Bioelectricity

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出版者:Springer
作者:Robert Plonsey
出品人:
页数:544
译者:
出版时间:2007-06-21
价格:USD 99.00
装帧:Hardcover
isbn号码:9780387488646
丛书系列:
图书标签:
  • 生物电
  • 电生理学
  • 生物物理学
  • 细胞电生理
  • 神经科学
  • 生物医学工程
  • 膜电位
  • 离子通道
  • 生物电流
  • 生物电信号
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具体描述

This is the new edition of the classic introductory text to electrophysiology. It covers many topics that are central to the field including the electrical properties of the cell membrane and cardiac electrophysiology. Organized as a textbook for the student needing to acquire the core competencies, this book meets the demands of advanced undergraduate or graduate coursework in biomedical engineering and biophysics. New features include extra, detailed illustrations. The book is authored by two eminent biomedical engineering professors at Duke University who discuss many topics that are central to biophysics and bioengineering and the quantitative methods employed.

好的,下面是一份关于《光影协奏曲》的图书简介,内容详尽,力求自然流畅,不含任何与《Bioelectricity》相关的信息。 --- 图书名称:《光影协奏曲:现代摄影艺术的视觉叙事》 核心内容提要 《光影协奏曲:现代摄影艺术的视觉叙事》是一部深入剖析当代摄影媒介的理论、技术与美学实践的综合性著作。本书超越了单纯的技巧指南,旨在揭示摄影作为一种独特艺术语言,如何在信息爆炸的时代背景下,构建复杂的情感联结、记录社会变迁,并挑战我们对“真实”的既有认知。本书尤其关注后数字时代摄影的转型,探讨了从胶片时代的严谨纪实到数字时代的即时生成、再到生成式人工智能(AI)介入下的视觉伦理困境。 全书共分为五大部分,层层递进,构筑起一个全面的视觉思维框架:第一部聚焦于光影的物理本质与人类感知;第二部梳理了摄影艺术史上的关键转折点及其核心流派;第三部深入探讨了当代摄影师的创作方法论,包括观念摄影、实验性材料应用及跨媒介融合;第四部着重分析了图像的社会学功能与伦理维度,特别是隐私权、真实性与操纵性的边界;第五部则展望了未来视觉文化的发展方向,探讨虚拟现实、沉浸式体验对传统摄影范式的冲击。 第一部分:光影的形而上学——从物理到感知 本部分从基础科学层面切入,但不拘泥于技术细节,而是探讨光线如何成为人类认知世界的媒介。我们首先考察光线被捕捉的物理过程,继而转向哲学层面:光如何塑造我们的空间感、时间感和记忆结构?作者引用了多位美学理论家和现象学家的观点,阐释了“曝光”这一行为在艺术创作中的深层含义——它不仅是记录,更是一种选择、一种截断,是对永恒瞬间的瞬间占有。 这一部分详细分析了“清晰度”与“景深”在叙事中的作用。清晰的焦点如何引导观众的注意力,暗示了作者的意图?而模糊的边缘或失焦的背景,又如何在潜意识层面激发观者的联想与不确定性?通过对伦勃朗光线运用、卡尔·布洛斯菲尔德的植物形态特写等经典案例的解读,我们得以理解,即便是最基础的光影处理,也是一种强有力的修辞手段。 第二部分:历史的切片与流派的演进 摄影术诞生以来,其发展史即是一部与社会变革同步的视觉史。本部分不进行流水账式的年代罗列,而是精选了几个关键的“范式转移”时刻。 纪实与构建的张力: 我们详细探讨了19世纪末“平画派”(Pictorialism)如何力图将摄影提升至绘画的高度,以及20世纪初“新客观主义”(New Objectivity)如何回归对现代性机械美学的冷静审视。这一对立统一贯穿了整个20世纪摄影史。 社会干预与观念表达: 从福特基金会时代的社会纪实摄影(如沃克·埃文斯、多萝西娅·兰格),到战后观念艺术对摄影本体论的质疑,本书剖析了摄影如何从记录工具转变为批判工具。特别是对“决定性瞬间”理论的反思,探讨了在当代复杂情境下,这种瞬间捕捉的有效性与局限性。 后现代的解构: 重点分析了辛迪·雪曼、理查德·贝尔特等艺术家如何利用挪用(Appropriation)和自我建构来瓦解“客观真实”的神话,揭示图像背后的权力结构。 第三部分:当代创作方法论——材料、媒介与身体 现代摄影的魅力在于其无限的材料延展性和跨界融合性。本部分将实践与理论紧密结合,为有志于探索边界的创作者提供启发。 实验性材料与工艺的复兴: 探讨了湿版火棉胶(Wet Plate Collodion)、氰版(Cyanotype)等传统工艺在当代艺术中的回归。这些工艺带来的独特质感、不确定性和时间感,恰恰是对数字媒介过于“完美”的一种反拨。我们分析了这些“慢”工艺如何迫使创作者重新思考时间与投入。 空间中的摄影: 关注摄影作品如何走出画框,进入装置艺术和雕塑领域。例如,通过大型投影、照片的物理重构(如剪裁、烧毁、层叠)来创造三维的视觉体验。如何利用空间的光线与作品的光线进行互动,成为新的叙事焦点。 身体作为介质: 探索摄影在身体艺术、行为艺术中的应用。当身体成为被拍摄的对象,它既是观察的客体,又是权力施加与抵抗的载体。这部分结合了女性主义艺术批评和酷儿理论,分析了自拍(Selfie)文化背后的身份政治。 第四部分:图像的伦理迷宫——真实、隐私与操纵 在图像泛滥的时代,辨识真伪的难度日益增加。《光影协奏曲》将大量的篇幅用于探讨图像伦理,这是理解当代摄影不可回避的核心议题。 “被观看的权利”: 深入讨论了纪实摄影中,对被摄者隐私的尊重与公众知情权之间的永恒冲突。我们考察了在战地摄影、街头摄影中,艺术家应如何进行自我审查和道德定位。 后真相时代的视觉欺骗: 详细分析了数字修图技术(Photoshop)的演变,以及它如何从最初的润饰工具演变为构建完全虚假场景的“合成摄影”(Compositing)。更进一步,我们探讨了近年来深度伪造(Deepfake)技术对新闻、历史档案乃至个人身份认同构成的系统性威胁。如何建立“视觉素养”以对抗被操纵的图像,是本部分着重探讨的实践方向。 图像的消耗与遗忘: 讨论了社交媒体对图像生命周期的极速缩短效应。一张照片如何从新闻热点迅速沦为背景噪音?这种“视觉疲劳”对我们构建集体记忆有何影响? 第五部分:展望——超越平面:沉浸式视觉的未来 最后一章将目光投向远方,探讨摄影语言在新的技术平台上的延伸。 从二维到全景: 考察全景摄影(Panoramas)和360度摄影如何尝试突破传统矩形画框的限制,将观众“拉入”场景之中。VR/AR技术如何进一步模糊了“观看者”与“参与者”的界限? 代码与像素的艺术: 探讨了生成式艺术(Generative Art)和算法美学对传统摄影师的挑战与机遇。当机器开始“创作”图像时,摄影师的角色是否转变为“提示词工程师”(Prompt Engineer)或策展人?我们分析了算法偏见(Algorithmic Bias)在视觉生成中的体现,以及艺术家如何利用算法的缺陷进行反思性创作。 总结: 《光影协奏曲》最终指向一个核心观点:摄影的未来不在于捕捉更清晰的光线,而在于更深刻地理解我们如何通过光线来构建和理解自身与世界的关系。它呼吁摄影师和观者都成为更具批判精神和人文关怀的视觉思考者。 --- 适合读者群体: 艺术史学者、摄影专业学生、视觉传达设计师、对当代文化与技术交叉领域感兴趣的普通读者。本书旨在提供一个既具学术深度又富实践洞察力的参考平台。

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读后感

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用户评价

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如果你期待一本能让你在午后咖啡时间里获得心灵平静的书,那么《寂静的河流:东方隐逸之道》绝对是你的不二之选。这本书的风格是如此的舒缓、如此的富有禅意,以至于我常常在阅读它的时候,不自觉地放慢了自己的呼吸节奏。它并没有直接教授冥想技巧,而是通过对古代山水画意境的描摹,以及对几位隐居者的生活片段的重述,来间接引导读者进入一种“无为”的状态。作者对于自然语言的运用达到了炉火纯青的地步,他的文字仿佛本身就带有水流的特性,清澈、平静,却蕴含着巨大的力量。书中反复出现的意象是“雾”和“苔藓”,前者代表着模糊与不确定性,后者则象征着时间缓慢的积累与沉淀。我个人最喜欢的是它对“聆听”的定义,作者认为真正的聆听是放下所有预设和判断,仅仅成为一个接受声音的容器。这本书的阅读体验是纯粹的、非功利的,它不要求你记住任何知识点,它只要求你放慢,然后感受存在本身。它更像是一剂温和的解药,专治现代人过度信息轰炸所导致的焦虑。

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《最后的炼金术士手稿》这本书,给我的感觉就像是打开了一个尘封已久、布满奇异符号的地下密室。它绝对不是一本轻松的读物,与其说它是在阐述理论,不如说它是在引导读者进行一场智力上的寻宝游戏。作者的行文风格极其古典,充满了对古代文献的引经据典和对符号学晦涩难懂的探讨。我花了很大力气去理解其中关于“元素嬗变”的隐喻部分,那里面似乎隐藏着对物质世界和精神世界的双重解读。书中的插图,那些复杂的几何图形和看似毫无意义的流程图,本身就构成了叙事的一部分,它们像是密码一样等待被解读。这本书的优点在于其学术的严谨性和对历史脉络的尊重,它没有试图用现代科学去“修正”那些古老的思想,而是将炼金术视为一种独立完整的思想体系去考察。然而,这种深度也带来了挑战,很多地方需要反复阅读甚至查阅其他辅助资料才能勉强跟上作者的思路。对于普通读者来说,它可能显得过于专业和晦涩,但对于那些痴迷于神秘学和西方思辨史的人来说,这无疑是一座亟待挖掘的知识宝库。

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这本《光影织梦人》简直是为那些渴望在平淡生活中捕捉瞬间诗意的灵魂准备的。我原本以为这只是一本关于摄影技巧的指导手册,但读完之后才发现,它更像是一场关于“如何观看世界”的哲学之旅。作者并没有过多地纠缠于复杂的曝光三角或者光圈值,而是将笔触深入到了光线如何塑造情感、如何讲述无声故事的层面。翻开书页,首先映入眼帘的是那些精妙的文字排版,每一个章节的过渡都如同一次精心设计的蒙太奇,让人不自觉地沉浸其中。尤其欣赏的是书中探讨“时间的凝固”那一部分,作者通过对几幅标志性街景照片的深度剖析,揭示了决定性瞬间背后的心理准备和环境敏感度。他强调,真正的摄影天赋不在于拥有最昂贵的设备,而在于拥有一颗能够预知下一秒会发生什么的敏锐之心。读这本书时,我经常会放下书本,走到窗边,试着用书里教的方法去“阅读”窗外的景象,那种体验非常奇妙,仿佛世界原本的色彩和层次突然被清晰地调高了饱和度。这本书的价值,在于它成功地将一门技术性的学科,提升到了艺术哲学的层面,非常值得那些对视觉表达有更高追求的爱好者细细品味。

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我得说,《迷航的航海日志》这本书的叙事方式简直是反直觉的,但正是这种“不按常理出牌”才构成了它最大的魅力。我花了相当长的时间才适应作者那种跳跃性的时间线和那种近乎意识流的写作风格。它不是那种会手把手教你如何设置航线或者预测风暴的书,它更像是一份收藏了数十年航海记忆的碎片集锦,充满了粗粝的质感和海水的咸湿味。最让我印象深刻的是其中关于“孤独”的描绘,作者没有用任何煽情的词汇,而是通过对船体吱呀作响的细微声响、无边无际的深蓝以及与信天翁对视的漫长瞬间的白描,将那种深入骨髓的寂静和自我对话刻画得入木三分。这本书的阅读过程,与其说是知识的获取,不如说是一种心境的重塑。读到后来,我甚至能闻到甲板上阳光暴晒后的木头气味,感受到船舷因为海浪冲击而产生的轻微颠簸。对于那些期待一本关于现代远洋航行技术的读者来说,这本书可能会让人感到困惑,因为它完全聚焦于航行中的精神体验,那种人与广阔自然之间古老而原始的连接。它需要的不是快速翻阅,而是耐心的沉潜。

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我向来对那些探讨“城市变迁与记忆”的非虚构作品抱有很高的期待,而《砖石与回响》这本书可以说是超出了我的预期,尤其是在其对空间叙事的处理上。它不像一般城市志那样罗列历史事件,而是将城市视为一个活生生的有机体,重点关注那些被遗忘的角落——那些被拆除的作坊、被水泥覆盖的河流,以及曾经在这些地方发生过的、细微的人类情感波动。作者的笔触极其细腻,擅长在宏大的城市规划变迁中,捕捉到个体生命的微小轨迹。比如,书中描述一个老式面包店如何在城市更新中消失,面包师的揉面声被汽车引擎声取代的过程,那种无声的失落感,读起来让人心头一紧。这本书的结构安排也很有新意,它没有固定的章节,更像是沿着一条条城市街道的“气味”和“光影”进行漫步,读起来有一种非常自然的跟随感。它让人重新审视我们日常通勤的道路,去思考我们脚下踩着的是多少层叠的历史和多少未被承认的劳作。对于热爱城市漫步和历史细节的人来说,这本书提供了绝佳的解读视角。

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