悄然融入北美福音音乐的和声结构，这种“在地化”的适应性被描绘得淋漓尽致。作者提出的一个观点是，加拿大的音乐并非由一个单一的“核心”辐射而出，而是由无数个“边缘”互相碰撞、渗透而形成的动态网络。这种网络结构强调了流动性和适应性，而非固守单一的文化范式。读完之后，你会深刻地理解到，加拿大的音乐之所以迷人，恰恰在于它永远处于一种“未完成态”，永远在吸收、转化和重塑自身。这种对动态平衡的捕捉，使得整本书充满了生机，读完后留下的不是一个清晰的结论，而是一个更为开放和深刻的思考空间，关于“我们是谁”和“我们听什么”之间永恒的张力。

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