Documentary Screens

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出版者:Palgrave Macmillan
作者:Beattie, Keith
出品人:
页数:288
译者:
出版时间:2004-9
价格:$ 129.95
装帧:HRD
isbn号码:9780333741160
丛书系列:
图书标签:
  • 纪录片
  • 电影研究
  • 视觉文化
  • 媒体研究
  • 文化研究
  • 数字媒体
  • 影像学
  • 传播学
  • 社会学
  • 艺术史
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具体描述

Documentary productions encompass remarkable representations of surprising realities. How do documentaries achieve their ends? What types of documentaries are there? What factors are implicated in their production? Such questions animate this engaging study. Documentary Screens provides a comprehensive and critical introduction to the formal features and histories of central categories of documentary film and television. Among the categories examined are autobiographical, indigenous and ethnographic documentary, compilation films, direct cinema and cinema verite and television documentary journalism. The book also considers recent so called popular factual entertainment and the future of documentary film, television and new media. This provocative and accessible analysis situates wide ranging examples from each category within the larger material forces which impact on documentary form and content. The important connection between form, content and context explored in the book constitutes a new and lively 'documentary studies' approach to documentary representation.

探索电影的魔力与历史的印记:《光影的纹理:电影艺术的演变与革新》 书籍简介: 《光影的纹理:电影艺术的演变与革新》是一部深入剖析电影作为一种独特艺术形式的百年发展历程的重量级著作。本书并非简单地罗列某一类影片的类型介绍,而是以一种宏大而精微的视角,追溯了电影技术、叙事结构以及文化影响力如何共同塑造了我们今日所见的银幕世界。全书结构严谨,内容翔实,旨在为电影研究者、电影制作人以及所有热爱光影艺术的读者提供一个全面而深刻的理解框架。 第一部分:黎明前的微光——电影的诞生与早期实验 本书开篇追溯了电影的“前历史”,探讨了光学幻象、摄影术的发明与魔术装置(如皮影戏、西洋镜)如何为动态影像的诞生奠定了理论与技术基础。我们细致考察了卢米埃尔兄弟的“活动电影放映机”与爱迪生的“留声放映机”之间的路线分歧,分析了这些早期发明家如何无意中开启了一个全新的媒介。 随后,我们将目光聚焦于梅里爱——这位被誉为“电影魔术师”的先驱。详细解析了他如何通过蒙太奇的初步运用(如定格替换),将电影从单纯的“记录现实”提升到了“构建奇观”的层面。这一部分不仅描述了《月球旅行记》的制作细节,更侧重于分析梅里爱对视觉特效的早期贡献,以及这些技术如何影响了后世的叙事想象力。 紧接着,我们将探讨早期电影制作中心——从法国的巴黎到美国的东海岸——的地理差异如何影响了叙事风格的初化。例如,芝加哥学派在纪实风格上的初步探索,以及如何在美国西部的荒野中孕育出史诗般的长片结构。 第二部分:格律的建立与风格的自觉——从默片到有声时代的过渡 本部分的核心在于分析电影语言如何从最初的粗糙模仿戏剧表演,发展出自身独特的语法体系。重点剖析了俄罗斯蒙太奇学派的理论基石——爱森斯坦的“碰撞蒙太奇”与普多夫金的“链接蒙太奇”的差异,并结合具体的影片案例,如《战舰波将金号》的“敖德萨阶梯”场景,阐释了如何通过非连续性的剪辑制造强烈的情感冲击力与政治寓意。 同时,我们深入考察了好莱坞的“制片厂制度”的建立及其对电影工业化的影响。解析了“明星制度”的商业逻辑,以及制片厂如何系统性地生产出迎合大众口味的类型片(西部片、歌舞片、黑色电影的雏形)。 有声电影的引入,被视为电影史上最剧烈的技术革命之一。本书详细描述了从有声技术试验的尴尬期,到声音被成功整合进叙事中的过程。我们探讨了有声技术如何意外地催生了对白和表演方式的根本性变革,以及早期的“有声片”在技术限制下所表现出的局限性与创新性。 第三部分:黄金时代的成熟与全球视野的拓展 步入二十世纪三四十年代,电影艺术达到了一个高度成熟的平衡点。本章聚焦于欧洲艺术电影的崛起,特别是德国表现主义对光影、空间和心理状态的极端化处理,以及法国印象派和超现实主义对感官体验和潜意识世界的探索。通过对魏斯和布纽尔作品的对比分析,读者可以清晰地看到不同文化背景下,艺术家如何运用光影来表达内在的焦虑与反叛。 在好莱坞黄金时代,导演的个人风格开始逐渐浮现,尽管受到审查制度(海斯法典)的制约,但天才导演们依然找到了表达的缝隙。我们对梅里克、福特等大师的镜头语言进行了细致入微的分析,探讨了他们如何在高成本的制片体系内,保持了艺术家的独立性。 第四部分:反叛与革新——战后电影的解放与重塑 二战的创伤与社会结构的剧变,促使电影语言走向了更为内省和批判的道路。意大利新现实主义的出现,标志着电影对“真实”的回归,它摒弃了影棚布景,转而采用实景拍摄和非职业演员,探讨普通人在社会底层挣扎的困境。 随后的法国新浪潮运动,则彻底颠覆了传统的叙事规范。本书深入剖析了“作者论”(Auteur Theory)的理论基础,阐释了特吕弗、戈达尔等人如何通过手持摄影、跳切(Jump Cut)和打破“第四堵墙”等手法,强调导演的主体性,将电影视为一种高度个人化的表达媒介。这股反叛浪潮迅速席卷全球,直接催生了欧洲、日本乃至拉丁美洲的本土新电影运动。 第五部分:媒介的多元化与数字时代的挑战 进入七十年代,电影工业经历了“新好莱坞”的洗牌,导演中心制得以巩固,商业大片概念开始形成。本部分分析了类型片如何在新浪潮美学的冲击下被重新解构和重塑。 随后,我们将时间线推进到数字技术全面渗透的当代。本书细致考察了计算机生成图像(CGI)技术对叙事潜力的无限拓展,以及数字摄影对传统胶片美学的冲击。我们探讨了流媒体平台对电影发行和观影习惯带来的根本性改变,并讨论了在媒介日益碎片化的今天,电影艺术如何努力维系其作为公共文化体验的地位。最后,本书对未来电影形态进行了审慎的展望,思考虚拟现实、交互式叙事等新兴技术对“光影的纹理”可能产生的深远影响。 全书辅以大量珍贵的历史图片、技术图表和导演访谈录的精炼摘录,确保了内容的学术深度与阅读的流畅性。它不仅仅是一部历史回顾,更是一部引导读者深入理解电影作为人类集体记忆载体和创新思想试验田的工具书。

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读后感

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用户评价

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这本书给我的感觉是,它不仅仅是一本关于纪录片理论的书,更像是一部关于“看见世界的方式”的编年史。我个人对书中关于七十年代新浪潮纪录片运动的分析特别着迷。作者细致地解构了那些独立电影制作人如何故意打破传统的叙事结构,使用闪回、画外音的错位,甚至是故意模糊的影像质量,来挑战观众对“真相”的固有期待。他特别提到了一位鲜为人知的拉美纪录片导演,他的作品充满了对殖民主义遗产的控诉,那种粗粝的、近乎实验性的镜头语言,在书中被分析得淋漓尽致。我感觉作者对世界各地、各个流派的纪录片都有着惊人的涉猎广度,从好莱坞的制作标准到欧洲的先锋探索,再到亚洲的社会记录,他都能信手拈来,并且用一种非常个人化的、带有强烈洞察力的笔触进行解读。这本书的价值在于它拓宽了你对“纪录片”这个词的理解边界。

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我必须承认,这本书的学术性是很强的,但阅读体验却出奇地引人入胜。作者的论述逻辑链条非常清晰,他总能将复杂的理论概念,比如“凝视的权力”或者“影像的主体性”,通过具体的电影案例进行阐释,让人豁然开朗。我特别喜欢他处理那些具有争议性题材时的那种冷静和审慎。例如,关于战争记录片中“受难者形象”的呈现,书中引述了多个相互矛盾的文本和影像证据,展示了在伦理困境中,影像如何可能成为一种剥削工具,而不是解放力量。这种对影像伦理的深度挖掘,让我感到这本书不仅仅是在“描述”历史,更是在参与一场持续至今的道德辩论。阅读这本书,我感觉自己不再是一个被动的观众,而更像是一个积极的、批判性的参与者,不断地在文本的引导下,审视影像背后的权力结构和意图。

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啊,我最近读完了一本名叫《Documentary Screens》的书,说实话,它完全超出了我的预期。这本书给我的感觉就像是走进了一个巨大的、充满历史回声的电影档案室,但又不仅仅是堆砌资料。作者的叙事方式非常独特,他没有采用那种枯燥的编年史写法,而是像一个老练的策展人,将那些看似不相关的历史片段和银幕上的影像巧妙地编织在一起。特别是关于战后欧洲纪录片如何反映社会焦虑的那几章,简直是神来之笔。他深入剖析了早期电影制作人如何利用手持摄影机捕捉日常生活的“真实”,那种原始的、未加修饰的力量感,至今仍让人不寒而栗。我尤其欣赏他对“观看”这一行为的哲学探讨。他提出,纪录片不仅仅是记录现实,更是一种构建现实的媒介。这种视角让我重新审视了我过去看过的所有经典纪录片,感觉像是被赋予了一副全新的眼镜。这本书的语言富有张力,时不时会冒出一些让人拍案叫绝的金句,但又不失学术的严谨性,推荐给所有对视觉叙事和历史构建感兴趣的人。

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老实说,这本书的厚度有点吓人,我花了整整一个多月才啃完,但每翻开一页都不觉得是负担,反而像是在跟随一位知识渊博的向导穿越时空。我最欣赏的是它对技术与内容之间关系的考察。比如,书中详细描述了早期新闻纪录片对胶片技术依赖的程度,以及这种技术限制如何反过来塑造了叙事节奏和美学风格。有一部分内容专门探讨了冷战时期,跨国界的纪录片交流是如何被政治意识形态所过滤和扭曲的,那种无形的审查机制在影像中留下的“空白”比有形的画面更具冲击力。作者的文笔带着一种沉稳的、近乎诗意的克制,他从不急于下结论,而是将证据和影像分析层层铺开,让读者自己去体会其中的张力。读完后我最大的感受是:我们今天所理解的“客观性”在纪录片的历史中是多么脆弱和多变。它不是一个固定的标准,而是一场永无休止的、技术与权力博弈下的产物。

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如果用一个词来形容我的阅读感受,那会是“震撼”。这不是那种廉价的、表层的震撼,而是源于对事物底层逻辑被揭示出来的深刻冲击。这本书对“真实”的追问贯穿始终,而且它不满足于停留在理论层面,它将历史、美学、政治、技术拧成一股绳,展现出纪录片艺术的复杂性。我尤其欣赏作者对于非英语系国家纪录片发展脉络的梳理,这部分内容在很多同类书籍中常常被忽略。他深入探讨了在资源匮乏的地区,电影制作者如何利用最基础的设备,创造出最具反抗精神的影像语言。书中对某个东方国家在特定历史时期,如何利用“教育片”外壳来传递地下信息的分析,简直是教科书级别的案例研究。读完后,我最大的收获是:一部伟大的纪录片,永远是时代精神和个体意志碰撞出的火花,而这本书,就是这火花最清晰的记录者。

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