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陈振濂谈中国绘画史①：殷商-南宋，ISBN：9787807152798，作者：陈振濂
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《品味经典-陈振کرا谈中国绘画史1》这本书，真是让我颠覆了过去对中国画的许多固有认知。一直以来，我总觉得中国画是那种“意境深远”、“留白惊绝”的标签，似乎远离生活，只存在于文人雅士的圈子里。但陈振کرا先生的解读，就像一把钥匙，打开了我理解中国画的另一扇门。他没有从抽象的概念入手，而是从那些我们耳熟能详的绘画作品讲起，比如《清明上河图》。我之前看这幅画，更多的是被它宏大的场面、细致的人物所震撼，觉得它描绘的是一个繁华的时代。但陈先生却引导我去看画中的“生活气息”，那些卖货的小贩，街边嬉戏的孩童，甚至酒馆里觥筹交错的场景，都成为了他阐述“写实”在中国画中重要性的绝佳例证。他让我意识到，中国画并非全然脱离现实，而是以一种更具哲学高度的方式，将生活揉碎，再以笔墨的形式重新呈现。他分析了画中人物的动态，服饰的细节，甚至光影的变化，都蕴含着当时社会的风俗人情和生活哲学。这种由表及里的分析，让我仿佛置身于那个宋代的街市，而不是仅仅隔着时空的距离欣赏一幅画。他对“笔墨”的讲解也尤其精彩，不再是枯燥的技法堆砌，而是将其上升到了“精神”的高度。他用生动的语言，将硬性的笔触描绘成线条的舞蹈，墨色的浓淡变化比作情感的起伏，让我觉得每一笔每一画都蕴含着画家的心绪和思想。这种解读方式，对于初学者来说，既不会觉得晦涩难懂，又能深刻体会到中国画的独特魅力，实在是功德无量。
评分读完《品味经典-陈振کرا谈中国绘画史1》，我的感觉是，陈振کرا先生不仅仅是一位画家或者艺术史家，更像是一位睿智的长者，用一种极为亲切和包容的姿态，引领我走进中国绘画的漫长河流。他没有故作高深，也没有卖弄学问，而是循循善诱，将那些沉寂在历史尘埃中的画作，一个个鲜活地呈现在我面前。我尤其印象深刻的是他谈论到早期绘画的部分，比如那些壁画和帛画。我之前对这些作品的印象，往往停留在“古老”和“粗糙”的标签上。但陈先生却通过细致的分析，让我看到了其中蕴含的朴素的生命力，以及早期艺术家们对自然的敬畏和对神灵的想象。他会将壁画中的人物动作，与当时人们的祭祀活动联系起来，将帛画上的神兽形象，与古代的宇宙观结合起来。他解释了为什么那个时期的线条会显得那样遒劲有力，色彩会那样鲜明大胆，是因为它们承载着的是人们最原始的愿望和最真挚的情感。他让我理解，艺术的起源，往往是对生活最直接的表达，而不是后来才发展出的某种“风格”或“流派”。他还会用一些通俗的例子来比喻，比如将早期绘画的线条比作孩童涂鸦，但这种涂鸦却蕴含着纯粹的能量和无限的可能性，这让我更容易理解那些看似简单的画面背后所承载的深刻意义。他并没有刻意去回避这些早期作品的“不完美”，而是从中挖掘出它们独特的价值和历史印记，这使得他对中国画的整体梳理，显得更为客观和全面，也更能让我感受到中国绘画发展的脉络和演变。
评分这本书《品味经典-陈振کرا谈中国绘画史1》带给我的最大启发，就是让我看到了中国画中“生活”的真实面貌。我一直以为中国画是“遗世独立”的，是远离柴米油盐的。但陈振کرا先生通过对各个时期绘画作品的深入剖析，让我看到了中国画中浓厚的生活气息。他讲到唐代的人物画，那些仕女的装扮，宫廷的宴饮，甚至是边塞征战的场景，都充满了那个时代的真实生活印记。他让我意识到，古代画家并非只画山水花鸟，他们也关注人，关注社会，关注生活的方方面面。他以《捣练图》为例，详细分析了画中女子们的劳作场景，她们的神态，她们的动作，都充满了生活的质感。他不仅仅是描述画面的内容，更是通过这些画面，让我去感受那个时代人们的生活方式、社会风貌，甚至情感状态。他谈到宋代山水画，虽然以自然风光为主，但他会强调，这些山水并不是脱离尘世的，而是画家对自然的一种“观照”，是在自然中寻求心灵的慰藉和精神的寄托。他让我明白，即使是描绘山水，也融入了画家对生活的热爱，对自然的感悟，是一种“天人合一”的哲学思考。他引导我去看画中的细节，去体会画中的“人情味”，去感受中国画并非冰冷的艺术品，而是与生活紧密相连的，是活生生的，是能够引起共鸣的。这种对“生活”的挖掘，让中国画在我心中变得更加鲜活和接地气。
评分《品味经典-陈振کرا谈中国绘画史1》这本书，让我对“意境”这个词有了全新的认识。我之前总觉得“意境”是个玄之又玄的东西，是只可意会不可言传的。但陈振کرا先生却用一种非常具象化的方式，把我引进了“意境”的殿堂。他不仅仅是在谈论山水画的“意境”，而是将这个概念贯穿到中国画的各个时期、各种题材之中。他会分析为什么一幅画会让你感到宁静，或者激昂，或者萧瑟。他会告诉你，这种感觉，并不是凭空产生的，而是画家通过构图、色彩、笔墨，甚至是留白，巧妙地将自己的情感和对世界的理解，传递给了观者。他会以一幅描绘竹子的画为例，分析竹子的挺拔、疏朗，以及画家如何通过这些特点，寄托自己高洁的品格。他还会讲到，意境的产生，不仅仅在于画面本身，还在于观者自身的体验和联想。他鼓励我们不要仅仅停留在“看”，而是要“感”，要去“悟”。他甚至会引导我去思考，为什么画面中会出现某个特定的元素，比如一轮明月，一只孤雁，它们在画面中不仅仅是景物，更是情感的载体，是画家借以抒发内心孤独、思念或者期盼的符号。他让我明白，中国画的“意境”，是一种“画中有诗，诗中有画”的境界，是一种心灵的共鸣，是一种超越了物质形态的审美体验。
评分这本书《品味经典-陈振کرا谈中国绘画史1》给我的感受，是陈振کرا先生在用一种极其“人性化”的视角来解读中国绘画史。他没有拘泥于枯燥的年代划分和理论体系，而是将目光聚焦在每一个时代、每一位画家的“人”身上。他谈到古代画家，就像在聊身边的朋友，他们有自己的喜怒哀乐，有自己的追求和困惑。他会分析某位画家为什么会选择某种题材，为什么会运用某种技法，而这些选择的背后，往往隐藏着画家的人生经历、性格特点，甚至当时的社会际遇。他让我意识到，艺术创作，从来都不是凭空产生的，而是艺术家生命体验的真实写照。他还会引导我去体会画作中的“温度”，比如他谈到一些表现市井生活的小品，画面虽然朴实无华，但却充满了生活的热气和人情味。他让我感受到，即使是在描绘平凡的生活，也能够蕴含着画家对生命的热爱和对世界的善意。他甚至会为那些在历史上默默无闻的画家，提供一个发声的平台，让他们笔下的故事得以被看见。这种对“人”的关注，让中国画不再是冰冷的史料，而是有了温度，有了生命，有了可以触摸的情感。他的解读，让我在欣赏画作时，不仅仅看到了技法和构图，更是看到了画家背后的灵魂。
评分《品味经典-陈振کرا谈中国绘画史1》这本书，真的刷新了我对“国画”的理解，特别是关于“文人画”的部分。我一直觉得文人画是那种“意境高远”、“笔墨自由”的代表，好像画家一旦有了“文人”的身份，画就自动沾染了某种雅致和脱俗。但陈振کرا先生却对文人画进行了更深入、更辩证的解读。他没有简单地赞美文人画的“逸趣”，而是深入剖析了文人画产生和发展的社会背景，以及画家们在创作中的真实心态。他会提到，文人画的兴起，其实也是一种对当时社会主流审美和艺术模式的反抗。文人画家们，往往不满足于仅仅描绘客观世界的形貌，他们更渴望通过绘画来抒发自己的情怀，表达自己的节操和志向。他会以几位著名的文人画家为例，分析他们是如何通过“写意”的手法，将自己的情感融入到笔墨之中。比如，他谈到齐白石的虾，不仅仅是虾的形态，更是白石老人那种天真烂漫、不羁世俗的精神写照。他会强调，文人画的“写意”，并非随心所欲的涂抹，而是建立在扎实的写实功底之上，是对物象的深刻理解和提炼。他解释了为什么文人画的留白会如此重要，它不仅仅是画面的一部分，更是画家留给观者想象的空间，是“此时无声胜有声”的艺术妙谛。他的讲解，让我看到了文人画背后隐藏的“自我”表达，以及画家们在艺术创作中的挣扎与追求，不再是简单的“雅趣”，而是一种更深层次的精神交流。
评分《品味经典-陈振کرا谈中国绘画史1》这本书，让我开始重新审视“写实”在中国绘画中的地位。我一直觉得中国画以“写意”为主，写实的部分似乎不是那么重要。但陈振کرا先生通过对大量绘画作品的梳理，让我看到了写实在中国画发展过程中的重要作用，以及它与写意之间密不可分的联系。他并没有将写实和写意割裂开来，而是强调它们是相辅相成的，是同一枚硬币的两面。他会以宋代院体画为例，分析其中的写实功底是多么的扎实，线条是多么的严谨，色彩是多么的细腻。但他又会指出，这些院体画并非仅仅是客观的模仿，而是在写实的基础上，融入了画家的审美情趣和艺术追求，达到了“形神兼备”的境界。他甚至会分析，为什么文人画看似“写意”，但同样需要深厚的写实功底作为基础，没有扎实的写实基础，所谓的“写意”就容易流于空泛和粗糙。他让我理解，写实不仅仅是对物象的描摹，更是对物象本质的把握，是理解事物内在逻辑的基础。而写意，则是在对事物有了深刻理解之后，通过提炼和概括，所表达出的精神意蕴。这种辩证的分析，让我对中国画的理解更加深刻和全面，不再是简单地用“写意”或“写实”来标签化，而是看到了它们之间更复杂、更丰富的关系。
评分《品味经典-陈振کرا谈中国绘画史1》这本书，简直就是一本中国画的“导览手册”，而陈振کرا先生就是那位最贴心的向导。他以一种极为平易近人的方式，带领我游走在中国绘画的千年画廊。我之前对某些绘画风格，比如“粗笔水墨”或者“工笔重彩”，常常感到困惑，觉得它们之间似乎隔着一道难以逾越的鸿沟。但陈先生却用一种非常巧妙的叙事方式，将这些风格的演变娓娓道来。他会从历史发展的脉络入手，解释为什么会出现某种风格，它又是如何受到前代作品的影响，又如何启发了后世的创新。他不会去简单地定义或者评判，而是鼓励我去“品味”和“感受”。他甚至会用一些非常生活化的比喻来解释一些抽象的艺术概念，比如他谈到不同画家的用笔，会用不同人的 handwriting 来做类比，一下子就让人豁然开朗。他还会引导我去注意那些容易被忽略的细节，比如画中人物的眼神，服饰的纹理，甚至背景的处理，都能传递出画家想要表达的情感和意图。他让我想起，很多时候，我们看画，就像在听一个故事，而陈先生就是那个最会讲故事的人，他能把那些静态的画面，讲得活灵活现，引人入胜。他的讲解，让我不再觉得中国画是高高在上的艺术，而是可以走进、可以理解、可以欣赏的。
评分读《品味经典-陈振کرا谈中国绘画史1》，让我对中国画的“色彩”有了全新的认识。我一直觉得中国画的色彩比较淡雅，不像西方油画那样浓烈。但陈振کرا先生却通过对不同时期、不同画派的作品分析，让我看到了中国画色彩的丰富性和多样性。他会从古代的矿物颜料讲起，讲到不同时代对色彩的运用，以及色彩背后所蕴含的文化意义。他谈到唐代绘画的“重彩”，那些华丽的服饰，宫廷的宴乐，都充满了鲜艳的色彩，展现了大唐盛世的繁华。他又会谈到宋代绘画的“淡彩”，那种素雅、内敛的色彩，恰恰体现了那个时代的文人审美和哲学思想。他甚至会分析，为什么有些画作会选择大面积的留白，而有些画作会用色彩来填满画面，这些色彩的运用，都服务于画面整体的情感表达和意境营造。他让我意识到，中国画的色彩，并非仅仅是装饰，而是具有强大的叙事功能和情感传递能力。他会引导我去注意画面中色彩的冷暖对比，明暗变化，以及色彩与线条的配合，这些都共同构建了画面的视觉冲击力和审美价值。他让我明白，中国画的色彩，同样可以做到气势磅礴，也可以做到细腻入微，关键在于画家如何运用。
评分《品味经典-陈振کرا谈中国绘画史1》这本书，让我对“传承与创新”在中国绘画史上的意义有了更深的理解。陈振کرا先生在书中，并没有把古代的艺术家们描绘成一个个孤立的天才，而是强调了他们之间相互学习、相互影响的关系。他会从一个画派如何继承前人的技法和思想，又如何在此基础上进行发展和突破，娓娓道来。他让我看到，中国画的发展，并非是简单的复制，而是在继承中寻找新的可能性，在创新中保持文化的根脉。他会以几位大师的传世之作为例，分析他们是如何在前辈的基础上，加入了自己独特的思考和时代的印记，从而创造出新的艺术风格。他甚至会讨论，当代的艺术家，又应该如何去学习传统，如何去面对自己的创作，如何在继承和创新之间找到平衡点。他并不鼓励盲目的模仿，也不鼓励脱离传统的激进改革，而是倡导一种“温故而知新”的学习态度。他让我明白，真正的传承，不是照搬，而是理解其精髓，并将其运用到当下的创作中。而创新，也并非是凭空创造，而是对传统的理解和再创造。这种对传承与创新的辩证思考，让中国画的脉络在我心中更加清晰，也让我对中国画的未来充满了期待。
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