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出版者:中国书店

作者:恽寿平

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2013-1

价格:28.00元

装帧:

isbn号码:9787514907001

丛书系列:中国古代绘画精品集

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《风骨与丹青：中国古代绘画艺术鉴赏》 引言 中国古代绘画，宛如一部流淌着千年智慧与情感的恢弘史诗，它承载着民族的精神图腾，记录着时代的风云变幻，更以其独特的审美意蕴，在世界艺术宝库中熠熠生辉。从远古的壁画到宋元的山水，从唐代的仕女到明清的人物，无数的画卷勾勒出中华民族深邃的文化底蕴和不朽的艺术追求。本书《风骨与丹青：中国古代绘画艺术鉴赏》旨在带领读者走进中国古代绘画的璀璨世界，从宏观的时代背景、艺术思潮，到微观的笔墨技法、画题寓意，进行一次深度而全面的鉴赏之旅。我们不满足于仅仅罗列名作，更致力于挖掘其背后所蕴含的精神力量与艺术哲学，让读者在欣赏之余，更能体会到中国古代艺术家们“天人合一”的哲学思考，以及他们如何以画笔抒发情怀，寄托志向。 第一章：溯源而上，文明的初啼——史前与先秦绘画 早在文字尚未普及的遥远年代，我们的先民便已用色彩与线条，在岩壁、陶器上留下了人类早期艺术的印记。本书将追溯中国绘画的源头，从早期岩画中粗犷而充满生命力的图腾，到陶器纹饰中象征性的符号，揭示早期绘画所蕴含的原始宗教信仰、氏族生活以及对自然万物的敬畏之情。先秦时期，随着青铜文明的兴盛，金属器皿上的纹饰也呈现出更复杂的构图和更精湛的工艺，这些为后来的绘画艺术奠定了视觉基础。尽管传世的绘画作品稀少，但从出土文物和古籍记载中，我们可以窥见那个时代绘画艺术的萌芽与初步发展，感受那份质朴而蓬勃的生命力。 第二章：辉煌的盛世，气象万千——魏晋南北朝与隋唐绘画 魏晋南北朝时期，中国社会经历动荡，却也迎来了思想的解放和文化的融合。佛教的传入，为中国绘画注入了新的生命力，佛教造像艺术应运而生，壁画和雕塑相结合，营造出庄严而神秘的宗教氛围。顾恺之、曹不兴等画家，在继承前代技法的基础上，开始注重人物神态的刻画，提出“以形写神”的艺术理念，为中国人物画的发展奠定了理论基础。 隋唐时期，是中国古代绘画的第一个高峰。国家统一，经济繁荣，文化交流频繁，绘画题材更加广泛，技法日臻成熟。本书将重点解读唐代绘画的几个重要方面： 人物画的巅峰： 阎立本的《步辇图》以简练的线条勾勒出人物的性格，张萱的《捣练图》描绘了宫廷妇女的生活场景，生动细腻，展现了唐代人物画在写实性与生活气息上的高度成就。周昉笔下的仕女，丰腴典雅，雍容华贵，成为唐代审美观念的经典代表。 宗教画的辉煌： 敦煌莫高窟的壁画，是隋唐时期佛教绘画的集大成者。我们将深入分析其壁画的艺术特色，从飞天形象的飘逸灵动，到佛传故事的叙事性，再到供养人像的写实风格，展现了当时绘画艺术家们精湛的技艺和丰富的想象力。 山水画的勃兴： 尽管山水画在唐代尚未成为独立画种，但已显露端倪。李思训的金碧山水，色彩浓郁，气势宏伟，将山水描绘成宫阙楼阁般的壮丽景观。而王维的水墨山水，则更注重意境的营造，追求“诗中有画，画中有诗”的艺术境界，预示着中国山水画的未来发展方向。 鞍马人物与动物画： 韩滉的《五牛图》，以写实的手法刻画牛的形态与神情，在中国古代动物画史上具有里程碑意义。 第三章：文人意趣，山水情怀——宋辽金元绘画 宋代是中国古代绘画的另一个高峰，尤其是山水画和花鸟画达到了前所未有的高度。文人阶层在绘画创作中扮演着越来越重要的角色，他们将个人的情感、哲学思考融入画作，追求笔墨的意趣和精神的表达。 山水画的理论与实践： 郭熙的《林泉高致》是中国山水画理论的经典之作，他提出的“可行、可望、可游、可居”的山水观，深刻影响了后世。范宽的《溪山行旅图》以雄浑苍茫的气势，展现了北方山水的壮丽；关仝的《关山行旅图》则笔力遒劲，气势磅礴。李唐的“院体”山水，严谨细致，而马远、夏圭的“马夏”山水，则以“边角之景”，留白巧妙，意境深远。 花鸟画的精妙： 宋代花鸟画追求“不似之似”，注重写生，形神兼备。黄荃的花鸟设色秾丽，富丽堂皇；徐熙则以水墨为主，笔意疏淡，自成一家。徽宗皇帝的《芙蓉锦鸡图》更是花鸟画的典范，色彩绚丽，细节逼真，展现了皇家对艺术的极致追求。 士人画的兴起： 苏轼、米芾等文人墨客，不仅在诗文上造诣深厚，在绘画上也独树一帜。他们强调笔墨情趣，追求“书画同源”，注重写意，表达内心的精神世界。米芾的“米点山水”，以雨点般的笔触，创造出云雾迷蒙的意境。 辽金元时期的特色： 辽代佛教绘画继承唐风，融入北方民族特色。金代绘画承袭宋制，但亦有鲜明个性。元代是文人画发展的重要时期，赵孟頫提倡复古，强调笔墨的文人气韵，对后世影响深远。黄公望的《富春山居图》，以其淡雅的笔墨和深邃的意境，成为元代山水画的巅峰之作。倪瓒的孤寂冷逸，王蒙的繁密厚重，共同构成了元代山水画丰富多彩的面貌。 第四章：世俗百态，笔墨生香——明清绘画 明清时期，中国绘画进入了一个更为多元化的发展阶段。城市经济的繁荣，市民阶层的兴起，使得绘画题材更加贴近生活，表现内容也更加丰富。 吴门画派的辉煌： 沈周、文徵明、唐寅、仇英等吴门画派的画家，继承元代文人画传统，又融入江南水乡的温婉秀丽，创造出雅逸清新的画风。沈周的沉雄厚重，文徵明的温润秀雅，唐寅的率性洒脱，仇英的工细艳丽，各有千秋。 浙派的崛起与变化： 明代早期的浙派，以戴进为代表，笔墨粗犷，气势雄健，受到宫廷的欢迎。但后期逐渐走向程式化。 宫廷绘画与民间绘画： 明清两代宫廷画院依旧是绘画创作的重要中心，涌现出如唐寅、仇英等同时具备宫廷风格和文人画情趣的画家。同时，民间绘画也蓬勃发展，年画、版画等形式，以其鲜活的色彩和通俗的内容，深入到社会生活的方方面面。 海派的形成与影响： 清代中后期，上海成为重要的经济文化中心，海派绘画应运而生。虚谷、任熊、吴昌硕等画家，兼容并蓄，大胆创新，将传统绘画与西方绘画技法相结合，开创了新的艺术局面。 “扬州八怪”的独特风格： “扬州八怪”，以其不拘一格的创作手法，怪诞的艺术风格，对传统绘画提出了挑战。郑燮的“风竹”系列，罗聘的“鬼趣图”，都展现了他们独特的个性和对社会现实的关注。 写实与意匠的并存： 明清时期，既有追求形神兼备的写实之作，如仇英、陈洪绶等人的作品，也有注重意境营造、寄托情怀的文人画，如八大山人、石涛等人的作品。八大山人的孤傲冷寂，石涛的“我自用我法”，都体现了画家强烈的个人风格和艺术主张。 第五章：笔墨之道，精神之境——技法与审美 本书的第四部分将深入探讨中国古代绘画的艺术语言和审美特征： 笔墨的运用： 详细剖析中国画的线条（骨法用笔）、皴法（皴擦点染）在表现物象结构、质感和体积感方面的作用。从“十八描”到各种皴法的演变，展现了画家对笔墨表现力的极致探索。 色彩的智慧： 探讨中国画中的色彩运用，从早期的青绿山水，到水墨写意，再到明清的设色人物，分析色彩在营造气氛、烘托主题方面的作用。 构图的妙趣： 讲解中国画的章法布局，如“散点透视”、“留白”、“虚实相生”等构图原则，以及如何通过构图来引导观者视线，营造空间感和意境。 诗书画印的融合： 阐述中国画“诗书画印”四绝的艺术观念，探讨诗文、书法、绘画、印章如何相互渗透，共同表达艺术家的思想情感。 “以形写神”的哲学： 深入解读“以形写神”这一中国画的核心美学理念，以及画家如何通过对物象的精准把握，来传达其内在的精神和生命力。 文人画的意境美： 探讨文人画所追求的“意境”概念，它超越了单纯的物象描绘，是一种情景交融、虚实相生的艺术境界，体现了画家对宇宙人生、自然万物的深刻感悟。 结语 中国古代绘画，是一座取之不尽、用之不竭的艺术宝藏。它不仅是视觉的盛宴，更是心灵的洗礼。通过《风骨与丹青：中国古代绘画艺术鉴赏》，我们希望能够唤醒读者内心深处的艺术感知，让大家在欣赏这些传世之作时，不仅看到画面的精妙，更能体会到其中蕴含的千年智慧、民族精神以及艺术家们对生命、自然和美的永恒追求。这不仅仅是一次鉴赏，更是一场穿越时空的文化对话，一次对中华文明深厚底蕴的致敬。

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这本书的装帧设计简直是视觉的盛宴！我一拿到手，就被那厚实的封面和典雅的烫金字体吸引住了。纸张的质感无可挑剔，那种微微泛着哑光的触感，让人忍不住想一遍遍抚摸。更绝的是，内页的印刷工艺，色彩的还原度高得惊人，即便是那些历经千年的墨迹和设色，在现代技术下依然能展现出画家下笔时的微妙力度和情感波动。随便翻开一页，无论是气势磅礴的山水巨制，还是工笔细描的人物仕女，那线条的锐利与墨色的浓淡变化都清晰可见，仿佛可以直接触摸到绢帛或宣纸的纹理。装帧的细节处理也透露出对中国传统审美的尊重，比如扉页上那枚设计巧妙的印章式纹样，既古典又不失现代感。看得出来，出版方在选材和制作上是下了血本的，这不仅仅是一本图册，更像是一件可以把玩和珍藏的艺术品。对于任何一个热爱中国传统艺术，尤其是对古代视觉表现形式有深度兴趣的人来说，单是冲着这份精良的制作，这本书就值得收入囊中。

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这本书的深度和广度，远超我原先的预期，它绝对不是那种走马观花的“大路货”图集。它很巧妙地平衡了“艺术鉴赏”与“学术梳理”之间的关系。每一幅作品的选取，似乎都经过了严格的考量，不仅仅收录了那些耳熟能详的“镇馆之宝”，更穿插了一些风格独特、在主流叙事中略显边缘化的民间或特定流派的作品。最让我惊喜的是，它在图版旁提供的注释和赏析文字。这些文字不是空洞的赞美，而是充满了扎实的时代背景分析和技法解读。比如，对于某幅唐代人物画中衣袂飘举的“曹衣掩鬓”与“吴带当风”的对比分析，就非常到位，清晰地指出了不同地域画派在处理人体动态上的差异。这种深入浅出的解读，对于我们这些非专业人士来说，是极佳的“敲门砖”，它让你在欣赏美的同时，也能理解“为什么美”，这种知识的增量感是阅读其他普通画册时很少能获得的。

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阅读这本图集的过程，其实更像是一次跨越时空的“行走”。我发现，不同朝代的审美倾向和当时的社会思潮，是如何通过笔墨线条被忠实记录下来的。例如，宋代院体画那种对自然细节的极致观察和近乎科学的严谨性，与元代文人画所追求的“抒写胸臆”、“不求形似”的境界，形成了鲜明的对比。我特别喜欢它在编排上的一些“小巧思”，比如相邻的两页可能并置了一幅北方的雄浑山水和一幅南方的秀丽水墨，这种并置安排，使得读者可以瞬间体会到地域文化对艺术风格的塑造力。它不是简单地按时间顺序排列，而是试图构建一种基于审美关联的对话。这种编排方式极大地增强了阅读的趣味性和思考的连贯性，迫使我不断地去比较、去探究那些隐藏在笔墨之下的文化密码。这本画集无疑提供了一个极佳的平台，让我们可以从宏观的文化史角度来审视这些散落于各地的艺术瑰宝。

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我得说，这本书的“阅读门槛”设置得非常人性化。对于初次接触中国传统绘画的读者来说，它的导论部分提供了清晰的脉络梳理，让你对“什么是中国画”、“它的主要特征是什么”有一个基本的概念框架。然而，它的高明之处在于，它并没有止步于此。在深入到具体朝代和画家的介绍时，它采用了多层次的叙事结构。一方面，有标准的落款、年代、尺寸等信息；另一方面，它还穿插了对特定技法——比如“皴法”的运用、“界画”的精妙处理——的局部放大解析。这些特写镜头非常宝贵，它们放大了那些肉眼在原作前可能忽略的细节。通过这些详尽的局部展示，我得以理解，那些看似随性挥洒的笔触背后，其实蕴含着深厚的训练和高度的技艺控制。这种从整体到局部的引导，让观赏体验变得立体而充实，使得即便是像我这样略懂皮毛的爱好者，也能获得一种“被专业人士引导”的踏实感。

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这本书带给我最深切的感受是一种宁静的力量。在快节奏的现代生活中，当我们被各种信息流裹挟时，能坐下来，静静地凝视一幅数百年前的古画，本身就是一种奢侈的享受。这本图集成功地捕捉到了中国古代绘画中那种“以无胜有”、“计白当黑”的哲学意境。那些留白之处，不是空虚，而是充满想象力的空间，是观者需要参与完成的部分。书中对这些“留白”的讨论，也很有见地，它引导我们去思考东方美学中“空”与“满”的辩证关系。每一次翻阅，我似乎都能从那些山石的嶙峋、云水的流动中，寻找到一种与自然和谐共处的古人智慧。它不仅仅是视觉的愉悦，更像是一种精神的洗涤，让人在欣赏画作的同时，也获得了一份难得的心灵上的宁静与沉淀，极大地缓解了日常的焦虑感。

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