Drum Solos and Fill-Ins for the Progressive Drummer, Bk 2 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Alfred Pub Co

作者:Reed, Ted

出品人:

页数:32

译者:

出版时间:1996-12

价格:$ 9.03

装帧:Pap

isbn号码:9780739017036

丛书系列:

图书标签:

• 鼓教材
• 鼓谱
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• 鼓乐

现代节奏的精进：鼓手进阶技巧与音乐视野拓展 本书旨在为那些渴望突破当前技术瓶颈、拓宽音乐视野的鼓手提供一套系统且富有挑战性的进阶训练方案。它摒弃了基础入门阶段的冗余内容，直击中高级鼓手在速度、精准度、创意以及乐感上的核心需求。全书内容围绕四大核心模块展开，旨在将演奏者的技术水平提升至专业水准，并培养其在多元音乐风格中的适应能力。 --- 第一部分：超越速度与耐力的极限挑战 本部分专注于精密机械化训练，着重提升双手在复杂节奏型和高速演奏中的稳定性和协调性。我们相信，真正的速度源于精准的控制而非盲目的敲击。 1. 多重击打技术的深度解析与应用 (Advanced Stroke Mechanics) 瑞派（Ruff）技巧的精细化处理： 详细分解了从基础的单一瑞派到复杂的复合瑞派（如重叠双音瑞派）的过渡。书中提供了大量的练习曲，要求演奏者在保持恒定速度的同时，对重音的力度、清晰度和时值进行微调。重点练习如何将这些技巧融入到更复杂的军鼓（Snare Drum）独奏片段中，以增加层次感和动态对比。 莫勒（Moeller）技术的动态控制： 探讨了莫勒技术在不同速度区间（从极慢速的控制到极快速的爆发）下的应用变化。书中特别设计了一系列基于莫勒动作的“动态梯度练习”，要求演奏者在同一组动作序列中，平滑地完成力度从 pp 到 ff 的转换，随后再还原，以此训练手臂肌肉对能量的精确调控。 鞭击（Whip）与回弹（Rebound）的平衡： 深入研究了如何有效利用鼓槌的回弹力来节省体力，同时避免过度依赖回弹导致音色过于轻浮。书中引入了“延迟回弹”练习，要求鼓手在特定点“锁住”鼓槌的自然回弹，然后以更强的驱动力将其释放，以实现更具冲击力的重音。 2. 复杂节拍与多重律动（Polyrhythmic Mastery） 不对称重音模式的构建： 区别于传统的固定重音模式，本章侧重于在标准 4/4 拍中植入 5 拍、7 拍或 11 拍的重音循环。提供了大量的图表和节拍器设置指南，教授如何“感受”而非“计算”这些不规则的律动，并将其自然地融入到鼓组的演奏中。 双脚的独立控制与协调： 针对低音鼓（Kick Drum）和踩镲（Hi-Hat/Cymbal）的独立训练。引入了“交叉模式”练习，要求左右脚执行完全不同且相互冲突的节奏型，同时双手保持流畅的伴奏。例如，左脚保持 3/4 拍的律动，右脚执行 4/4 拍的重音，而双手则在 7/8 拍的框架内进行即兴填充。 节奏位移与重叠（Metric Modulation）： 详细解释了如何从一个感觉（Feel）平稳地过渡到另一个速度完全不同的感觉，而不中断音乐流。书中提供了音乐范例，展示如何在流行乐或融合乐中，通过微妙的节奏加速或减慢来实现令人耳目一新的音乐效果。 --- 第二部分：鼓组配置的声学优化与空间处理 本部分超越了敲击技巧本身，转向对声音的塑造和对不同音乐场景的适应性。它关注如何将技术转化为卓越的听觉体验。 1. 调音的艺术与科学（Tuning for Tone and Context） 多层调音法： 介绍如何为同一张鼓皮设置多个清晰的音高点，以应对从极小音量到大音量的动态范围。这包括对皮面中央、边缘以及环形减震圈的针对性调整。 共振管理： 深入探讨了共振（Overtones）的控制技术，不仅仅是使用外部减震环，更重要的是通过精细的调音来塑造鼓皮的“自然衰减曲线”。书中提供了特定风格（如放克、爵士、金属）的推荐调音参考值。 拾音与混音基础（Microphoning Concepts）： 为希望参与录音或现场演出的鼓手提供基础的拾音概念。讲解了如何根据鼓的音色目标，选择不同的麦克风类型（动圈、电容）和摆位（近场、远场、气流声捕捉），从而在混音阶段拥有更大的可塑性。 2. 踩镲与Ride镲的音色雕刻（Cymbal Articulation） Ride镲的“敲击点”分析： 探索 Ride 镲上不同区域（钟心、中段、边缘）所产生的音色差异，并指导鼓手如何通过手臂的细微调整，在演奏中实现“音色渐变”。 脚部动态对踩镲的影响： 训练左脚（或右脚）对踩镲的力度控制，使其不仅仅是“开”与“关”，而是能产生从轻微的“沙沙”声到清晰的“叮”声的平滑过渡，尤其在拉丁和放克节奏中至关重要。 --- 第三部分：风格融合与音乐性拓展 专业鼓手必须能够流利地驾驭多种音乐语言。本部分将技术训练与音乐理论、风格研究相结合。 1. 融合音乐的节奏骨架（Fusion and Odd Time Signature Application） 前卫摇滚与爵士的交汇点： 分析了如 Rush、Dream Theater 等乐队中鼓手如何将复杂的爵士切分与硬摇滚的驱动力结合。重点研究如何将复杂的 11/8 或 13/16 等节拍，转化为听感上具有摇摆感（Swing）的律动。 拉丁与非洲节奏的内化： 深入研究 Clave（关键节奏）的结构，并教授如何将 Clave 植入到标准的四肢协调练习中。这不仅是技巧的增加，更是对节奏感知深度的重塑。 2. 伴奏的艺术：留白与对话（The Art of Serving the Music） 消减技巧（Subtraction Technique）： 教导鼓手如何有意识地“移除”不必要的音符。通过分析优秀录音中的伴奏，展示在关键时刻保持极简的律动，如何比密集的填充更具力量和效果。 即兴中的结构化思维： 提供了构建即兴独奏的“蓝图”——从动机发展（Motif Development）到张力积累（Tension Building），再到高潮释放。强调即兴不是随机演奏，而是基于对当前音乐材料的理解和回应。 --- 第四部分：录音室与舞台的实战模拟 本部分侧重于将练习室的完美表现转化为现场的可靠输出，培养职业素养。 1. 演奏中的视觉与听觉反馈循环： 讲解如何在现场环境中，克服舞台监听的延迟和失真，维持对自身演奏的精确控制。训练鼓手在不看脚的情况下，通过脚部的触感来确认低音鼓和踩镲的精准度。 2. 学习“语汇”：模仿与解构： 本书精选了十位不同风格的大师级鼓手的标志性演奏片段（非直接的鼓独奏，而是他们对歌曲结构的贡献），要求读者进行深入的听觉解构，分析他们的“选择”——为什么在这个位置选择切分音，为什么在这个乐段选择静默。 通过这四个维度的系统训练，读者将不仅是掌握了更多的“花样”，而是真正理解了节奏的内在逻辑和声音的塑造能力，成为一名能适应任何音乐挑战的、具有独立思考能力的现代鼓手。

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这本书的封面设计简直是一场视觉盛宴，色彩搭配大胆而富有活力，一下子就抓住了我的眼球。我一直偏爱那些设计感强的教材，因为它能让我在学习枯燥技巧之余，保持一种愉悦的心情。内页的排版也相当考究，字体清晰易读，五线谱和六线谱的对照做得非常人性化，即便是初学者也能很快上手。更让我惊喜的是，作者在一些关键的节奏型旁边，还附带了非常精炼的文字注释，解释了其背后的音乐理论概念，这对于想要深入理解“为什么”而不是仅仅模仿“怎么做”的鼓手来说，简直是如获至宝。这本书的纸张质量也值得称赞，厚实耐用，即便是经常翻阅和在鼓房里练习，也不容易损坏，这点对于我这种“暴力翻书”的习惯来说，非常重要。整体来看，这本书从外到内都散发着一种专业且对读者友好的气息，光是翻阅的过程，就已经让人对接下来要学习的内容充满了期待。这本书的装帧工艺也体现了出版商的用心，平摊性极佳，放在鼓架上时，书页不会轻易合拢，保证了练习时的流畅性。

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这本书的结构安排，体现了作者对学习曲线的深刻理解。它不是把最难的部分堆砌在最前面让你望而却步，也不是把简单的内容冗长地拖沓。它采取了一种螺旋上升的策略。第一章侧重于建立稳固的基础，但即便是基础练习，也融入了细微的变化和限制性挑战，例如“只使用两个镲片完成一个八小节的填充”。随后，难度稳步提升，通过引入不同的音色和技巧组合，将前一章学到的概念进行“交叉训练”。这种设计使得学习过程充满了连贯性，你不会感觉自己是在学习一堆孤立的片段，而是像在搭建一座精心设计的建筑，每一块砖都是前一块砖的延伸和强化。我个人特别欣赏他们对“空间感”的处理。在一些看似填满所有空隙的复杂乐句中，作者巧妙地留白，甚至明确指出哪些“未演奏的八分音符”是用来构建律动张力的关键。这种对“留白”的教学，对于提升我的整体音乐性起到了立竿见影的效果，让我开始重视节奏中的休止符和呼吸。

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我花了整整一个下午的时间来钻研这本书中关于复合拍号（Compound Meter）的介绍部分，感觉就像是进行了一次酣畅淋漓的思维体操。作者的处理方式非常细腻，没有直接抛出复杂的数学公式，而是通过一系列渐进式的、基于鼓点构建的例子，引导我们自然而然地理解 6/8 拍和 9/8 拍是如何在鼓组上实现富有律动感的填充和独奏的。特别是他们对于“三连音群的重音转移”这一概念的阐述，简直是拨云见日。我过去总是在理论上理解，但实际演奏时总感觉别扭，但这本书里提供的那些练习片段，每一个都像是量身定做，精准地击中了我在那个知识点上的盲区。我甚至发现了一些在其他主流教材中从未见过的、将切分音（Syncopation）巧妙融入复合拍号的“怪异”节奏型，但听起来却出奇地顺口和前卫。对于那些已经掌握了基础四四拍和基本摇滚节奏，渴望将自己的节奏语言提升到一个更具现代感和复杂性的层次的鼓手而言，这本书的深度是完全可以信赖的。它不仅仅是教你“打什么”，更重要的是教你“如何思考节奏的结构”。

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从成本效益的角度来看，这本书的价值远超其标价。作为一名业余鼓手，我购置了各种各样的教材，但很多要么内容陈旧，要么只专注于某一个流派。而这本《XXX》则提供了一个非常宽广的视野。它虽然名字中带有“Progressive”，但其中所蕴含的节奏逻辑，可以无缝地迁移到放克（Funk）、融合爵士（Fusion），甚至是一些更具实验性的电子音乐领域。我发现其中一个关于“十进制节奏”的练习，虽然在爵士乐中应用较多，但将其应用于我一直困扰的复杂放克切分时，突然找到了解决问题的突破口。而且，这本书的配套音频资源（如果包含的话，或者我自行模拟的）质量也极高，伴奏清晰，鼓声的采样非常现代和饱满，这使得我在脱离真鼓练习时，也能获得近似真实的演奏体验。总而言之，这是一本可以伴随鼓手从“熟练”走向“精通”的工具书，它的内容密度和广度，足以支撑数年的持续学习和探索。

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说实话，我原本对这种标榜“Progressive”的教材抱持着一丝谨慎的态度，因为很多时候“前卫”就意味着晦涩难懂、脱离实际演奏场景。然而，这本书的作者显然深谙舞台表现力和录音室精度的平衡之道。他们提供的那些复杂的节奏组合，并非只是为了炫技而存在。我尝试着将其中一个关于“非对称切分”的段落应用到我乐队的即兴段落中，结果令人震惊——原本僵硬的过门瞬间变得立体了起来，听起来充满了张力。更值得称赞的是，书中穿插的那些关于“动态控制”和“音色选择”的建议，虽然篇幅很短，但份量极重。例如，它会建议在特定的高密度填充段落中，将军鼓（Snare）从中央移到靠近小鼓（Side Stick）的位置演奏，以获得更清晰的穿透力，这种注重细节的指导，体现了作者深厚的实战经验，这是光靠理论堆砌的书籍无法比拟的。这不仅仅是一本技巧手册，更像是一位经验丰富的导师在耳边低语，指导你如何用声音去“雕刻”音乐。

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