5 86254 2 4 PROKOFIEV…(普罗科夫耶夫芭蕾舞罗密罗与朱)(CD)

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isbn号码:9787243586256
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具体描述

异域之声:探寻二十世纪音乐的交响与变奏 一、 从维也纳的金色大厅到巴黎的先锋实验:音乐现代性的诞生与回响 本书并非聚焦于某一位特定作曲家的芭蕾舞剧,而是以更广阔的视角,审视了二十世纪上半叶,欧洲古典音乐在剧变时代中的探索与转型。我们深入剖析了自“世纪末”的浪漫主义余晖散尽后,音乐如何挣脱传统的和声束缚,迈向结构主义与表现主义的复杂疆域。 1. 德奥传统的中断与重塑:勋伯格、魏本恩与十二音体系的革命 首先,我们详细考察了阿诺德·勋伯格及其追随者——安东·韦伯恩和阿尔班·贝尔格——在维也纳发起的“第二维也纳乐派”运动。他们对传统的调性体系的彻底扬弃,并非单纯的“反叛”,而是一种基于数学逻辑和内在必然性的结构重构。 十二音技法的原理与哲学基础: 本章不仅介绍了十二音序列的构建规则(如避免调性中心的出现,以及对音高的平等对待),更探讨了这种技法背后的哲学意图——在信仰危机和社会解构的背景下,音乐如何寻求一种新的、客观的、去个人化的秩序。 韦伯恩的“远景音乐”: 我们着重分析了韦伯恩后期作品中对音色、力度和时值的精微控制。他的音乐如同微雕艺术,每一个音符都承载着巨大的信息量,要求听众具备极高的专注力。这种“稀疏化”的写作手法,是对德彪西和拉威尔声响印象主义的一种结构性回应。 贝尔格在戏剧中的应用: 贝尔格的歌剧《沃采克》和《露露》被视为新德国歌剧的里程碑。我们分析了他是如何巧妙地将无调性音乐与传统曲式(如奏鸣曲式、赋格)相结合,从而在保持极度紧张的内心冲突表达的同时,维系了听众对戏剧叙事的接受度。 2. 法国印象主义的延伸与“新古典主义”的回潮 与德奥的激进探索并行,法国音乐界走上了一条更为注重清晰度、节奏活力和对过去形式的审慎借鉴之路。 拉威尔的精致与理性: 莫里斯·拉威尔的作品,即使在运用色彩和和声进行复杂实验时,也始终保持着一种近乎完美的工艺性。本节讨论了他在配器法上的登峰造极,特别是《波列罗》中对单一动机不断叠加与增殖的非凡处理,以及他如何从巴洛克和古典时期的结构中汲取养分,加以高度个人化的润饰。 斯特拉文斯基的“原始主义”与新古典的转向: 伊戈尔·斯特拉文斯基是二十世纪音乐版图上最具可塑性的巨人。我们首先分析了他早期的“原始主义”三部曲——《火鸟》、《彼得鲁什卡》以及震撼巴黎的《春之祭》。《春之祭》中对不协和和弦的频繁使用和对非对称节拍的狂热崇拜,如何直接挑战了听众的审美习惯。随后,我们追踪他从“原始主义”向“新古典主义”的重大转变。这种转变并非简单的复古,而是用现代的、极简的语汇重新审视巴赫、莫扎特等人的清晰结构与客观精神。 二、 跨越边界的对话:民族主义的复苏与地域色彩的融合 二十世纪的音乐不再仅仅是欧洲中心的产物。民族乐派的作曲家们将本国的民间音乐、语言节奏和历史叙事融入严肃音乐创作中,极大地丰富了音乐的表达范畴。 1. 东欧的诗意与张力: 匈牙利的“琴键”与民间节奏: 我们考察了以巴托克·贝拉为代表的匈牙利作曲家,他们不仅是民间音乐的采集者,更是将其精神内核转化为室内乐和协奏曲的革新者。巴托克对非洲节奏和土耳其音乐的吸收,展示了音乐家在寻求本土化表达时,对外部世界的开放态度。 捷克的“叙事性”: 列奥什·雅纳切克对摩拉维亚方言的音高和抑扬顿挫的细致捕捉,使其歌剧和室内乐充满了罕见的、直接源于语言的内在戏剧性。他作品中那种粗粝而真诚的情感表达,与西欧的精致形成了鲜明对比。 2. 苏联体制下的创作困境与辉煌: 本章侧重分析了在国家意识形态严格控制下的苏联作曲家群像。 “社会主义现实主义”的压力: 我们探讨了如何理解肖斯塔科维奇的音乐。他的交响曲和室内乐作品中,往往存在着表面的宏大叙事与潜藏的讽刺、悲剧、个人恐惧之间的双重编码。他的作品是特定历史时期下,艺术家在公开表达与内心独白之间走钢丝的生动记录。 加拉格尔与声音的自由探索: 相较于体制内的主要人物,我们也将目光投向那些游离于主流之外的声音,如尼古拉·梅德特纳(Nikolai Medtner)等,他们的作品继承了更为深厚的浪漫主义传统,但其和声语言同样超前于时代。 三、 室内乐的复兴与管弦乐队的革新 二十世纪的音乐家们认为,大型管弦乐队的音响已经达到了一个饱和点,因此,室内乐(如奏鸣曲、四重奏)被重新视为最纯粹、最适合进行结构实验的载体。 “新巴洛克主义”的回归: 许多作曲家,包括保罗·欣德米特,主张“制造音乐”(Gebrauchsmusik),强调音乐的功能性与演奏的清晰性。欣德米特对对位法和赋格结构的重新重视,是对巴赫精神的理性继承,旨在恢复音乐的工艺美和透明度。 乐器法的拓展: 乐队的配置也发生了革命性的变化。扩展的打击乐器组、对钢琴(或低音钢琴)的广泛应用,以及对木管乐器特殊技巧(如多音奏法、嘶哑音)的开发,使得管弦乐队的声音调色板变得前所未有的丰富和奇异。 本书旨在为读者提供一个清晰的地图,描绘出二十世纪音乐是如何从既定的和谐法则中解放出来,走向一个充满不确定性、结构严谨性与情感张力并存的全新听觉世界。它不依赖于某一特定剧目的具体情节,而是通过对创作手法、哲学背景和地域特色的分析,全面解析了这一时期音乐语言的根本性变革。

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从侧面看,这本书的目录结构组织得极其巧妙。它不像一般书籍那样采用简单的线性叙事,而是似乎构建了一个多维度的知识网络。我光是看着那些大标题之间的跳跃和联系,就已经脑洞大开,猜测作者是如何将看似不相关的领域巧妙地编织在一起的。这种非传统的逻辑推进方式,恰恰激发了我强烈的求知欲,让我迫不及待地想知道,那些晦涩的理论是如何被阐释得如此引人入胜的。这本书的跨度似乎非常大,涉及的领域从哲学思辨到具体的实践案例,让人感觉它不仅仅是一本书,更像是一份详尽的、充满启发性的思考工具箱。我尤其欣赏其中似乎埋藏的那些“伏笔”,那些在章节标题中若隐若现的暗示,让我在开始阅读之前,就已经在脑海中构建了无数种可能性,这是一种非常高级的引导方式。

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这本书的整体气场非常强大,散发着一种沉静而又自信的力量感。我还没来得及深入阅读文字内容,仅仅是掂量着它的分量,感受着它散发出来的“存在感”,就能预感到它将带来的冲击力。它不像市面上那些追求轻薄和快速传播的读物,它更像是一部需要郑重对待的经典之作。书本边缘的涂布工艺处理得相当专业,使得整体视觉上非常统一和完整,即便是随便放在书架上,它也是一道独特的风景线。这种对物理形态的重视,往往意味着作者在文字内容的逻辑建构和表达上,也必然是缜密无虞的。我非常期待能尽快开启我的阅读之旅,去探究这看似沉稳的外表下,究竟隐藏着怎样一份令人惊叹的智慧和洞察力,相信它能带给我长久的影响和思考的火花。

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这本书的装帧设计中,那个特制的函套设计给我留下了极其深刻的印象。函套的材质带着一种低调的奢华感,颜色与主书的色调形成了和谐的对比,既保护了书籍本身,又增加了收藏价值。打开函套时,那种轻微的阻尼感和内敛的摩擦声,都让整个“开箱”过程充满了仪式感。这说明出版方真的理解“阅读体验”不仅仅是内容本身,更是从触摸到视觉全方位的感官交互。这种对细节的极致追求,让我对这本书的内容质量产生了由衷的信赖。我敢肯定,这本书的定位绝非快餐式阅读读物,它更像是为那些真正热爱深度探索、追求生活品质的读者准备的珍藏品。这种精雕细琢出来的产品,往往意味着内容也经过了反复的打磨和升华,值得我们投入足够的时间去细细品味。

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这本书的封面设计简直是视觉上的享受,那种古典与现代交织的质感,让人爱不释手。我拿到手的时候,首先就被那种厚重的纸张和细腻的印刷所吸引。虽然我还没来得及深入阅读,但仅仅是翻阅目录和章节标题,就能感受到作者在选题和结构上的匠心独运。每一章的命名都充满了诗意和哲思,仿佛预示着一段引人入胜的旅程即将展开。特别是那些手绘的插图,线条流畅,色彩饱满,与文字形成了完美的呼应,展现出一种超越时代的艺术魅力。光是欣赏这些排版和配图,就已经值回票价了。我期待着能有足够的时间,沉浸在这本书营造的独特氛围中,去细细品味每一个精心打磨的细节。这绝不是一本可以囫囵吞枣的书,它需要你放慢脚步,用心去感受作者想要传达的那份深沉的情感和深刻的见解。这本书的整体调性非常高雅,从内页的留白到字体选择,都透露出一种对阅读体验的极致追求,让人忍不住想立刻找个安静的下午,泡上一杯茶,慢慢享受这场阅读的盛宴。

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我花了点时间研究了一下这本书的装帧工艺,不得不说,装帧师绝对是下了血本的。书脊的锁线工艺扎实得让人放心,可以完全平摊开来阅读,这对于需要反复查阅或者边看边做笔记的读者来说,简直是太友好了。内页的纸张选择上,似乎也经过了反复的试验,光线不刺眼,字迹清晰锐利,长时间阅读也不会感到疲劳。而且,我注意到书的侧面裁切得异常平整光滑,触摸上去有一种温润的手感,这在很大程度上提升了阅读过程中的愉悦感。这本书的重量感也恰到好处,既有分量,又不至于沉重到让人拿不住,拿在手中有一种沉甸甸的充实感,仿佛手里握着的是一件艺术品,而不是简单的知识载体。这种对手工细节的执着,让人对书中所承载的内容也抱有了更高的期待,相信作者和出版社在内容上也一定倾注了同样的热情与严谨。

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