The Cinema of George Lucas

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出版者:Harry N Abrams Inc
作者:Hearn, Marcus
出品人:
页数:240
译者:
出版时间:2005-4
价格:$ 62.15
装帧:HRD
isbn号码:9780810949683
丛书系列:
图书标签:
  • George Lucas
  • Cinema
  • Film Studies
  • Star Wars
  • Indiana Jones
  • American Cinema
  • Film Director
  • Science Fiction
  • Fantasy
  • Hollywood
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具体描述

Marcus Hearn analyzes Lucas's journey as a director over four decades whose groundbreaking technical achievements and creation of enduring modern mythologies have forever changed both film and science fiction. as well as his many other accomplishments in the film industry, including the formation of Industrial Light & Magic, Skywalker Sound, and LucasArts. The book is lavishly illustrated with many images that have never or rarely been seen, such as stills from Lucas's student films, material from the director's cut of his early science-fiction film, production shots from, among others, the first Star Wars film, American Graffiti and the Indiana Jones Adventures. and behind-the-scenes photos from his films. With its wealth of new information and compelling illustrations, The Cinema of George Lucas is an essential volume for every fan and film enthusiast.

银幕上的史诗与传奇:探寻电影艺术的边界与未来 本书并非聚焦于某位特定导演的创作全集,而是以一种更宏大、更具前瞻性的视角,审视当代电影艺术在叙事结构、视觉语言以及技术革新等多个维度上的深刻演变与不竭潜力。我们致力于构建一座桥梁,连接经典电影的永恒魅力与未来电影的无限可能,剖析那些定义了我们观影体验、并不断挑战艺术极限的作品群像。 第一部分:叙事哲学的重塑——从古典结构到碎片化表达 电影叙事自诞生之初便受制于时间和空间的线性约束,然而,二十世纪末至今,这种约束正经历着前所未有的解构与重构。本卷深入探讨了非线性叙事如何从一种先锋实验,逐渐渗透为主流商业片中不可或缺的叙事工具。我们分析了诸如“多重宇宙”(Multiverse)概念在不同类型片中的哲学根基,不仅仅是作为一种特效奇观,更是作为对“选择与命运”这一核心主题的复杂探讨。 书中详尽考察了“时间错位”在当代悬疑片和心理剧中的应用,比如如何通过打乱时间顺序,迫使观众主动参与到情节的构建过程中,从而深化了观影的主体性。我们对比了传统的好莱坞三幕剧结构与那些故意模糊高潮与低谷界限的“慢电影”(Slow Cinema)的差异,后者追求的并非情节的推进,而是氛围的沉淀与人物内在世界的无限延伸。 此外,我们还关注了“沉默的叙事”——即如何通过极简的对白、精确的镜头语言和声音设计,来传递超越语言的复杂情感与社会隐喻。例如,对某些欧洲艺术电影中长镜头的使用分析,揭示了这种技术如何迫使观众放弃对情节的快速消费,转而沉浸于角色存在的当下瞬间。 第二部分:视觉语言的革命——摄影、灯光与场面调度的新范式 电影的本质在于其视觉冲击力。本书的第二部分将目光投向了摄影师和美术指导群体,他们是如何利用光影、色彩和空间来构建一个令人信服又充满象征意义的世界。我们不再仅仅讨论“美学”,而是深入探讨视觉语言背后的心理学和文化意义。 色彩理论在当代电影中的运用达到了前所未有的精细化程度。我们分析了特定调色板如何被用来标记情感状态、社会阶层甚至是对现实的扭曲感知。例如,对某些高饱和度赛博朋克电影中霓虹灯光的研究,揭示了其对个体疏离感和技术焦虑的视觉投射。 场面调度(Mise-en-scène)不再仅仅是演员的走位与道具的摆放。它成为了空间叙事的核心。本书收录了对一些复杂长镜头的分解研究,这些镜头往往跨越数个场景,融合了动作、对话和环境变化,成为对导演调度能力的终极考验。我们探讨了虚拟摄影棚(Virtual Production)的兴起,特别是LED屏幕技术如何改变了“在场感”(Presence)的定义,使得实景与数字合成之间的界限日益模糊,同时也带来了新的艺术挑战——如何在无限的数字可能性中保持视觉的克制与目的性。 第三部分:技术的双刃剑——沉浸式体验与媒介的未来形态 电影艺术的发展史,就是一部与技术进步相伴相随的历史。从有声电影到彩色电影,每一次飞跃都重新定义了观众的期待。本书的第三部分聚焦于当前和未来的技术浪潮,特别是虚拟现实(VR)、增强现实(AR)以及人工智能(AI)对电影制作和消费模式的颠覆性影响。 我们审视了沉浸式叙事(Immersive Storytelling)的艺术边界。VR电影的独特之处在于它消除了“第四面墙”,但这也带来了新的难题:如何在给予观众完全的自由度(如头部转动)的同时,仍然有效地引导其注意力并确保关键信息得以传达?这是一种对导演控制权的根本性挑战。 AI在电影制作中的角色也值得深入探讨。这不仅仅是关于特效渲染速度的提升,而是关于AI是否能参与到剧本创作、角色设计,甚至是导演决策的过程中。我们提出了一个关键的伦理和艺术问题:当工具的自主性越来越强时,创作者的“原创性”和“作者身份”将如何被重新界定? 第四部分:跨媒介的融合与文化回响 当代电影早已超越了影院的框架,成为一个庞大的跨媒介叙事生态系统的一部分。本卷分析了“世界构建”(Worldbuilding)如何从单部电影扩展到电视剧集、电子游戏乃至主题公园的体验。这种融合的目标是创造一个观众可以持续“居住”其中的叙事空间。 我们考察了粉丝文化在这一过程中的关键作用。粉丝不再仅仅是消费者,他们是叙事潜力的共同发现者和扩展者。通过对社交媒体上关于某系列电影的讨论和二次创作的分析,我们看到了观众如何反向影响了制片方的未来决策,从而形成一种动态的、螺旋上升的文化反馈回路。 结论:永不止息的探索 本书的最终目的,是鼓励读者以批判性的眼光看待每一帧画面、每一段音轨。电影艺术的魅力在于它的无限延展性,它总是在我们认为已经触及极限时,找到新的维度去探索人类经验的深度与广度。我们相信,理解过去的成就和正在发生的革命,是洞察未来电影可能性的唯一途径。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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与其他试图将卢卡斯神化或贬低的评论集不同,本书的视角是极其审慎和平衡的。它坦诚地讨论了卢卡斯在某些阶段,比如后来的续集制作中,所面临的创作困境和商业压力。作者并未回避那些引起争议的叙事选择和角色发展上的弱点,而是将其置于一个更广阔的文化和个人成长背景下进行分析。这种不偏不倚的态度,反而让书中的正面评价更具说服力。特别是当作者分析卢卡斯如何将个人经历中对权威的反抗,植入到青少年英雄的成长弧线中时,那种洞察力让人感到震撼。这表明,再宏大的科幻设定,其内核依然是根植于创作者最真实的生命体验。这本书成功地将一个被光环笼罩的文化符号,还原成一个在不断自我质疑和探索中前行的创作者,读起来让人感到非常踏实和信服。

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这本书的文字风格是那种带着一丝怀旧的、但绝不拖沓的流畅。它成功地跨越了专业影评人和普通影迷之间的鸿沟。对于那些对卢卡斯只有《星球大战》印象的读者来说,它会像一个宝库一样,展现出这位导演在其他类型片(如恐怖片、科幻短片)中就已经展现出的叙事潜力。作者的笔触充满了对电影制作过程的热情,使得即便是探讨复杂的版权和制作公司的纠葛时,也显得引人入胜。我个人非常喜欢作者在引述访谈记录时的处理方式,那些片段式的、不加修饰的对话,仿佛让我直接听到了卢卡斯本人在不同人生阶段的真实想法。这本书不仅仅是对一个导演的总结,它更像是一份关于“美国电影工业在过去五十年中如何被重新定义”的生动案例研究,读完后,你不仅理解了卢卡斯,也对整个好莱坞的运作模式有了更深一层的体悟。

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这本书的叙事节奏处理得非常巧妙,它没有采用严格的编年史模式,而是以主题为纲,串联起卢卡斯那看似分散的创作节点。比如,它用一整章去探讨“神话原型”在卢卡斯作品中的渗透,从约瑟夫·坎贝尔的影响到他如何将这些古老的叙事结构嫁接到太空歌剧的背景中,这部分写得尤其精彩。作者没有满足于表面化的解读,而是深入挖掘了卢卡斯如何通过视觉语言,而非仅仅对白,来构建他宇宙中的道德光谱。特别是关于光影对比的讨论,如何从《窃听大阴谋》中的黑色电影元素,一步步演变成后来星战系列中光明面与黑暗面的激烈冲突,这种跨越类型的分析视角,极大地拓宽了我对卢卡斯电影美学的理解。我感觉作者像一个耐心的向导,带领读者穿梭于他不同的创作阶段,揭示了隐藏在商业巨作外壳下那颗跳动着的、充满古典主义情怀的艺术心脏。这种结构上的自由,让阅读体验保持了持久的新鲜感,避免了陷入传统传记的沉闷。

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从技术层面上讲,这本著作在资料搜集和细节考证方面达到了令人赞叹的高度。对于工业层面的革新,比如工业光魔(ILM)的创立与发展,书中并未进行空洞的赞美,而是细致地描述了那些关键的技术难点是如何被解决的——那些最初的电路板、那些手工绘制的蓝图、以及那些被实验无数次才成功的摄影技术。我印象特别深的是关于声音设计的章节,它详细阐述了卢卡斯如何坚持使用环境声和原创音效来替代传统的管弦乐配乐,以营造出一种“未来感”的真实性。这种对幕后工艺的尊重,让我对每一部卢卡斯电影中的“非叙事元素”都产生了新的敬意。这不仅仅是回顾历史,更像是一部微型的电影技术发展史。阅读时,我常常忍不住停下来,去重温那些老电影的片段,试图去辨认出书中所描述的那些突破性的细微之处。

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这部关于乔治·卢卡斯电影生涯的著作,坦白地说,给我带来了一种意料之外的沉浸感。我原本以为这会是一本技术性的、侧重于特效发展的文献汇编,但它远不止于此。作者对卢卡斯早期独立制片时期,尤其是他对“美国新电影运动”中那股反叛精神的捕捉,极其精准到位。书中详细剖析了《美国风情画》中那种对青春期迷茫与躁动的细腻刻画,那种近乎纪录片式的捕捉,与他后来构建宏大史诗之间的张力,被描绘得淋漓尽致。我特别欣赏作者没有将卢卡斯简单地塑造成一个好莱坞的“救世主”,而是深入挖掘了他作为一名电影制作人,在艺术追求与商业现实之间反复拉扯的心路历程。书中对早期《五人出局》的片段分析,简直像是一堂小型的电影语言课,讲解了蒙太奇手法如何服务于他对时间流逝的哲学思考。这种对早期作品的敬意,使得整本书的基调显得既有学术深度,又不失对电影迷的温情。读完这部分,我彻底修正了我对卢卡斯仅仅是“科幻大亨”的刻板印象,看到了一个更复杂、更具人文关怀的艺术家轮廓。

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谁能想象这小东西日后能爆发如此强大的力量!

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