具体描述
Unlike other books on Martin Scorsese that favor the discussion of broad themes and plot summaries, Scorsese Up Close: A Study of the Films also looks at the cinematic text of the great director's films. With a scrutiny comparable to the detail Scorsese brings to the shooting and editing process, author Ben Nyce examines particular shots or sequences of shots in many of the director's works. By focusing on these key components, Nyce explains how the visual and aural elements of such scenes dramatize Scorsese's singular vision. Nyce first discusses several of the early works that established Scorsese as a filmmaker, beginning with a short student film, What's a Nice Girl Like You Doing in a Place Like This? Subsequent chapters focus on individual films in the Scorsese canon, including Mean Streets, The Last Temptation of Christ, The Age of Innocence, Bringing out the Dead, Taxi Driver, and Raging Bull. Nyce's close attention to the details within each of these films will satisfy fans and students alike, especially those who share a passion for Scorsese's artistry and an appreciation for the craft of his filmmaking. Illustrated with photos.
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读后感
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用户评价
从排版和选材上来看，这本书显然是为那些已经对电影史有一定了解的读者准备的，它建立在一个坚实的基础之上，然后向上搭建起一座复杂而精美的理论殿堂。作者对“蒙太奇”这一概念的阐释，颠覆了我过去对它“快速剪辑”的刻板印象。他深入挖掘了爱森斯坦时代到后现代主义语境下，蒙太奇在意识形态构建中的作用，以及它如何被用来操纵观众的情感预期。这种理论的深度，很少在面向广泛读者的出版物中出现。更值得称赞的是，书中对“失语的艺术”的探讨，即如何通过纯粹的视觉语言来传达那些难以言说的复杂情绪和道德困境，这一点极为触动人心。作者的文字虽然时而晦涩，但其背后的逻辑链条却异常清晰和有力。阅读完毕后，我感觉自己像是刚刚完成了一场高强度的智力训练，思维的敏锐度得到了显著提高。这本书的份量不在于它记录了多少历史，而在于它教会你如何用更批判、更富创造性的眼光去解析媒介的本质。
评分这本书的语言风格如同夏日午后的一场突如其来的雷暴，猛烈，直接，且充满不容置疑的力量感。作者的叙事充满了主观的激情，但他绝非仅仅是抒发个人崇拜，而是用一种近乎于辩论的姿态，捍卫着某些被主流忽视的艺术价值。我特别喜欢其中对“风格即是内容”这一观点的坚持。他通过对几位大师级人物早期作品的侧写，清晰地勾勒出艺术家的“签名式语言”是如何一步步形成的。这种对“创作冲动”的溯源，比单纯分析成名作要深刻得多。书中对不同年代电影美学转型的探讨也令人耳目一新，它不仅仅是罗列事实，而是将其置于更宏大的文化变迁的背景下进行解读。比如，对某种特定时代服装和布景选择背后隐藏的社会心理暗示的挖掘，就显得尤为精妙。阅读过程中，你仿佛能感受到作者对电影艺术那种近乎于偏执的热爱，这种感染力使得即便是最沉闷的技术细节也变得引人入胜。它迫使读者跳出自己习惯的舒适区，去接受一种更具挑战性的、更少妥协的艺术视角。
评分这部作品的作者以一种近乎于“入侵”的姿态，将我们带入了电影制作的幕后深处，那种感觉就像是混进了一个只有行家才能进入的沙龙，空气中弥漫着烟草和浓缩咖啡的辛辣气味。我尤其欣赏他对光影哲学的探讨，那绝非教科书上枯燥的定义，而是融合了导演本人对人性幽暗角落的深刻洞察。他如何用一个特定的镜头角度去暗示角色的内心挣扎，那种对视觉叙事的精妙把控，简直是教科书级别的展示。比如，书中对某个经典追逐场景的拆解，不仅仅是技术层面的分析，更深入到了那个特定历史时期，特定社会背景下，这种快速剪辑和固定机位交替使用的心理学效应。阅读过程中，我几次停下来，不是为了休息，而是为了在脑海中重构那些画面，感受那种被镜头语言强行拽入剧情中心的冲击力。作者的文笔犀利、精准，他似乎有一种魔力，能将那些晦涩难懂的电影理论，转化成普通观众也能心领神会的直观感受。整本书的节奏把握得极好，张弛有度，让你在沉浸于艺术性分析的同时，又不会感到丝毫的疲惫。它更像是一次深度潜水，潜入到电影制作那冰冷而迷人的核心地带。
评分这本书给我的感觉，更像是一部私人化的、高度浓缩的“视觉思维训练手册”。作者似乎并不关心大众的接受度，而是直奔主题，探讨那些真正决定一部电影能否跨越时间界限的“硬核”要素。其中关于场面调度（Mise-en-scène）的章节，是我阅读体验中的一个高光时刻。他并没有给出通用的布局指南，而是通过详细的案例分析，展示了如何在有限的空间内，通过演员的微小走位、道具的摆放角度，甚至是背景中窗外光线的变化，来构建复杂的人物关系和戏剧张力。这种对细节的痴迷，体现了一种对工艺的终极尊重。读起来，你会有一种被“点拨”的感觉，仿佛突然掌握了一套只有少数人才能理解的视觉密码。行文间，作者偶尔会插入一些极具洞察力的个人轶事，这些插曲不仅没有打断严肃的分析，反而像是一种调味剂，让冰冷的理论有了人性的温度。它不是一本能让你轻松消遣的书，但它绝对能让你在合上封面前，对“如何观看电影”这件事，产生根本性的重塑。
评分坦白说，我原本以为这又是一本充斥着老生常谈和名利场八卦的“幕后故事集”，但出乎意料的是，它展现了一种近乎于学术的严谨性，却又保持了极强的可读性。作者对于叙事结构，尤其是那些非线性叙事手法的剖析，简直是神来之笔。他没有停留在“这个导演很会讲故事”这种肤浅的赞美上，而是拿出工具，一层层剥开剧本的骨架，展示了每一个关键转折点是如何精心设计，以达到最大化的情感共振。书中对配乐的论述也极其到位，那些被我们忽略的、融入背景的音符，在作者的笔下瞬间获得了灵魂。他解释了某个特定配乐如何与前景的动作形成一种反讽，从而加深了主题的悲剧性，这种细致入微的观察力，让人不得不佩服。读完后，我立刻重温了书中提及的几部作品，赫然发现自己过去观看时错过了多少层次的含义。这本书的价值在于，它提供了一副高倍显微镜，让你重新审视那些你以为已经“看透”的经典，每一次重看，都有新的发现。这种提升观影体验的能力，是任何一本平庸的影评集都无法比拟的。
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