美术高考实战范例6

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出版者:黑龙江美术出版社
作者:张舰
出品人:
页数:40
译者:
出版时间:2007-10
价格:26.00元
装帧:
isbn号码:9787531818601
丛书系列:
图书标签:
  • 美术高考
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具体描述

《美术高考实战范例6:素描头像(张舰夏松阳素描集)》以素描头像画为实例,就实用性技法进行实际操作,可使你从中体会到素描头像画的作画过程,拓宽你观察客观实物的能力。尤其是分步骤的演示和简洁明确的文字讲析,更能让学习者很快地掌握素描头像画的基本技能,在学习过程中少走弯路,使你在素描头像作画过程中有突破性的进展。

《素描精炼:光影与结构的深度解析》 本书聚焦于素描基础技能的系统性训练与高阶表现力的探索,旨在为美术爱好者、艺术院校预备生以及专业美术工作者提供一套全面、深入且极具实操性的学习指南。我们摒弃了繁琐的历史沿革和宽泛的美学探讨,直击素描学习的核心——如何精确、高效地捕捉和再现视觉真实,并在此基础上构建独特的主观表达。 第一部分:基础构建——精确的视觉解码(约400字) 本部分是理解素描本质的基石。我们首先探讨“看”与“画”之间的桥梁,即如何将三维空间转化为二维平面上的精确符号。 1. 形态的几何语义: 深入剖析基础几何体(立方体、球体、圆柱体)的结构性特征。强调结构线、透视线和比例尺的严谨运用。内容涵盖单点透视、两点透视乃至复杂多点透视在静物和场景构建中的实际应用,确保学习者能够“画出空间感”,而非简单的轮廓堆砌。我们提供了一系列针对性练习,要求学习者在不依赖任何参照物的情况下,徒手重建复杂形体的空间骨架。 2. 光影的物理法则与视觉转换: 不同于停留在“亮面、灰面、暗面”的初级划分,本书详细解析了光源的性质(点光源、面光源、散射光)如何影响物体表面的光照分布。重点讲解“明暗交界线”的微妙过渡、“反光”的提亮作用以及“环境光”对暗部的色彩影响。通过对不同材质(如金属、玻璃、织物)在同一光照条件下的光影差异对比分析,指导读者掌握材质的表现技巧。我们特别设置了“光影逻辑推理”章节,要求学习者根据画面已有的光影关系,反推光源的位置、强度与性质。 3. 调子的心理暗示: 探讨素描调子(明暗层次)如何服务于造型与氛围的塑造。内容包括如何通过调子的疏密变化来引导观者的视线,如何利用对比度来区分主次关系,以及如何通过细微的灰阶变化来表现体积的内在质感。强调“整体性”的调子处理,避免局部过“灰”或过“黑”的现象。 第二部分:进阶实践——对象的深度解构(约650字) 在牢固掌握基础光影与结构后,本部分将学习对象从简单的几何形体拓展到复杂的自然与人造物体。 1. 静物组合的叙事性: 静物写生不再是简单的物体堆砌,而是对特定生活场景的微型构建。本章教授如何进行高效的取舍与布局,如何利用透视关系和视觉焦点来组织画面。深入分析不同质感(如水果的湿润、陶土的粗粝、金属的光滑)在素描中的表现语言。特别关注“衬布”的处理,将其视为平衡画面结构、引导光线流向的重要元素,而非仅仅是背景填充。 2. 石膏像的结构化训练: 石膏像作为经典训练项目,本书侧重于其“可被分解性”。以古典雕塑(如大卫、米洛的维纳斯头像)为例,引导读者将其视为由多个几何体块(球体、锥体、平板)相互叠加咬合而成。重点训练“切面”的准确把握,如眼眶的深度、鼻梁的转折、嘴唇的厚度。强调对“结构转折线”的敏感度,确保头部体积的完整性和内在的支撑感。 3. 人体解剖的简化模型: 针对素描表现,我们不要求学习者掌握详尽的肌肉名称,而是聚焦于“形体体积”的塑造。内容简化为人体的基本块面(如头骨、胸廓、骨盆),以及主要力量的传导线。通过对古典人体素描的分析,学习如何用简练的线条勾勒出动态的平衡,并用大面积的明暗块面来表现肌肉的起伏和张力,而非纠结于过多的细节刻画。 第三部分:表现技法与个人风格的提炼(约450字) 此部分旨在帮助学习者跨越“画得像”的阶段,迈向“画得有力量”。 1. 笔触的语言学: 探讨不同工具(硬铅笔、软铅笔、炭笔、排笔)在不同纸张上所产生的独特肌理和表现力。讲解“排线”的逻辑,从平涂到交叉排线、顺势排线,如何利用笔触的疏密、方向和力度来模拟现实中的纹理和空气感。我们鼓励学习者根据对象性质,选择最富表现力的笔触语言。 2. 构图的动态平衡与节奏感: 构图不再是“居中”或“三分法”的机械应用。本章引入对“负空间”(留白)的有效利用,探讨如何通过非对称布局来增强画面的张力和视觉趣味。讲解“视觉重量”的概念,学习如何通过物体的大小、对比度和位置来分配画面的视觉重心,形成流畅的观看节奏。 3. 从写实到意象的过渡: 引导学习者认识到素描的最终目的是表达“主观感受”。在完全掌握客观描绘能力后,鼓励进行“意向性提炼”练习,即:如何通过强化或弱化某些特征(如夸大光影对比、简化结构层次)来突出作品的主题思想或情感倾向。提供黑白灰的“抽象化”训练,训练对形态本质的把握,为未来涉猎其他艺术形式打下坚实的抽象思维基础。 本书是献给那些渴望深入理解素描本质,并希望将严谨的造型能力转化为强大艺术表现力的学习者的一本深度实践手册。

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读后感

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用户评价

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这本书的章节编排逻辑非常严谨,它显然不是简单地把历年考题拼凑起来。它似乎遵循了一种从基础到高阶的螺旋式上升结构。最初的几章着重于基本功的“效率化”,比如如何在最短时间内完成一个完整头部的比例和结构草稿。然后,它逐步过渡到应对特定题型——比如命题创作和材料肌理的模拟。我过去对于“命题创作”环节总是无从下手,觉得太依赖灵感。但《范例6》提供了一套“概念提炼”的方法论,教你如何从一个抽象的题目(比如“生命的力量”)中迅速提取出几个核心视觉元素和可操作的造型语言。更令人惊喜的是,它还附带了几个针对不同地区考纲特点的分析模块,虽然我所在的省份的考题没有完全覆盖,但它提供的解题思路和应试策略,是具有普适性的。这本书让我意识到,高考美术不是一场艺术的纯粹展示,更像是一场技术和心理素质的综合考验,而这本书正是最好的“考场模拟器”。

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我收藏了市面上很多同类型的速写和设计类书籍,但《美术高考实战范例6》是我唯一一本会经常翻阅,并且每次都能发现新东西的。它的风格非常“务实”,没有任何故弄玄虚的艺术腔调。其中关于人体动态速写的部分,对我帮助尤其大。我以前画人物总是僵硬的“火柴人”,没有生命力。这本书没有让我去背复杂的解剖学,而是通过观察人物在不同情境下的“重心转移”和“肌肉张力”来简化动态捕捉。它展示了一系列非常简练的“结构线”练习,这些线条虽然简单,却能瞬间抓住人物的神韵和运动轨迹。而且,它对不同媒介(铅笔、钢笔、马克笔)在表现动态时的差异也有详细的论述,这让我不再局限于单一工具。总而言之,这本书不是让你成为一个伟大的艺术家,而是让你在有限的考试时间内,最大化地展现你已掌握的技能,以一种高效、专业的方式去“赢得”分数。

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这本《美术高考实战范例6》简直是为我这种基础薄弱的考生量身定做的“救星”。我一直对素描的结构理解很模糊,总觉得画出来的东西像“贴纸”一样平,没有立体感。然而,这本书里对光影和透视的讲解,简直是把复杂的理论知识拆解成了幼儿园级别能理解的步骤。它没有堆砌那些晦涩难懂的术语,而是直接拿了几个最常见的静物组合——比如一个水壶配几个水果——手把手地教你怎么观察“形体是怎么在空间里存在的”。我记得其中一章专门讲了“体积感的建立”,作者用非常直观的笔触对比图告诉我,高光、灰面、暗面、反光这几个区域的过渡要多么微妙。我按照书里的步骤试了几次,虽然还远远达不到范例的水平,但至少我能感觉到我的画面开始有了“重量”和“深度”。特别是对石膏像的塑造,它提供的不是标准答案式的临摹,而是告诉我“这个鼻子为什么是这个形状,它的受光面和背光面是如何被切割的”,这种思维方式的引导,比单纯看几百张成品图要有效得多。现在我对考试的信心大增,感觉自己终于找到了正确的努力方向,不再是盲人摸象了。

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我作为一个已经参加过一次高考,但美术分数差强人意的复读生,对市面上那些“速成秘籍”早就免疫了。它们大多内容空泛,充斥着“大胆下笔,不要犹豫”之类的口号,真正实操起来却毫无帮助。但《美术高考实战范例6》给我的感觉完全不同,它更像是一本高质量的“错误诊断手册”。我过去最大的问题是在色彩速写上,总是在调色阶段陷入僵局,要么颜色脏掉,要么画面灰暗。这本书里花了大篇幅来解析“冷暖关系的平衡”,它不是简单地说“这里要用暖色”,而是深入剖析了在特定环境光下,不同材质(比如金属和木头)对环境色的反射和吸收规律。最让我眼前一亮的是,它展示了好几组“失败案例分析”,作者会用红色的笔直接在低分作品上标注出问题所在,比如“此处的环境色引入过度,导致主体形体被削弱”。这种毫不留情的批判性分析,让我能清晰地看到自己画作中那些潜藏的致命弱点,而不是自我感觉良好。它教会我的,是如何在限定时间内做出“最不坏”的决定,这在考场上是至关重要的生存技能。

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坦白说,这本书的装帧设计和印刷质量是顶级的。作为一本实践性的教材,纸张的厚度和色彩的还原度直接决定了学习体验。《美术高考实战范例6》在这方面做得非常到位。尤其是那些水彩和速写部分,色彩的层次感和墨色的浓淡变化,在原版印刷上几乎没有失真。我特别喜欢它在设计构图那一块的处理方式。很多教材只会给出几个“黄金分割”的例子,显得过于刻板。《范例6》则引入了大量的“动态平衡”和“视觉引导线”的概念,它展示了如何利用画面的留白和线条的走向,把考官的视线自然地引向你想强调的重点。我发现,许多被认为“天赋型”的优秀作品,其实都是遵循了这些深层次的构图逻辑。书中对“主次分明”的诠释也十分精妙,它不是通过简单地把物体画小来区分主次,而是通过细节的丰富程度和笔触的松紧来控制视觉焦点,这对于提升我作品的整体“高级感”起到了决定性的作用。

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