Eric Rohmer

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出版者:Manchester University Press
作者:Derek Schilling
出品人:
页数:240
译者:
出版时间:2007-7-15
价格:USD 26.00
装帧:Paperback
isbn号码:9780719072352
丛书系列:
图书标签:
  • 电影
  • 电影
  • 法国电影
  • 新浪潮
  • 独立电影
  • 剧情片
  • 爱情片
  • 导演
  • 埃里克·罗默
  • 电影理论
  • 艺术电影
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具体描述

Few filmmakers have taken the principle of the 'talking picture' so far as Eric Rohmer, the internationally reknowned director of the Moral Tales, Comedies and Proverbs, and Tales of the Four Seasons cycles. Occasionally dismissed as precious or overly literary, Rohmer's features may leave the impression that there is more to listen to than to look at. Yet as the secretive director (b. Maurice Scherer in 1920) points out, dialogue is no less engaging than the best gunfights, and if his characters prefer discussing love to making it, they are no less the 'heroes' of the stories they tell. Charges of political conservatism aside, the author of My Night at Maud's, Summer and such period films as Perceval and the all-digital The Lady and the Duke emerges - like Hitchcock before him - as a singular inventor of cinematic forms. This critical overview, which contains an extensive bibliography and a filmography, will appeal to students of Film Studies, French Studies, and enthusiasts.

《光影的絮语:一部关于法国新浪潮的深度剖析》 引言:时代的脉搏与电影的革新 20世纪中叶的法国,社会思潮风起云涌,旧的文化秩序正被一股强劲的革新力量所冲击。在巴黎的咖啡馆和电影资料馆中,一群年轻的知识分子和电影爱好者,以其对电影艺术的独特理解和近乎偏执的热情,酝酿了一场深刻的电影革命——法国新浪潮(Nouvelle Vague)。 本书并非简单地梳理新浪潮的表层现象或罗列其代表导演的名字,而是旨在深入挖掘这场运动的内在精神内核、美学转向以及其对全球电影语言的深远影响。我们将把焦点放在那些定义了新浪潮独特气质的创作理念、技术革新以及其背后所折射出的战后一代人的精神困境与探索。 第一部分:思想的土壤——战后法国的文化气候 法国新浪潮的诞生,并非空中楼阁,而是根植于特定的历史与文化土壤之中。二战的创伤、大众文化的兴起以及存在主义哲学的盛行,共同塑造了年轻一代对既有权威和传统艺术形式的反叛情绪。 1. 存在主义的幽灵与个体性焦虑: 萨特和加缪的思想,强调个体的自由选择与存在的荒谬性,为新浪潮导演提供了哲学基础。电影不再是宏大叙事的载体,而是成为探索个体在迷茫世界中如何行动、如何感受的微观试验场。我们考察了这种哲学如何在镜头调度、叙事结构乃至演员表演中得到体现——那种游移不定、充满内在独白的叙事风格。 2. 对“作者论”的系统梳理与实践: “作者论”(Politique des Auteurs)是新浪潮理论的基石。本书将细致分析巴赞、特吕弗等人如何将电影导演提升到与文学作家同等的地位,并探讨这种理论如何从一种评论视角,转化为直接的创作实践。我们探讨了导演如何将个人经历、偏好和世界观,烙印在每一帧画面中,使电影成为一种高度个人化的表达。 3. 传统电影的“继承与颠覆”: 新浪潮的导演们并非凭空创造,他们对好莱坞黄金时代的经典、对法国传统制片厂电影(如“诗意的现实主义”)抱有深厚的感情。然而,这种热爱转化为一种批判性的继承。本书将对比分析新浪潮的低成本、现场收音、手持摄影等技术选择,与传统制片体系的精工细作,揭示他们如何以“小成本”实现“大自由”。 第二部分:美学革命——镜头语言的解构与重塑 新浪潮最显著的贡献在于对传统电影语法的彻底颠覆。他们将原本服务于叙事的工具,解放出来,使其本身成为表达意义的载体。 1. 运动的自由:手持摄影与现场感: 我们将深入分析手持摄影机(Éclair 16mm)的引入,如何彻底改变了电影的“在场感”。不再是平稳、被安排好的镜头,取而代之的是摇晃、跟随、介入的镜头,它模仿了日常观察的随机性,增强了观众与人物命运的即时联系。这不仅是技术上的简化,更是对“客观记录”的追求。 2. 时间的断裂:跳切(Jump Cut)的哲学意义: 跳切的使用,从传统剪辑的禁忌,一跃成为新浪潮标志性的手法。本书将分析,跳切如何破坏了经典叙事的线性流畅性,强迫观众意识到“正在看电影”这一事实。这种对叙事节奏的人为干扰,反映了人物内心世界的破碎感和对传统时间观念的挑战。 3. 景别与空间:环境的陌生化: 新浪潮导演偏爱在真实街景中拍摄,而非搭建布景。镜头对巴黎街道、咖啡馆、公寓的捕捉,不仅仅是背景,它们成为了角色的延伸。我们分析了他们如何利用广角镜头、极端的景深,将人物置于一个既熟悉又疏离的城市空间中,强调个体在现代都市中的漂泊感。 第三部分:叙事实验——情节的退位与瞬间的永恒 如果说传统电影的核心是“情节驱动”,那么新浪潮则将重点转向了“人物状态”和“瞬间体验”。 1. 开放式结局与不确定性: 许多新浪潮作品拒绝提供清晰的道德判断或明确的解决方案。开放式的结局,不是创作上的偷懒,而是一种对复杂现实的诚实回应——生活本身就是未完成的。本书探讨了这种叙事策略如何引导观众参与到意义的建构中。 2. 对白与即兴的边界: 现场收音和一定程度上的对白即兴,使得人物的语言更加口语化、更贴近生活本来的声音。我们考察了导演如何平衡剧本的预设与演员在真实情境中的自然反应,创造出一种既真实又带有表演意味的对话风格。 3. 漫游与沉思:情节的“闲置”: 影片中常出现人物在街上游荡、沉思的场景,这些看似“无事发生”的段落,恰恰是影片精神能量的蓄积地。这些“闲置”的时刻,是人物内心世界的独白,是导演对日常生活进行哲学沉思的窗口。 结语:遗产与回响 法国新浪潮是一场短暂却影响深远的风暴。它不仅为电影艺术注入了新的活力,更重要的是,它重塑了电影创作者的角色,使电影制作过程本身成为一种充满探索性的行为。 本书将回顾新浪潮如何超越其自身的时代局限,其美学遗产如何渗透进此后的世界各地的电影实践中,成为现代电影语言中不可磨灭的一部分。它提醒我们,真正的电影艺术,永远在于对观察的勇气、对传统的质疑,以及对人类经验永恒困境的真诚表达。通过对这些经典作品的再次审视,我们得以重新发现光影如何能够以最原始、最直接的方式,与我们进行一场深刻的对话。

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我对这部作品的编剧和演员调度给予最高的评价。剧本的精彩之处不在于它讲了什么故事,而在于它**没有**讲什么。大量的留白和未完成的动作,迫使观众的大脑必须主动参与到叙事过程中来,填补那些空白。演员们的表演更是令人叹服,他们没有依赖夸张的面部表情或肢体语言,而是通过微小的动作——比如一次不经意的摸索、一次呼吸的停滞——就将角色的复杂性完全呈现出来。这种“少即是多”的表演哲学,使得整个影片的质感非常高级。我尤其关注了片中几次重要的“错过”场景,那些本该发生的相遇或对话,因为某种近乎荒谬的巧合而错失,这种对命运捉弄的描绘,充满了宿命论的色彩,却又无比贴近生活中的真实体验。它不是一部消遣之作,更像是一次精神上的长途跋涉,走完之后,你会发现自己对“缘分”这个概念有了全新的、更加审慎的理解。

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这部作品最吸引我的地方,在于其对“交流的失效”这一现代困境的深刻洞察。影片中的角色们似乎都拥有一套非常精妙的语言系统,他们能说会道,进行着长串的、富有哲理的辩论,然而,当真正触及彼此内心最深处的需求和恐惧时,语言却像被施了魔咒一样,变得贫乏而无力。我尤其对那几段深夜的酒吧对话印象深刻,酒精似乎并未带来坦诚,反而让彼此的伪装更加坚固。导演用一种近乎冷酷的客观性,展现了人与人之间那道难以逾越的鸿沟。它没有试图去修复这种隔阂,而是将其放大,供人审视。这种对人际关系本质的解剖,让人在观看过程中感到一丝寒意,但同时也带来了一种清醒的认识:也许我们终究要学会与自己的孤独共处。整体基调略显疏离,但正是这份疏离,成就了其强大的艺术力量。

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坦白说,初看这部作品时,我一度有些不适应它那种近乎“纪实”的松弛感。故事的推进慢得像一台老旧的留声机,每一个场景似乎都在刻意拉长,但随着剧情的深入,我才意识到,这种慢,恰恰是其精髓所在。它强迫你跳出传统叙事的框架,去关注那些日常生活中被我们忽略的细节——比如人物走路的姿势,他们如何整理桌上的物件,或者在面对突如其来的邀请时,脸上那转瞬即逝的犹豫。这种对“在场感”的极致追求,使得影片中的世界拥有了令人信服的真实性。它没有宏大的背景或激烈的冲突,所有的戏剧张力都内化在了人物的日常互动之中。我欣赏它对“犹豫”的刻画,那种介于行动与不行动之间的微妙状态,恰恰是青春期或中年危机中最具普遍性的体验。摄影机的固定镜头,如同一个耐心的旁观者,不加评判,只是忠实地记录,让观众得以置身其中,体验那种被时间缓慢裹挟的独特感受。

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这部电影的色彩运用,简直是教科书级别的范例,尤其是对夏日和都市环境的捕捉,那种饱和度极高的蓝与绿,混合着被阳光漂白感的白,共同营造出一种既明亮又略带忧郁的氛围。它巧妙地利用了外景的自然光,让每一个画面都充满了油画般的质感。叙事结构上,它玩弄了一些有趣的小把戏,看似是线性叙事,实则在关键节点设置了意想不到的转折,这些转折并非情节上的惊天逆转,而是人物认知上的微妙偏差,这种高级的叙事技巧,让人拍案叫绝。更值得称道的是配乐的使用,它绝非简单地烘托气氛,而是与角色内心的独白形成了某种奇妙的对位或反讽,时而轻快,时而略带伤感,精准地把握了情绪的起伏。总而言之,这是一部在形式美学上达到了极高水准的作品,它证明了艺术电影不必晦涩难懂,只要对细节保持敬畏,即便是最简单的主题也能焕发出迷人的光彩。

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这部电影的叙事节奏,像极了夏日午后被拉长的慵懒时光,每一个镜头都仿佛经过精心打磨的微缩景观,捕捉着人物内心微妙的波澜。导演对于对话的处理,简直是一门艺术,那些看似漫不经心的交谈,实则暗流涌动,每一次停顿、每一个眼神的交汇,都比直接的表白更具穿透力。我尤其欣赏它对“选择”这一主题的探讨,那种在道德的灰色地带徘徊不定的挣扎,没有给出任何简单的答案,而是将观众置于一个审视者的位置,去感受人性的复杂与矛盾。影片中光影的运用,也极富诗意,那些洒在咖啡馆桌面上、穿过百叶窗的斑驳光束,不仅仅是照明,它们是情绪的载体,是角色内心世界的投射。观影结束后,那种感觉不是豁然开朗,而是一种温和的沉淀,让人愿意花上更长时间去回味那些未被言明的潜台词。它不是那种让你肾上腺素飙升的商业大片,它更像是一杯需要细细品味的清茶,回甘悠长,需要你放下浮躁,才能真正体会到其中蕴含的东方哲思般的克制与细腻。

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很细致很详细很多有用信息也对看侯麦很有帮助。但是我更期待看他自己写的

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