The First Hollywood Musicals pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:McFarland & Company

作者:Edwin M. Bradley

出品人:

页数:400

译者:

出版时间:2004-09-30

价格:USD 49.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780786420292

丛书系列:

图书标签:

• Musical Film
• Hollywood History
• Early Cinema
• Film Studies
• Music in Film
• American Cinema
• Golden Age of Hollywood
• Broadway
• Dance
• Popular Culture

银幕上的金色年代：经典好莱坞歌舞片的兴衰与风格流变 一部深入剖析二十世纪上半叶好莱坞歌舞片黄金时代的权威著作，旨在揭示这一特殊电影类型的艺术成就、技术革新及其在社会文化变迁中的独特地位。 本书超越了对流行歌曲和明星光环的肤浅描摹，力图构建一个多维度的分析框架，探讨“歌舞片”这一概念在1927年至1950年代初的剧本创作、导演策略、摄影技术以及音乐编排方面所经历的深刻演变。我们将详细考察从默片向有声电影过渡初期，制片厂如何摸索和确立歌舞片叙事模式的过程，并深入分析那些定义了该类型美学标准的先驱者和大师们的创作手腕。 第一部分：声音的降临与类型的诞生（1927-1935） 引言：从“喧嚣”到“歌舞”的艰难转型 有声技术的引入，对好莱坞而言是一场颠覆性的革命，而歌舞片恰恰是这场革命中最先受到瞩目、也最先遭受质疑的类型。本书的开篇将集中探讨早期有声片的“技术展示”倾向——那些粗糙但充满活力的录音和布景，如何为后来的精致化埋下伏笔。 1. 华纳兄弟的赌注与《爵士乐之歌》的遗产： 我们将审视华纳兄弟如何利用全新的技术优势，迅速将歌舞元素融入剧情，探讨早期歌舞片中“后台故事”（Backstage Stories）的叙事母题如何被确立。重点分析早期歌舞片中对舞台艺术的直接挪用，以及这种挪用如何既是技术限制的产物，也是一种美学选择。 2. 导演的困境与摄影的突破： 早期歌舞片对场面调度和场次划分提出了前所未有的挑战。麦克·柯蒂斯（Michael Curtiz）早期作品中对舞台灯光的电影化处理，以及在限制性的摄影棚环境中创造出深度和动态感的尝试，将作为案例进行细致剖析。重点关注同期录音技术对演员走位和镜头移动的影响。 3. 歌舞叙事模式的初步确立： 分析在这个阶段，歌舞片如何开始分离出两条主要的叙事路径：一是作为逃避现实的纯粹娱乐（如早期的阿斯特-罗杰斯组合的雏形），二是将歌舞段落整合入严肃剧情（如早期福克斯的音乐剧）。我们将审视早期的“叙事中断”问题——即歌舞段落为何会突然插入，以及制片厂如何尝试用更具逻辑性的过渡来包装这些段落。 第二部分：米高梅的辉煌与歌舞的“整合”时代（1935-1945） 引言：从舞台模仿到电影化的叙事引擎 随着技术成熟和预算的增加，歌舞片不再满足于简单的片段展示，而是寻求与情节的深度融合。米高梅（MGM）在这一时期的崛起，标志着歌舞片进入了其叙事和制作水准的鼎盛时期。 1. 编排的革命：巴斯比·伯克利（Busby Berkeley）的几何宇宙： 虽然伯克利的主要精力集中在华纳兄弟，但他对画面构图的颠覆性影响贯穿了整个黄金时代。本书将用专门章节探讨其“抽象主义”的编舞理念——如何利用大规模的群演、复杂的机械装置和独特的俯拍视角，将人体转化为动态的、纯粹的视觉符号。分析其作品中潜藏的对工厂化生产和消费主义的隐喻。 2. 弗雷德·阿斯泰尔与金吉尔·罗杰斯的“优雅”： 探讨阿斯泰尔与罗杰斯合作期间，歌舞片如何实现了叙事与舞蹈的最高度统一。他们的成功并非偶然，而是基于对爵士、踢踏舞与古典芭蕾的精妙融合，以及舞蹈动作如何直接推动人物情感和情节发展。分析他们作品中对社会阶层、浪漫关系和性别角色的微妙处理。 3. 歌舞片的叙事工具化： 重点分析在这一时期，歌舞段落如何从叙事负担转变为叙事加速器。通过分析几部关键的MGM作品，我们发现歌曲和舞蹈开始承担起解释人物内心世界、预示未来冲突或提供情感宣泄的功能。摄影机开始学习舞蹈的节奏，而不是仅仅记录舞台。 第三部分：特效的战争与风格的多元化（1945-1955） 引言：战后心态、色彩的爆发与电视的挑战 二战结束后，好莱坞迎来了彩色技术的普及和新一代导演的加入，歌舞片开始探索更广阔的题材和更成熟的心理深度，但同时也面临着电视这一新兴媒体的竞争压力。 1. 特拉维斯的自然主义与高成本制作的对垒： 探讨以亚瑟·弗雷德（Arthur Freed）制作人为代表的MGM团队如何将歌舞片带入“全彩、全景”的时代。对Technicolor技术的运用如何改变了舞台设计、服装选择和布景的规模。分析这一时期，歌舞片如何开始处理更复杂的战后主题，例如对梦想与现实的再审视。 2. 歌舞片的“地域性”与“跨文化”尝试： 考察歌舞片如何走出棚内，将故事背景设定在异国情调的环境中（如拉丁美洲或欧洲），以及这种“异域风情”的呈现方式中存在的文化刻板印象与电影想象力的张力。 3. 严肃主题的介入： 审视像《锦城乐事》（On the Town）这类作品，它们如何成功地将高度程式化的歌舞场景植入到更具纪实感的城市环境中，标志着歌舞片对现实主义叙事语境的进一步渗透。这些作品预示着歌舞片未来向更成熟、更贴近生活主题的发展方向。 结论：黄金时代的落幕与遗产的继承 本书最后总结了二十世纪五十年代初期，随着电视的普及和流行音乐形态的变化，传统好莱坞歌舞片模式所面临的结构性危机。然而，这些早期的杰作不仅在技术上推动了电影语言的进步，更在文化上确立了一种关于集体欢乐、浪漫理想主义的电影范式，其美学影响至今仍可以在现代的电影和舞台剧中找到清晰的脉络。本书旨在为研究者和爱好者提供一个清晰、深入的地图，以导航这个充满活力、光芒四射的银幕上的金色年代。

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这是一本极其注重“语境”的作品。作者深知，一部电影音乐剧的诞生，绝非仅仅是剧本和旋律的结合，它镶嵌在特定的经济结构、观众口味变迁以及全球性的文化交流之中。我尤其欣赏它对于早期国际影响的探讨，比如欧洲歌舞片传统是如何被好莱坞吸收、改造，并最终以更具商业化、更“美国化”的面貌反输回世界的。书中对版权和改编权的早期争夺战的描述，简直可以拍成一部精彩的商业谍战片，展现了知识产权在电影工业化进程中的关键作用。而且，作者的语言风格极其考究，既有学术研究的严谨性，又保持着一种近乎诗意的叙述感。它避免了使用过于晦涩的专业术语，而是通过生动的案例和精妙的比喻，将复杂的工业运作和艺术理论清晰地呈现给非专业读者。读完后，我感觉自己对“好莱坞经典”这个标签有了更具穿透力的认识，不再是盲目的崇拜，而是基于理解的欣赏。

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这部关于电影音乐剧史的著作，简直是为所有热爱歌舞片黄金时代的人量身定做的。作者在梳理早期好莱坞音乐片的发展脉络时，展现出了惊人的细节挖掘能力。我尤其欣赏它对于技术革新如何影响叙事手法的探讨。比如，书中花了大量的篇幅去解析有声电影初期，摄像机如何从笨重的不移动状态，逐渐解放出来，配合歌舞场面的调度。那种从舞台剧移植到银幕上的不适应期，以及早期导演们是如何绞尽脑汁去解决声音录制的技术难题，被描述得绘声绘色。读起来，你仿佛能听到那些早期录音棚里，演员们为了找到最佳声场而进行的无数次排练与失败。它不仅仅是罗列了重要的影片，而是深入剖析了每部作品在艺术和商业上的意义，探讨了为什么某些创新性的歌舞编排能够引领潮流，而另一些则迅速被市场淘汰。这种对“为什么”的深入追问，使得整本书的学术价值远超一般的影史回顾，更像是一部关于媒介转型的社会学研究。对于渴望了解那段光影魔力起源的影迷来说，这是一本不可或缺的案头书。

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我是在一个寻找特定导演早期作品影响的契机下接触到这本书的，原本以为会是一本枯燥的年代史梳理，没想到它带来的是一场华丽而又充满洞察力的视觉盛宴。作者对于“好莱坞”这个概念的构建过程有着独到的见解，尤其是在音乐剧这个载体上体现得淋漓尽致。最让我眼前一亮的是它对社会文化背景的交叉分析。书中细致地描绘了“大萧条”时期，歌舞片如何成为美国公众逃避现实、寻求短暂欢愉的精神麻醉剂。那些奢华的布景、光怪陆离的服装，并非空中楼阁，而是特定历史时期大众心理需求的外化。作者并没有止步于对娱乐性的赞美，而是尖锐地指出了这些音乐剧在性别刻板印象和种族隔离等议题上所暴露出的局限性。这种批判性的视角，让原本可能流于肤浅的怀旧之作，变得立体而厚重。阅读过程中，我多次停下来，去翻阅附带的剧照和海报，那些黑白影像似乎都在作者的文字引导下，重新焕发出鲜活的生命力。

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坦白说，我原本对“早期”的定义有些模糊，以为书中重点会放在三四十年代的巅峰期，但这本书的叙事跨度比我预期的要广，这给了我很大的惊喜。它从默片时代的遗风，一直追溯到有声技术初期的混乱与试验，直至最终形成成熟的制作模式，整个过程犹如解剖一个复杂的生命体。它对于幕后角色的重视也值得称赞。我们常常只记住了那些闪耀在银幕上的巨星，但这本书却将聚光灯投向了那些编剧、作曲家、以及最重要的——舞蹈指导们。例如，对某位著名舞蹈大师如何融合欧洲古典芭蕾与美国爵士乐的技艺的描述，那段文字的节奏感极强，简直像在阅读一篇关于肢体语言的论文。此外，书中对不同制片厂风格差异的对比分析也极为精彩，福克斯的宏大叙事、米高梅的奢华排场，那种在字里行间就能感受到的制片厂文化差异，让人对好莱坞的工业化运作有了更深层次的理解。

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这部书的结构设计非常巧妙，它没有采用简单的年代顺序，而是以主题模块划分，比如“从舞台到银幕的张力”、“声音技术的突破与限制”、“明星体制下的音乐人角色塑造”等。这种非线性的梳理方式，反而让历史的重点更加突出。我最喜欢它在探讨“审查制度”与歌舞片创意的碰撞那一章节。在保守的道德压力下，那些充满活力和自由精神的歌舞场面是如何巧妙地“潜入”叙事，或者如何通过隐喻来表达被压抑的主题，书中给出了许多令人拍案叫绝的分析案例。这种对艺术与禁忌之间微妙平衡的捕捉，体现了作者敏锐的观察力。更不用说，书中对那些被主流叙事遗忘的幕后贡献者的挖掘，让我对几位重要的编曲家和歌词作家有了全新的认识，他们才是构建起音乐剧情感核心的真正工程师。总而言之，这是一部信息密度极高，但阅读体验极其流畅，充满发现乐趣的经典研究。

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