Tonality and Design in Music Theory pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Prentice Hall

作者:Henry, Earl/ Rogers, Michael r.

出品人:

页数:450

译者:

出版时间:2004-9

价格:$ 143.74

装帧:Pap

isbn号码:9780130811288

丛书系列:

图书标签:

• 音乐理论
• 和声学
• 调性
• 音乐设计
• 音乐分析
• 作曲
• 音乐教育
• 音乐史
• 音乐认知
• 音乐心理学

音乐的结构与表达：一部探索乐理基础与创作实践的深度指南 本书旨在为音乐学习者、理论家和创作者提供一个全面、深入的视角，解析西方音乐传统的核心结构、功能及其在不同风格中的演变与应用。我们不侧重于特定流派或单一的历史阶段，而是致力于构建一个普适性的理论框架，用以理解音乐是如何被组织、感知和表达的。 本书的结构围绕音乐体验的三个主要维度展开：组织（Organization）、关系（Relationship）与意义（Meaning）。我们力求以严谨的逻辑和清晰的阐述，揭示音高、节奏、和声与曲式在构建音乐作品时的内在联系。 第一部分：声音的基石——音高与节奏的组织 本部分聚焦于构成音乐材料的最基本元素，探讨它们如何被系统地组织起来，形成可感知和可分析的结构。 第一章：音高体系的构建与界定 我们首先从音高（Pitch）的概念入手，详细考察十二平均律的数学基础及其在西方音乐理论中的主导地位。本章深入探讨了音程的性质、纯律与十二平均律的对比，以及音高在不同文化背景下的系统化处理方式。 音程的感知与测量： 分析半音、全音、大三度、纯五度等基础音程的听觉效果和数学关系。 调式（Modes）的复兴与功能： 考察古希腊调式、教会调式（教会调式）的音高排列特点，及其在巴洛克、古典时期音乐中的残存与演变，而非仅仅将其视为历史遗迹。 音高集合理论（Pitch-Class Set Theory）的初步介绍： 探讨非传统调性音乐中，音高如何被抽象为集合进行分析，为后来的无调性音乐分析打下基础。 第二章：节奏、节拍与时间的感知 节奏是音乐的“生命线”。本章细致剖析时间在音乐中的组织方式，从最微小的单位到宏大的结构。 节拍（Meter）与律动（Rhythm）： 区分节拍的框架性作用与节奏的流动性。分析复合拍号、异拍（Polymeter）对听觉稳定性的影响。 时值与分割： 探讨复节奏（Polyrhythm）的运作原理，以及如何通过复杂的时值组合创造出特定的律动张力。 时间结构分析： 引入对音乐中“时间感”的分析方法，例如预期、延迟和节奏的对称性与不对称性，这些因素如何影响听众的期待。 第二部分：和声的逻辑——功能与张力 和声是西方音乐理论的核心。本部分将超越简单的和弦名称记忆，深入探究和声的功能性、连接逻辑及其在调性系统中的动态作用。 第三章：调性与功能和声的机制 本章集中于主-属-下属（Tonic-Dominant-Subdominant）关系的经典框架，并分析其背后的驱动力。 三和弦的本质与功能： 详细论述主和弦、属和弦和下属和弦在调性中心建立中的核心作用。分析七和弦的引入如何增强功能倾向。 和声连接的语法： 深入研究功能和声的“规则”——和弦进行（Progression）的趋向性。分析导音（Leading Tone）的强制性解决以及属七和弦的张力释放过程。 调性中心的确立与偏移： 探讨如何通过和声的对比、引入非功能性（如偏属和弦）或代理和弦（Substitute Chords）来暂时削弱或转移听众对主调的感知。 第四章：拓展的色彩——副属和弦与和声的深化 在古典调性框架之上，本章探究作曲家如何通过增加和声密度和色彩来丰富音乐语言。 副属和弦（Secondary Dominants）： 详述如何利用对次级调性的临时属和弦来“借用”色彩，从而在不改变主调的前提下扩展和声范围。 和弦的转位与声部进行（Voice Leading）： 强调声部进行在决定和声体验中的关键性作用。分析流畅的声部进行如何使原本不和谐的连接变得合理。 半音化与变化和弦： 考察半音化音程（Chromaticism）的使用，包括减七和弦（Diminished Seventh Chords）的多功能性及其在转调中的桥梁作用。 第三部分：曲式与结构——宏观的组织蓝图 音乐作品并非孤立的和弦序列，而是具有清晰的宏观结构。本部分分析这些结构如何支撑和放大音乐的叙事性与表达力。 第五章：主题的构建与发展 主题是音乐的细胞。本章探讨如何从最小的动机（Motive）发展出连贯且具有发展潜力的音乐主题。 动机的提炼与变形： 分析节奏、音高轮廓、和声色彩等元素如何作为动机的“基因”被反复利用和转化。 再现与对比的原则： 探讨复述、变化和对比在主题呈现中的作用，以及它们如何服务于音乐的连贯性。 旋律的轮廓与乐句（Phrasing）： 考察旋律线在空间和时间上的布局，以及乐句的呼吸感与结构平衡。 第六章：曲式分析的通用模型 本章提供了一套分析框架，适用于多种风格的曲式结构，着重于功能区段的划分和连接。 呈示部、发展部与再现部的逻辑： 详细分析奏鸣曲式（Sonata Form）中各个部分的功能，重点在于冲突的建立、解决与稳定性的回归。 复曲式与小型曲式： 考察三部曲式（Ternary）和回旋曲式（Rondo）中，A段与B段（或对比段）之间的关系，以及它们如何建立内部的张力与平衡。 段落间的过渡与衔接： 分析转调段、连接句（Bridge）在曲式结构中的作用，它们如何平稳或突兀地引导听众进入新的结构领域。 第四部分：超越调性——边缘的探索与理论的延伸 本部分将视野从传统调性音乐扩展至二十世纪及以后音乐理论的重大转变，为理解当代音乐分析提供工具。 第七章：色彩和声与非功能性连接 探讨在浪漫主义晚期及印象派音乐中，和声如何从“驱动力”转变为“色彩”。 和弦的垂直化： 分析九和弦、十一和弦等高叠和弦的使用，以及这些和弦如何侧重于瞬间的听觉效果而非明确的功能解决。 等音程与全音阶： 考察作曲家如何系统性地利用全音阶或等音程和弦来模糊调性中心，创造出“悬浮”的听觉质感。 第八章：无调性与十二音体系的逻辑重构 本章介绍对传统调性系统进行颠覆性重构的理论方法。 十二音作曲法的基本原理： 阐述音列（Tone Row）的构成、基本形式（Prime, Inversion, Retrograde, Retrograde Inversion）及其在作品中的应用策略。 序列主义的扩展： 探讨在音高之外，对节奏、力度等其他音乐参数进行序列化处理的理论实践。 结语：理论与实践的融合 本书的最终目标是提供一套分析工具，而非僵化的教条。我们坚信，对音乐结构深刻的理解，是自由而富有创造性的音乐表达的坚实基础。掌握这些组织原则，将使学习者能够更好地识别、欣赏和构建那些充满复杂性与深层意义的音乐作品。

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这本书的视角着实令人耳目一新。它并非简单地罗列和解释乐理规则，而是深入探讨了“音色”在音乐结构和情感表达中扮演的深层角色。作者显然花费了大量精力去解构那些我们习以为常的和声进行和旋律布局，将其置于一个更宏观的听觉框架下进行审视。读完之后，我发现自己对巴赫赋格曲的结构清晰度，以及德彪西和声的模糊美感，都有了更细致的体悟。尤其是关于调性色彩在不同历史时期演变的那几章，分析得极其透彻，它揭示了作曲家们如何通过微妙的音色选择来引导听众的情绪，而不是仅仅依赖于传统的调性张力与释放。这本书强迫读者跳出“正确与错误”的传统乐理框架，去感受声音本身所蕴含的“意义”。对于那些已经掌握了基础理论，却渴望提升自己音乐感知深度的演奏者和理论学习者来说，这无疑是一剂强效的“开窍药”。它更像是一本哲学著作，而非一本枯燥的教科书，让你重新思考“好听”背后的原理。

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这本书最引人注目的特点，在于其极高的“跨学科”潜力。它成功地将纯粹的音乐理论与认知心理学、甚至某种程度上的美学哲学熔于一炉。它不把音符视为孤立的符号，而是将它们视为与人类感官和思维结构紧密相关的动态实体。关于“预期”与“偏离”如何在听觉体验中塑造时间感的部分，尤其发人深省。作者没有沉溺于复杂的数学推导，而是将复杂的声学现象转化为可以被音乐家直观理解的概念。对于那些希望在教学中融入更具现代性、更能激发学生兴趣的理论模型的教师来说，这本书无疑是一座宝库。它提供的不仅仅是知识点，更是一种看待音乐世界的全新“滤镜”，让你在面对任何新的音乐材料时，都能从更深层次的色彩和结构维度去进行有效分析和欣赏。

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坦白讲，初次接触这本书时，我感到有些挫败。它的语言风格非常凝练，充满了专业术语，对于习惯了通俗易懂讲解的读者来说，门槛设置得比较高。然而，一旦你成功地“破译”了作者的行文逻辑，你会发现其中蕴含的巨大能量。这本书的价值不在于它教你如何写一首曲子，而在于它教会你如何“听”一首曲子。它挑战了许多我过去深信不疑的音乐直觉，比如关于“功能和声”的绝对性。作者通过对特定作曲家作品的微观剖析，展示了“色彩”如何有时能凌驾于“功能”之上，成为驱动音乐发展的核心动力。我特别欣赏其中对于“对比”与“统一”如何在音色层面上实现平衡的讨论，这部分内容，对于编曲和配器工作者来说，简直是金玉良言。它提供了一种全新的工具箱，让你去处理那些传统理论难以解释的听觉现象。

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这本书的叙事节奏非常流畅，它没有让人感觉像是在被动接收知识，而更像是在跟随一位经验丰富的音乐大师进行一次深度漫游。作者总能在看似无关的两个音乐现象之间建立起意想不到的桥梁，让你感叹“原来如此，这才是内在的联系！”例如，书中将特定调式在民间音乐中的运用，与现代主义作曲家对固定音响的偏好进行了类比，从而揭示了某种跨越时代的听觉偏好。这种宏大叙事与微观细节的完美结合，使得阅读过程充满了发现的乐趣。我特别喜欢作者在行文中偶尔流露出的那种对音乐艺术本身的热爱和敬畏，这使得即便是最技术性的讨论，也充满了人文关怀。它不会直接告诉你答案，而是会引导你提出更好的问题，激发你自身的探索欲，这种“启发性”是很多同类书籍所欠缺的。

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我必须说，这本书在概念的组织和论证的严密性上达到了极高的水准。它没有被时下流行的某些音乐分析流派所左右，而是秉持了一种近乎科学的严谨态度去构建其理论模型。从声学基础出发，逐步推导出不同音程组合在心理感知上产生的特定“重量感”和“空间感”，这种自下而上的构建方式令人信服。特别是书中关于“等距调性系统”与“非等距调性系统”的对比分析，简直是教科书级别的展示。作者不仅提出了理论，还辅以大量的、跨越了古典、浪漫乃至爵士乐谱例进行佐证，使得抽象的理论立刻变得触手可及。阅读过程中，我甚至不得不经常停下来，回到乐谱上重新核对作者的论点，每一次回溯都加深了我的理解。对于那些需要为学术论文寻找坚实理论基础的研究生来说，这本书提供了一个极具原创性和说服力的框架，它的索引和注释也做得非常详尽，极大地便利了进一步的深入研究。

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